Jamily Rigonatto 

Pele, ossos, órgãos, sangue e história. São esses cinco elementos que compõem a unidade de um corpo. Matéria física, esse conjunto ganha diversas traduções paradoxais no nosso dia a dia, sendo conhecido como ‘casa da alma’, ‘templo da mente’ e múltiplas variações que, nas entrelinhas, resumem um corpo como o espaço palpável que abriga o intocável mundo das ideias, como diria Platão. Mas, longe de definições rasas: “O que pode um corpo?”. Em cenas dinâmicas, Corpo Presente responde.

O filme, que estreou em Novembro de 2024 nos cinemas brasileiros, é uma produção dirigida por Leonardo Barcelos. Com a proposta de explorar a corporeidade em suas possibilidades, a obra mistura relatos reais à cenas diversas, criadas a partir da ficcionalidade ou execução de performances artísticas com uma pluralidade de etnias, gêneros e formatos do corpo humano. 

A escolha visual explora a corporeidade em takes diversos com um tom experimental em que as cenas se assemelham aos efeitos comuns de obras vinculadas ao videoartivismo. Alguns momentos são quase psicodélicos, com um jogo de câmera que incentiva isso de maneira persistente.  A Fotografia, assinada por Vagner Jabour, traz planos que se movem criando redes de espirais, com movimentos de travelling – em que a câmera e o corpo se movem em cena –, estáticos e tilt – com a câmera explorando uma expansão vertical dos planos.

Outro aspecto interessante se refere a montagem do longa-metragem – também atribuída a Barcellos –, que retoma cenários recorrentemente, com certa evolução dos acontecimentos, a exemplo da cena em que mulher encara um espelho e depois reaparece tocando forma e reflexo. Essa decisão causa a sensação de progressão; a ideia de que, com o avanço dos frames, essas personas sem nome vão ganhando mais intimidade e estreitando os laços com o conceito de corporeidade. 

Quando se fala em narrativa, fica subentendido um discurso sobre gênero, considerando que grande parte das cenas são guiadas por uma protagonista e a maior parte da narração também se dá na voz dela. Considerado o corpo mais subjugado de uma sociedade – junto de pessoas transgênero – essa figura violentada, calada e sufocada é representada por metáforas com o corpo amarrado, soterrado, atingido e até mesmo ‘desmontando’ em torno de uma agressão milenar; herança de gerações longínquas. Outras minorias, como as pessoas negras, indígenas e LGBTQIA+ também aparecem nesse molde de certo sufocamento, em reflexo à maneira com a qual o mundo as encara. 

Ainda, há uma proposta voltada a comparação do corpo com o elemento natureza. Terra, fogo, ar e água envolvem todo o enredo e vão criando pontes que contrapõem os detalhes, como as veias e o floema das árvores. Essa relação promove a ideia de sistema compartilhado, em que nenhum corpo está isento de histórias bilaterais, afinal, toda a matéria se interliga.

Seja ao explorar o corpo enquanto uma forma natural e, necessariamente, naturalista, expondo processos como o parto ou o sexo de maneira selvagem e, juntamente, poética, ou na escolha de expandir detalhes invisíveis a olho nu, como a formatação celular, Corpo Presente é disruptivo. Esse ponto cumpre um propósito comum às obras subversivas: colocar o telespectador para pensar.

A forma escolhida pode desagradar quem procura um roteiro linear ou, até mesmo, um enredo inclinado à contação de estórias. O propósito aqui é outro. Em linhas gerais, a produção filmográfica pode ser resumida como uma viagem simbólica em cinesia sobre o que nos permite ter conexão com o planeta Terra e suas perspectivas complexas, capazes de tão mais do que o que está à altura dos olhos. 

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Giovanne Ramos

Para quem não está habituado com as gerações do K-Pop, aqui vai uma rápida aula. A primeira lição é: não há consenso entre os recortes entre as gerações do ritmo, mas elas realmente existem. Esse bloco temporal foi construído analisando o perfil sociocultural, visual, conceitual e, principalmente, o estilo musical de grupos em determinados períodos. Popularmente, é dito que existam 4 gerações, sendo a primeira delas a que fundou o gênero e a última a mais instável e de difícil definição, mas certamente é na qual Aespa está localizada e ditando as tendências com o seu mini-álbum de estreia, Savage.

Desde as primeiras coletivas da empresa SM sobre o seu novo girlgroup Aespa, já se esperava um grupo de alto nível e com um conceito futurista envolvido, e de fato isso vem se concretizando. As 4 integrantes do projeto, Karina, Winter, Giselle e NingNing, foram anunciadas junto de seus avatares, bonecas virtuais representativas das artistas. ÆSPA, vem literalmente das palavras avatar, experience e aspect, sendo assim, um grupo compromissado em explorar a realidade e o melhor do universo virtual com as tecnologias disponíveis.

O conceito não foi bem visto pelo público. A ideia de uma representação virtual das idols, que já levam uma rotina exaustiva na realidade, assusta. Havia-se o medo dos fãs, tão exigentes, acabarem perdendo ainda mais a noção de distância com as suas ídolas as tendo ali por perto. Mas todas essas incertezas e medos foram por água abaixo em novembro de 2020 com Black Mamba, single de estreia. Toda a subjetividade conceitual do quarteto se materializou em um clipe super produzido com ótimos jogos de câmera, um estética coesa e garotas totalmente talentosas e uma música de tom questionável.

A melodia não é lá das inovadoras, é possível que, vasculhando o arsenal da terceira geração, em grupos como BLACKPINK, Everglow e até o os veteranos da mesma empresa, NCT, você encontre algo semelhante, mas o que faz da faixa única é a sua letra. Cheia de referências, easter eggs e códigos, Aespa cria o seu próprio universo como se estivessem em sua própria aventura RPG, onde a black mamba é a vilã suprema e elas, as heroínas. Termos como FLAT, SYNK, KWANGYA, não fazem o menor sentido, mas são elementos que constroem a narrativa nos seus lançamentos seguintes: a balada-cover Forever, a obra-prima de 2021 Next Level e fechando todo o ciclo de preparação com o EP Savage.

Antes de falar propriamente sobre o primeiro trabalho extenso do grupo, é válido mencionar o hit Next Level. A música é um cover adaptado da faixa de mesmo título lançada na trilha sonora do filme Velozes & Furiosos: Hobbs & Shaw. A faixa, no entanto, foi adaptada e, de um trap simplista, se tornou uma viagem mesclada em hip-hop dance e upbeat-jazz. Com isso, as novatas aumentaram o nível e estabeleceram uma expectativa enorme para o disco de estreia.

E elas foram cumpridas! Através dos teasers que antecipam o lançamento, já era previsto que o grupo mergulharia numa sonoridade futurista, utilizando muitos sintetizadores e outras parafernalhas tecnológicas disponíveis aos produtores. Mas funciona. De cara, somos recebidos pela energética aenergy, a primeira faixa do EP. E o título não poderia ser melhor. Se existem gritos de guerra para todo artista, essa cumpre o papel para Aespa. Autoreferenciação, batida envolvente, letra preenchida com mensagens de autoestima, tudo isso define um hino e mostra que teremos uma surpresa agradável com as outras 5 faixas seguintes.

A seguir temos a faixa título e a de trabalho, Savage. Iniciando em tom debochado “Oh my gosh, don’t you know I’m a Savage?” (Oh meu Deus, você não sabia que eu sou selvagem?), temos uma música que pode causar estranhamento inicial. É uma daquelas canções que você escuta uma vez e tenta digerir o que foi que aconteceu. Ao contrário de Next Level, single anterior, não é feita de altos e baixos surpreendentes. Mas na segunda escuta, na terceira, na quarta e, sem perceber, você já está cativado e viciado em elementos diversos da produção. O “zuzuzuzu”, no refrão, a ponte melancólica interpretada em vocais poderosos e a batalha de notas altas no final da música, tudo isso faz com que você revisite diversas vezes a canção, principalmente junto do videoclipe, que traz uma linearidade da narrativa construída desde o seu debut e um provável encerramento de fase. A música é um hit pronto.

Uma característica interessante de todo o conceito e desenvolvimento de Aespa e de suas músicas é a sensação – e talvez realmente seja – de que as integrantes estão numa aventura contra um inimigo e existe toda uma jornada ali envolvida. I’ll Make You Cry reforça essa teoria. Pode parecer paradoxal, mas ao mesmo tempo que a faixa, que abusa do dubstep, é moderada, ela é intensa. As frases de efeito pós-refrão, quase como se fossem uma descrição de um ato, criam uma dimensão de que elas realmente estão vivendo em um jogo e você consegue reproduzir a imagem simplesmente pela maneira como a música é vocalmente interpretada. Uma ótima sequência para Savage.

Dentro do álbum sempre temos aquelas músicas díspares, mas que de maneira alguma significa que não combinam com a sonoridade e impactam negativamente na coesão do trabalho. É o caso de YEPPI YEPPI e ICONIC. A primeira citada destoa do tom sério e ousado construído até então, é quase que um encerramento da quest de Aespa. Agora elas estão descontraídas numa música hyperpop e hiper animada. As intérpretes estão longe do color pop e aegyo conhecidos no K-Pop, mas certamente fizeram a sua própria interpretação do que seriam esses gêneros na visão do Aespa. A música é divertida e certamente coloca quaisquer ânimos para cima com o casamento do canto falado e o beat envolvente. Iconic por sua vez, tenta retomar a densidade encontrada na primeira parte do álbum, mas perde o seu gás. Longe de ser ruim, mas as faixas anteriores parecem cumprir o seu papel bem melhor.

Por fim, Savage se encerra com a sensacional Lucid Dream, um pop mesclado de um R&B alternativo. Aqui, visualizamos o melhor que uma produção pode oferecer com os seus sintetizadores, mixagens e amplificadores, tudo isso para uma balada. A música foi bastante comparada com algo que a sub-unit do grupo Loona, Odd Eye Circle, lançaria. Uma balada que ao mesmo tempo mostra a intensidade, sensualidade vocal e uma tridimensionalidade delirante para todos aqueles que estão vivendo um sonho lúcido, como diz a tradução do título da faixa.

Savage entra em um legado de álbuns onde todas as b-sides estão bem trabalhadas e são de grande qualidade, algo que o K-Pop, conhecido por trabalhar somente os singles e lotar o restante do material de produções fillers, está começando a investir. Era esperado um trabalho de alto nível e ele foi cumprido, não à toa está quebrando diversos recordes. O álbum já se tornou o maior primeiro trabalho em vendas por um grupo feminino em sua primeira semana e está constantemente alcançando marcas impressionantes até mesmo para grupos veteranos da última geração. Temos ótimos nomes nessa nova leva feminina do K-Pop, como Itzy, Stayc e Weeekly, mas em questões de números? Aespa tomou a dianteira e a concorrência terá que correr atrás, principalmente as que estão para estrear.

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João Pedro Piza

A Segunda Guerra Mundial, em muitos aspectos, mudou os rumos da humanidade. As atrocidades presentes no front, o medo constante da vigilância proveniente dos membros dos Estados totalitários e o horror disseminado pelas mais modernas técnicas de batalha forjaram no inconsciente dos cidadãos europeus um grande sentimento de desesperança. A Inglaterra, uma das potências mundiais da época e, por isso, grande alvo de Hitler na parte ocidental do continente, foi bombardeada pelos aviões alemães da Luftwaffe em 1940. Sob escombros e com pelo menos 450 mil mortos, os ingleses buscavam reestruturar o país a partir dos anos 1950, após a vitória dos aliados e dos efeitos do Plano Marshall. Mas não era nada fácil.

Nesse contexto, seria pouco coerente as manifestações artísticas do cenário cultural de Birmingham, cidade industrial e protagonista da metalurgia na Inglaterra, rodeada pela miséria, desemprego e crises, apresentarem o mesmo tom de paz, amor e esperança dos hippies — especialmente poetas e músicos norte-americanos. Dessa forma, Ozzy Osbourne, Tony Iommi, Geezer Butler e Bill Ward possuíam uma ótica pessimista e distópica no que tange a maneira de encarar a sociedade e ver o futuro. Naturalmente, trocaram as roupas coloridas e as flores por jaquetas de couro e crucifixos. 

Influenciados também pelo Cinema de Horror, os quatro passaram a tentar transmitir a mesma sensação de pânico e melancolia ao assistir a um filme às primeiras composições da nova banda que formaram — já que o nome previamente escolhido pertencia a outro conjunto. Como ensaiavam perto de um cinema, viam de perto as multidões que se aglomeravam para sentir medo — como se a realidade do pós-guerra não bastasse. Entre os principais longas presentes nas sessões, estavam os do diretor Mario Bava. Inspirados por um de seus preferidos, decidiram que o nome da banda seria Black Sabbath — com Ozzy assumindo os vocais; Tony Iommi, a guitarra; Geezer Butler, o contrabaixo; e Bill Ward, a bateria.

Curiosa e ironicamente, o som característico do quarteto é proveniente de um grave acidente envolvendo o guitarrista. Enquanto trabalhava em uma fábrica, no seu último dia de trabalho, Iommi prendeu sua mão em uma máquina que cortava placas de ferro e teve as pontas de seus dedos anelar e médio da mão direita — a que fica no braço do instrumento — decepadas. Para continuar tocando, precisou utilizar cordas mais finas, acordes simples — utilizando escalas pentatônicas e power chords — e afinação baixa. 

Dessa forma, com certo grau de coincidência, o novo timbre desenvolvido é bastante soturno e obscuro. O baixo e a bateria seguiam uma linha parecida. Butler aprimorou a maneira de conduzir as levadas, abusando de quebras das tônicas, buscando notas um pouco mais agudas, como as oitavas. Bill Ward, por sua vez, adaptou viradas e ritmos do blues e do jazz a uma batida sólida e muito pesada.

Para o som denso vindo da guitarra, as letras não poderiam destoar. Desse modo, temas inspirados na literatura ocultista, em filmes de terror e em manchetes que abordavam acontecimentos caóticos figuravam o repertório em formação. Diferentemente de outras bandas da época, o Black Sabbath soube usar doses de fantasia unindo-as à situação pela qual viam o mundo, para, enfim, formular uma crítica aos valores bélicos, à corrida armamentista e à ordem capitalista entrando em vigor aos poucos ao longo da Guerra Fria.

Com o conceito e som definidos, rapidamente trabalharam nas primeiras canções, que foram lançadas no ano de 1970 em um álbum de mesmo nome que a banda — gravado e mixado em incríveis 18 horas. A começar pela capa assustadora, mostrando uma figura vestindo uma capa preta em frente ao que parece ser uma casa mal-assombrada, a faixa inicial Black Sabbath é de tirar o fôlego — e o sono. Iniciada por sons de sinos, chuvas e trovões, a guitarra de Iommi entra de maneira cortante com um riff memorável. 

Após a primeira nota, a banda o acompanha, gerando um clima de tensão e pânico. Logo Ozzy começa a contar experiências de uma perseguição misteriosa. Aos poucos, nos questionamos o que é aquela figura ou sua mensagem — o apocalipse? A morte? — à medida que somos conduzidos a um ambiente eufórico. Para finalizar, há um dos muitos solos espetaculares do guitarrista.

Em seguida, outro clássico: The Wizard. Com Ozzy tocando gaita, uma das poucas na carreira da banda, Bill Ward e Geezer Butler a conduzem como um blues. Tony Iommi repete os sons do instrumento de Ozzy na guitarra, gerando uma combinação interessante e ao mesmo tempo curiosa, porém sem perder suas características. Na letra, composta pelo baixista — assim como todas do álbum —, fala-se sobre a presença de um mágico na Terra, que expulsou diabos e “transformou lágrimas em felicidades”. Se a faixa anterior possuía uma mensagem de certa positividade, a seguinte é bem diferente. Behind The Wall of Sleep fala sobre angústia, morte e reflexões existencialistas, sendo inspirada em um conto de H. P. Lovecraft.

A última faixa do lado A é um clássico absoluto e uma das mais tocadas nos shows. N.I.B mostra a genialidade de Geezer Butler em um solo inicial que se tornou o sonho de todo baixista em reproduzir, especialmente por apresentar o som de wah-wah e outras distorções. Com um riff bastante conhecido, quem conduz essa faixa é o contrabaixo e não a guitarra — como de costume na discografia da banda. 

Na letra, ironicamente, há uma história e declaração de amor. Todavia, como se trata do Black Sabbath, ela acontece entre Lúcifer e uma mortal. Na época de seu lançamento, muito se questionou sobre o significado do nome da música. Muitos diziam que seria Nativity in Black; porém, era uma brincadeira interna em relação à barba de Bill Ward, que, segundo os membros, lembrava a ponta das canetas nibs.

Abrindo o lado B, Evil Woman é o primeiro cover do álbum e foi uma sugestão do produtor Rodger Bain a fim de projetar o quarteto ao mercado norte-americano. É a canção mais radiofônica, de fato. Inclusive, foi o primeiro single. Diametralmente oposta, em Sleeping Village retorna o peso característico. Bastante arrastada, Geezer e Ward abrem o caminho para Iommi mostrar sua genialidade. 

Usando violões — que imprimem um clima até bucólico — e estruturas de blues, ele quebra tudo. A temática obscura volta a estar presente; dessa vez, questionam o quão próximo estamos do apocalipse. E se realmente estivermos, torcem para que estejamos dormindo no momento final.

Na sequência, vem a mais longa do disco. Warning passa dos dez minutos e, mais uma vez, a guitarra rouba a cena. Em mais um cover, a influência do blues é presente, porém com uma roupagem um tanto psicodélica — característica essa perceptível pelos três solos de guitarras bastante distorcidas, distanciando-se das linhas da bateria e do contrabaixo. Nos mais de sete minutos instrumentais, a inspiração ao saudoso e genial Jimi Hendrix é perceptível. 

Para terminar a obra, não haveria escolha melhor que Wicked World. Iniciada por um riff simples e marcante, Geezer conduz a densidade da música por meio de uma força descomunal ao imprimir o ritmo das galopadas do instrumento. A reflexão da vez é sobre algumas relações de trabalho e como elas constroem um certo simbolismo hipócrita na sociedade.

Na estrada, o Black Sabbath chocou cada espectador que teve o prazer de vê-los na sua origem. Aos poucos, passou a figurar a tríade sagrada do rock dos anos 70 ao lado de outros dois gigantes: Led Zeppelin e Deep Purple. Entretanto, eles possuíam algo diferente dos dois e das demais bandas anteriores. Eles eram maus, pois tratavam de temas provocativos à época com elevados graus de obscurantismo e descrença nos seres humanos — com um pé até no niilismo. 

Por esse tom, encabeçaram o que conhecemos hoje como heavy metal. Aliás, a discussão sobre quem inventou o gênero de fato ou compôs a primeira música nesse estilo abrange alguns critérios amplos e até cansativos — alguns até dizem que os Beatles foram os pioneiros com Helter Skelter.

Fato é: o quarteto de Birmingham foi o primeiro a definir uma estética compacta e um conceito sólido em seu primeiro álbum, influenciando uma série de outras bandas que vieram em seguida. Iron Maiden, Judas Priest e Metallica, por exemplo, não existiriam sem o Sabbath. Pelo menos, não da maneira que conhecemos hoje. 

Em mais de 50 anos de carreira e inúmeros álbuns memoráveis, portanto, os hoje idosos sabáticos são exaltados como revolucionários no mundo da Música e responsáveis por servirem como porta de entrada às novas gerações roqueiras. Mesmo tirando nosso sono em alguns momentos ou causando certas provocações inquietantes, conquistaram um lugar na história e outro especial na memória de uma legião de adoradores.

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Leticia Stradiotto

É impossível não gostar da Lagum. A chegada da banda ao mundo da Música começou em 2014, em Belo Horizonte, Minas Gerais, e desde então, os mineiros ganham cada vez mais destaque. A origem foi dada pelo Facebook, com um vídeo da composição de uma canção do vocalista Pedro Calais. Nisso, um amigo promotor de eventos incentivou a criação de uma banda. Amém. Atualmente, o grupo conta também com os integrantes Chico, Jorge e Zani, depois do falecimento do baterista Tio Wilson em 2020, que deixou muitos sons para os fãs. Apesar da perda enorme, a banda cresce cada vez mais e inova o estilo de som brasileiro com muita alegria.

Sem um gênero musical especificado, o som da Lagum é definido como quando o rock’n’roll decidiu ir à praia de skate ouvindo reggae. É difícil de entender, mas basta escutar e tudo faz sentido. A música tem feeling e existe para te acompanhar. Pular do sofá, ir pro mundo, vadiar, conhecer gente nova, viver amores, se decepcionar com os amores e por fim, criar uma coleção de momentos inesquecíveis.

Em 2016, o primeiro álbum da Lagum foi lançado. Ainda em forma de CD, o som era conhecido apenas pela turma que frequentava os bares e eventos em que a banda participava, ou seja, era bem restrito às regiões mais próximas. Felizmente, agora as músicas estão disponíveis nas principais plataformas. De maneira simples, o nome do disco traz toda a essência do grupo. Seja o Que Eu Quiser é para quem curte a vida e, obviamente, gosta de ser o que quiser.

Para os amantes de um bom rock brasileiro, é possível notar a presença de influências externas muito importantes no álbum, como o conjunto Charlie Brown Jr.. Realmente, o vocalista Pedro Calais tem grande admiração e já realizou até uma live em homenagem a banda. E sejamos sinceros, quem não curte CBjr? Seguindo essa base, já dá para esperar muita coisa boa vindo da Lagum.

Após 5 anos de lançamento, Seja o Que Eu Quiser, apesar de ser o início dos trabalhos da banda, é um disco espetacular e super atual. A escolha da primeira faixa do álbum não poderia ser outra, pois Pra Lá de Bagdá faz parte daquela lista de músicas que te dão uma enorme vontade de viver e enfrentar os problemas da vida. O som é sobre a liberdade, e em conjunto com a voz de Pedro Calais e as guitarras de Jorge e Zani, não existe outro sentimento se não o de ser “livre, pra fazer o que eu tiver afim”.

Transante tem gingado, com uma mistura de efeitos scratch no disco (muito utilizado por DJs). A letra é sobre aquela paixãozinha do começo de um relacionamento. Porém, esse detalhe passa totalmente despercebido, afinal o ritmo da banda é tão contagiante que a música também é ótima para os desapegados. Seguido por Fifa, com um tom mais calmo, que retrata aquele sentimento sereno de acabar de conhecer alguém e já querer levar pra vida toda.

Lagum é sobre sentir. Ambas as músicas, Transante e Fifa, possuem a mesma letra perto do encerramento. As últimas frases são iguais, mas as sensações de cada uma, em cada obra, são extremamente diferentes. Transante emite um sentimento de desapego e tranquilidade,  enquanto em Fifa é um conforto, é saber entender as mudanças e conviver com elas. E isso é muito f*da!

O álbum também realiza um movimento de abrir a janela e apreciar os momentos da vida, que é tão efêmera. Último dia foi escrita pelo baterista Tio Wilson, e essa foi um dos legados mais bonitos que ele deixou para os fãs e futuros ouvintes da banda. É incrível a maneira que a realidade e a composição se encaixam perfeitamente. O resultado é uma das lembranças eternas do baterista recheada de carinho e incentivo para ser o que você quiser sempre.

Aos ansiosos de plantão, 2026 demonstra que você não está sozinho. Acompanhado de uma pegada mais pesada do rock’n’roll, o som dá grande destaque aos jovens que piram de tanto pensar no dia de amanhã, ou melhor, em agosto de 2026. Agora em 2021 com a quarentena, todo mundo está louco pra sair de casa, né? Então, Sei Lá te dá um abrigo, e com um groove puxando um reggaeton fica evidente o desejo de sair da rotina e curtir um pouco o mundo.

Olha foi escrita pelo vocalista Pedro Calais a partir de uma briguinha boba de banheiro de festa. A letra retrata que curtir a vida, passear e conhecer gente nova é legal, mas na realidade nem tudo são flores. De qualquer forma, a faixa contém uma vibe acolhedora com um som de gaita delicioso. E no fim, aprender a lidar com os problemas da vida escutando Lagum, isso sim, são flores.

Acompanhando o álbum inteiro na íntegra e agora chegando ao final, é fácil pensar que não tem como ficar melhor, mas estamos enganados. A última faixa vem para surpreender e dar aquele gosto de quero mais. Sem Hora inicia com um solo do baixista Chico junto com os guitarristas Jorge e Zani com uma entrada extremamente expansiva. É complicado definir o som, é o rock do jeitinho da Lagum, e assim, Seja o Que Eu Quiser se encerra totalmente dedicado a quem ama viver.

O álbum é sobre uma vida cheia de liberdade e contém músicas para ouvir a qualquer hora, seja viajando, curtindo a vida, tendo um dia ruim ou até mesmo como forma de se declarar para alguém. É interessante perceber que cada vez mais o papel da Lagum no som brasileiro ganha destaque, não apenas porque eles oferecem música boa, mas também porque oferecem sensações aos ouvintes, e é isso que dá a originalidade característica da banda.

Seja aquela vontade de ofender alguém em um lindo dia, ou só fazer o que estiver afim. Viver mais momentos reais e deixar a gratidão registrada. Não é preciso muito, uma gaita pra trocar, uma gata pra abraçar, fazendo um som, um reggae no rock, sei lá. No filme da vida, não existe melhor soundtrack se não Seja o Que Eu Quiser.

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