Felipe Nunes

Maisa Silva e Camila Queiroz estão de volta para viajar no tempo como Anita na segunda temporada de De Volta aos 15, seriado nacional da Netflix baseado na obra literária homônima de Bruna Vieira. Dessa vez, a imatura personagem de 30 anos no corpo de uma menina de 15 passeia com mais complexidade pelos dramas e incertezas da fase adulta e é acompanhada por um parceiro inesperado, Joel, interpretado por Antônio Carrara (adulto) e por Gabriel Stauffer (jovem).

O gancho do início da sequência é o final da primeira temporada: a invasão do Floguinho – rede social e espécie de portal virtual que permite as viagens no tempo acontecerem – por Joel. A trama livrou a obra do lugar-comum em que poderia ter caído, no qual a narrativa se retroalimentaria em diversos pulos temporais que modificariam o futuro, acertando um ponto e destruindo outro. Em partes, isso aconteceu, porém a inclusão de um novo personagem nas misteriosas expedições trouxe frescor para os arcos.  

Com as mais diversas referências à cultura dos anos 2000, a continuação da série mostra que cumpre o papel a qual foi incumbida desde o lançamento em 2022: o de abordar as brasilidades de uma forma transitória entre o presente e passado. Tida como uma subversão do célebre filme De Repente 30, os elementos sonoros, e os visuais e cenográficos, coordenados por Camila Gaglianone, exalam como era a vida dos jovens da época de 2006, sem necessariamente escancarar essa alusão, o que traz fluidez ao enredo.

Se por um lado a história manteve a assertiva articulação com a cultura do início do século 21, por outro também continuou a desenvolver com superficialidade a construção de alguns personagens. A fase atual, retratada no ano de 2021, é o maior problema. Os atores mal aparecem e, quando o fazem, têm pouquíssimo tempo de tela. Como na temporada anterior, o presente da obra serve apenas para mostrar a Anita que ela precisa voltar ao passado e nada mais que isso. 

Todavia, no meio das leviandades, um trio ganha destaque. Tratam-se de Anita, Joel e Camila (Nila e Alice Marcone). A importância dos dois primeiros é quase uma redundância, dado que conduzem todo o fio narrativo das viagens no tempo. Já Camila traz o que de melhor a série fez nesta sequência, essencialmente ao relembrar do escasso desenvolvimento que teve na primeira leva de capítulos.

A transexualidade é diluída em diversas camadas: a descoberta de Camila, até então vista como um garoto cisgênero; o preconceito da sociedade, do qual o irmão, Fabrício (João Guilherme Ávila) e o pai do personagem não estão isentos; a representatividade de pessoas que já passaram por esse processo e a importância da rede de apoio formada por amigos e familiares. O arco é uma redenção com a própria série, que, durante a primeira temporada, não abordou com profundidade uma temática tão necessária. Felizmente, a trama foi revisitada e interpretada com dramaticidade, sensibilidade e destreza pela dupla formada por Nila, atriz trans não binárie, e Marcone, artista trans, que têm lugar de fala fora da ficção, para discutirem esse tema.

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As versões jovens de Carol e Luiza, vivenciadas respectivamente por Klara Castanho e Amanda Azevedo, são outros acertos da trama. Castanho sabe muito bem como expor os desequilíbrios emocionais intensos e típicos da puberdade como ninguém – não à toa tem no currículo obras como Confissões de uma Garota Excluída e Tudo por um Pop Star. Já Azevedo se encontra na pele de uma personagem combatente aos julgamentos de Imperatriz, uma cidade pequena que – assim como qualquer outra da realidade – julga todo comportamento fora do padrão e é outra excelente construção ficcional da série.

Nos pátios do Ensino Médio, o balanceamento dos núcleos é desproporcional. Histórias paralelas quase inexistem. Tudo gira ao redor dos mesmos personagens e faltam explorações que poderiam compor melhor a obra, que, mesmo tendo apenas seis episódios, transmite a sensação de monotonia em certos momentos. A adição de novos dramas trouxe certa inovação, mas aquém do que realmente conseguiria com um melhor trabalho na elaboração dos subenredos, que não estão ali como enfeites.

As qualidades e defeitos do roteiro permeiam a ambiguidade. Bem fundamentado nas cenas da protagonista, porém com furos grotescos até mesmo para um seriado voltado ao público juvenil, o texto de Vitor Brandt e Gautier peca e acerta ao decorrer do enredo. Os constantes descuidos de Anita e Joel com as informações do futuro e a ingenuidade dos demais personagens entregam a imprecisão textual. Apenas uma pessoa ter percebido que Anita era uma viajante? Inconsistente, visto que a mocinha não poderia ser mais explícita. Quando Joel passa a viajar no tempo também, a situação piora. 

Felipe Camargo, conhecido pela trajetória na teledramaturgia nacional, interpreta, de forma sensível e plena, Antônio, o pai de Anita, como uma espécie de contraponto a tudo que a série é. Os conselhos dados à filha pelas frustradas tentativas de construir o futuro perfeito são metáforas que pensamos quando cogitamos a possibilidade de voltar ao passado para mudar nossas atitudes. Para o personagem, o passado não deve ser mudado, porque é uma forma de aprendizado. A inevitável morte dele, mesmo com tantas linhas temporais criadas por Anita, é uma triste comprovação desse argumento.

A trilha sonora volta com mais timidez de forma geral, mas fica em evidência quando embala os acontecimentos de diversão nas festas em Imperatriz, cidade fictícia que retrata fielmente municípios do interior, e São Paulo. A ida dos adolescentes para a grande metrópole é outro furo do roteiro, inclusive, tendo em vista que Joel não teria a idade necessária para ter habilitação, e os pais dos jovens sequer os procuraram quando eles passaram uma noite fora da cidade interiorana. Já a direção principal de Maria de Medicis e a produção de Carolina Alckmin e Mayra Lucas é consonante com o elenco: parecem mais à vontade e livres com o universo do seriado, que novamente foi confeccionado pela produtora brasileira Glaz Entretenimento. 

Já o quadrilátero amoroso de Anita com Joel, Fabrício e Henrique indica a perda de um integrante, e, ainda que tivesse sido vendido nos trailers e teasers como o gancho principal, não foi o grande enredo. Depois de uma incontável sucessão de bolas fora da protagonista com seu primeiro amor, Henrique parece ter superado a paixonite que nutria por ela e, agora, se envolve com Carol. A disputa fica entre Fabrício e Joel. De um lado, o valentão do Ensino Médio que alcançou a redenção, principalmente nas cenas com a irmã Camila; do outro, o melhor amigo preso na friendzone.

O conjunto de cenas em que as versões de Anitah_Malukah2006 – nome da página virtual de Anita no Floguinho – estão juntas ao mesmo tempo esbanjam a sintonia de Camila Queiroz e Maisa Silva como as imaturas, dúbias e impulsivas Anitas, aos 15 e 30 anos, respectivamente. A fluidez na interpretação é defendida com mesmo afinco por Carrara e Stauffer, que nem parecem ser interpretados por atores diferentes, o que exalta, mais uma vez, a qualidade da direção e da atuação. A imaturidade, aliás, é algo presente no arco de ambos, essencialmente no da protagonista.

Com o segundo ano lançado em Julho de 2023, a terceira temporada já foi confirmada pela Netflix. Agora, com uma mudança necessária, mas ainda não confirmada se, de fato, permanente. O teaser que anuncia a sequência apresenta uma nova fase temporal em 2009, na qual os personagens terão 18 anos, o que auxiliará na verossimilhança do elenco de adolescentes, que já não aparentavam, mesmo com a caracterização, terem 15 anos. Porém, as informações divulgadas não expuseram se a série se passaria somente em 2009 ou se transitará de volta para 2006 concomitantemente.

Nessa nova geração, os cenários da escola do Ensino Médio serão substituídos pela faculdade. Dessa forma, as tramas ganharão uma nova roupagem e devem ampliar o que já vimos. A estratégia é uma ótima forma de manter a nostalgia da série sem transmitir, apenas, a sensação de que estamos vendo uma reciclagem de viagens no tempo. Larissa Manoela, que já trabalhou com parte do elenco em outras produções, como Carrossel e Cúmplices de um Resgate, será uma das novas personagens da terceira e última temporada.

Entre viagens temporais e lições sobre amor e amizade, a segunda leva de episódios se mostra mais madura do que a anterior, revisita tramas essenciais e se apoia na nostalgia quando exalta a cultura dos anos 2000 com fluidez. Sem concluir os dramas da protagonista, a obra destrincha a jornada de Anita na busca pelo amadurecimento, seja ele pessoal ou profissional, e ressalta que ela ainda não foi concluída e, talvez, nem seja. Afinal, quem realmente perde toda a essência da adolescência e da infância só porque virou adulto?

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Guilherme Machado Leal

Em Com Amor, Simon, filme lançado em 2018, baseado no livro Simon vs. A Agenda Homo Sapiens, escrito por Becky Albertalli, a história retratada é a de um adolescente que guarda um segredo a sete chaves. Simon Spier (Nick Robinson) teme, ao revelar que é gay, ser discriminado pelos seus colegas de aula e, por isso, esconde sua orientação sexual. No entanto, em certo momento da história, o protagonista decide conversar com um outro garoto em um blog – com os codinomes Jacques e Blue, respectivamente –, dando espaço para conhecermos o íntimo do jovem.

“Eu sou igual a você” é uma das primeiras frases ditas por Simon, e é ela que serve como fio condutor do longa. Durante os 110 minutos do filme, o roteiro de Isaac Klausner e Elizabeth Berger – com o auxílio da autora – lembra aos seus espectadores de que a homossexualidade, assim como a heterossexualidade, é algo natural. O lema pregado pelo protagonista reconhece que o caráter do indivíduo está acima da sua sexualidade e que, se os entes queridos realmente se importam, eles estarão ao seu lado. Não é difícil se surpreender com o pensamento de Simon, já que o personagem possui uma família livre de preconceitos.

Infelizmente, o medo de Simon acerca de sua sexualidade é exclusivo da dinâmica repressiva do ambiente escolar. O conflito principal de Love, Simon se dá pela descoberta do antagonista Martin Addison (Logan Miller) em relação à sexualidade do protagonista e de seus e-mails trocados com Blue. A partir desse momento, o personagem ameaçado faz de tudo para que seu segredo não seja revelado aos demais estudantes do colégio Creekwood, provocando o rompimento de uma relação de fidelidade com seus amigos próximos. Nessa perspectiva, o longa se destaca ao abordar precisamente a angústia vivida por jovens da comunidade queer no momento em que precisam se assumir aos seus pais e colegas, algo que não acontece com pessoas heterossexuais – e que é até ironizado em uma cena do filme. 

Além disso, o humor é uma ferramenta fundamental na história, pois é usado para dizer o que deve ser dito de uma forma que seja compreensível, para o maior número de pessoas. É visível qual era a intenção de todos os envolvidos na produção de Com Amor, Simon: fazer com que o filme ressoe entre as diferentes gerações, para que a conversa não seja restrita à juventude moderna. É nesse ponto em que a obra se fundamenta como necessária às gerações atuais, por ser o primeiro filme sobre um adolescente gay produzido por um grande estúdio. Com a sua linguagem simples e direta, o longa dirigido por Greg Berlanti é capaz de servir como um guia confiável, em que os adolescentes podem se basear ao terem dilemas em relação a sua orientação sexual.

O impacto causado por Com Amor, Simon é surpreendente, uma vez que, ao lado de Para Todos os Garotos que Já Amei, o filme é um respiro para o gênero das comédias ambientadas no Ensino Médio, que teve o seu ápice nos anos 90 e 2000, com filmes como 10 Coisas que Eu Odeio em Você e Meninas Malvadas. Embora não tenha sido deixado totalmente de lado, o estilo sofreu um perceptível declínio em suas histórias recheadas de clichês. É notável que obras transgressoras, como Com Amor, Simon, foram fundamentais para o ressurgimento de histórias focadas em adolescentes, uma vez que, após cinco anos do seu lançamento, o longa é recorrentemente lembrado nas listas de melhores comédias teen.

Contando com sucessos como I Wanna Dance With Somebody (Who Loves Me), de Whitney Houston, seria um erro falar sobre Com Amor, Simon e não mencionar a sua excelente trilha sonora, feita pelo produtor de sucesso Jack Antonoff. A música de Houston é utilizada de uma forma genial na história, ao mostrar os estereótipos de homens gays, como se, por causa da sexualidade, o indivíduo precisasse gostar de musicais e de divas pop para ser aceito no mundo queer. Com o objetivo de conversar com as gerações atuais, a trilha de Antonoff ainda conta com diversas canções de sua banda Bleachers, além do hit de sucesso Love Lies, dos cantores Khalid e Normani.

No filme, é impressionante – e, de certa forma, incomum – a forma como os pais de Simon, interpretados pelos carismáticos Josh Duhamel e Jennifer Garner, aceitam a sua sexualidade. A mãe, por exemplo, deseja que o jovem seja a melhor versão de si mesmo. Por esse mesmo ângulo,  em uma das cenas mais impactantes do longa, há a conversa entre o protagonista e o seu pai, Jack (Duhamel), que revela ao filho que não mudaria nada nele. São nessas cenas, carregadas de emoção, que levam o público a amar Com Amor, Simon com toda a intensidade, dado que é rara a ocorrência de produções delicadas e bem pensadas para um público que não se vê nas telas por uma óptica tão cuidadosa.

Nos momentos finais da história, Simon é tirado do armário e se vê sozinho. Entretanto, ele tem uma ideia e decide convocar os seus colegas em uma missão: encontrar o anônimo Blue na roda-gigante do parque de diversões de sua cidade, para se declarar ao amado. É nesse momento que há a revelação da identidade do interesse amoroso do protagonista. Nesse ponto do longa, todos estão esperando ansiosamente por algo a mais entre os dois garotos, que cedem à pressão popular e aos seus desejos pessoais, proporcionando ao público um dos beijos mais carinhosos vistos até então em um filme adolescente. 

Com Amor, Simon faz-se imprescindível na hora de se escolher uma obra cinematográfica que represente tão bem os anseios da comunidade LGBTQIAP+. É por causa de longas-metragens como esse que histórias plurais e diversas podem e devem ser contadas na ficção. A essa altura, torna-se indiscutível a importância de se ter um personagem tão imponente como Simon, no que se relaciona ao desafio vivido por jovens do mundo inteiro – seja esse desafio a descoberta da própria sexualidade ou o medo de ser abandonado após se assumir. No seu aniversário de cinco anos de lançamento, a bela história de Simon Spier se mantém mais atemporal e necessária como nunca.

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Monique Marquesini

Da busca por registrar e contar histórias felizes de amor entre garotas, origina-se O amor não é óbvio. Publicada em 2019, a obra é a estreia da admirável autora baiana Elayne Baeta e marca o primeiro best-seller lésbico nacional a atingir a lista de mais vendidos do país. Anteriormente lançado em formato digital de forma independente, o romance  ganhou espaço na Literatura brasileira e foi lançado pela Editora Record, sob o selo Galera. A escritora, ilustradora e poeta só escreve sobre o que já sentiu no peito, e talvez por isso, suas narrativas sejam nada óbvias.

O livro de Elay (o apelido da autora) narra uma fase da adolescência de Íris e Édra, duas meninas no último ano do Ensino Médio que nunca conversaram. A doce Íris Pêssego é viciada em novelas e não perde um capítulo da sua favorita, Amor em atos, junto de sua improvável amiga, a vizinha dona Símia, de 68 anos. Ainda, ela é apaixonada por Cadu Sena, o garoto de quem gosta desde a oitava série – e que finalmente está solteiro. Só que a narrativa de O amor não é óbvio não é tão intuitiva quanto parece. 

A próxima personagem – a quem somos apresentados de forma excêntrica – é Édra Norr. Isso não porque a garota se envolveu em um escândalo na escola ou por ter mudado de cidade – mas por ser a nova namorada de Camila Dourado, que deixou Cadu Sena. A partir daí, entre os cochichos e conversas, Íris começa um experimento para entender o motivo do relacionamento ter acabado e para descobrir mais sobre Édra. E ela não demora para desvendar o charme da garota. 

Talvez um dos únicos pontos baixos da narrativa de O amor não é óbvio esteja nessa investigação: no começo, a protagonista pode soar um pouco obcecada com a vida da menina, mas, ao longo da história, o leitor consegue entender o motivo para tudo isso. Nesse momento, Íris pega sua bicicleta amarela e seu binóculo para observar sua colega de turma por toda cidade de São Patrique. Por mais estranho que pareça em um primeiro momento, a menina de 17 anos não entende o porquê de querer tanto saber da garota. Tudo só fica claro quando ela desvenda seu desejo. 

“Tudo com Édra era dez vezes mais bonito. E eu queria saber o porquê. E não queria também. Nem tudo precisa ser compreendido.”

É nesse cenário de uma cidade pequena, tardes assistindo novela, passeios de bicicleta, descobertas sobre sua sexualidade, medos, primeiras vezes e adolescência que a história das garotas se desenrola. Uma das partes mais curiosas de O amor não é óbvio se esconde justamente na heteronormatividade vivida pela  grande maioria dos jovens, já que Íris nunca tinha sequer pensado em enxergar outra menina com olhares românticos.

A construção da amizade e da relação de Édra e Íris é muito aconchegante ao leitor, uma vez que, ao decorrer do experimento, elas acabam ficando mais próximas – e descobrem como são extremamente compatíveis. As personagens criadas por Elayne Baeta são um complemento perfeito: Íris, cheia de medos e inseguranças, se junta a uma garota autoconfiante como Édra. 

O amor não é óbvio foi escrito quando Elay tinha apenas 19 anos – talvez seja essa a chave para tanta sensibilidade por parte da autora. A primeira publicação da obra foi feita pelo Wattpad, em partes, e aconteceu de forma independente, ou seja, sem o apoio de um grupo editorial: foi assim que ela alcançou um enorme e fiel público. Antes mesmo de conseguir reconhecimento nacional, o livro é fundamental por ser de autoria de uma mulher lésbica – que muitas vezes tem suas vivências esquecidas dos romances literários.

Além de O amor não é óbvio, Elayne Baeta é responsável por diversos outros projetos, que têm a visibilidade e a representatividade lésbica como ponto central. A autora produziu alguns episódios de seu podcast Lésbica & Ansiosa, com histórias sobre seus sentimentos. Outro projeto de grande relevância foi Sozinhas, uma mistura de podcast com livro, que teve grande significância na vida de Elayne: o lucro das vendas foi utilizado para realizar o sonho da mudança da escritora para a capital paulista. Seu mais recente lançamento é o livro de poesias Oxe, Baby, um relato muito mais pessoal sobre a sua vida, ou como ela mesmo diz, uma autobiografia poética. 

As produções da autora são um retrato aconchegante e confortável para meninas que nunca se viram representadas nas páginas dos romances adolescentes. Elayne é gigante, uma mulher lésbica nordestina, conquistando espaços jamais alcançados. Nós, garotas que gostamos de garotas, não podemos deixar de vê-la com olhar acolhedor. É lindo acompanhar O amor não é óbvio, com um primeiro amor cheio de erros, defeitos e acertos. A relação de Íris e Édra é humana e (em uma referência ao livro) é uma história “laranja forte e cheia de aliens”. 

“Essa coragem pulsante. Essa conquista… Em usar um vestido que ninguém rasga. Laranja forte. Laranja (extraordinariamente) forte.”

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Maju Rosa

“Pesquise no Google: como dar à luz?”. É assim que somos apresentados ao caótico episódio piloto da série teen do HBO Max, Genera+ion (escrita dessa forma mesmo). Lançado em março de 2021 (e em junho, no Brasil), é uma aposta para captar o público jovem LGBTQIA+, e levá-lo para a fase que todos passamos em algum momento: os dramas adolescentes sobre dificuldades adolescentes – e que apenas os adolescentes entendem. E apesar de ter conquistado um espectador que se identificou com a história de Chester, interpretado por Justice Smith (também protagonista de Detetive Pikachu e The Get Down), e seus novos amigos, a produção não foi renovada pelo streaming.

Assim como Katy Perry em 2008 e sua animação em ter beijado uma garota pela primeira vez, a ansiedade para a primeira relação, o entendimento da própria sexualidade e gravidez na adolescência são descobertas abordadas na série do HBO Max. A princípio, a fórmula de Genera+ion pode ser comparada à Sex Education (2019), da gigante Netflix. Porém, apesar das semelhanças, as duas tramas não chegam a ser concorrentes diretas. O ritmo e tom adotados nas narrativas possuem grandes diferenças quando analisadas. Enquanto encontramos uma tendência pacata e caricata na britânica, a estadunidense traz ao espectador uma visão mais real do que é ser jovem e enfrentar suas barreiras pessoais.

O elenco de Genera+ion não possui muitos nomes de peso, mas marca presença como tal. Apresentando como protagonistas um grupo de colegas que se conhece no Ensino Médio, a história mostra a importância de entender eventos a partir de outros pontos de vista. Apesar de confusa nas primeiras vezes, a técnica de repetir a mesma cena de diferentes ângulos, sob a perspectiva de vários personagens durante o episódio, se tornou uma forma de permitir o público digerir o que está acontecendo, sem precisar pausar e voltar alguns segundos.

Acompanhar os processos de cada um estabelece uma conexão direta com muitos jovens, que estão passando (ou já passaram) pelas mesmas situações. Um dos exemplos mais reais de Genera+ion é a contraposição entre o conservadorismo e o liberalismo, vista principalmente na relação entre Nathan (Uly Schlesinger), que atravessa a temporada entendendo melhor sua bissexualidade, e a mãe Megan (Martha Plimpton), extremamente religiosa e que demora alguns episódios para compreender o filho. 

A série conta com uma temporada única de 16 episódios e é um retrato claro da Geração Z. Muitas discussões, que há poucos anos eram tratadas com certo receio, são apresentadas de forma natural, permitindo o espectador acreditar se tratar de uma cópia da realidade, e não apenas um conjunto de gravações roteirizadas. Além do discurso atualizado, a diversidade refletida nos diálogos não se limita a uma temática única.

A representatividade étnica e sexual é priorizada em todos os âmbitos de Genera+ion, garantindo que o público se identifique com traços e discussões do núcleo principal da história. Um palpite para a abordagem natural da contemporaneidade na produção está relacionado à mente por trás das câmeras: Zelda Barnz, a jovem de 19 anos que idealizou a série aos 15, idade propícia o bastante para se estar inserido nos assuntos que a trama traz.

Apesar de não ter defeitos aparentes, além dos rápidos 30 minutos de duração por episódio, as narrativas de Chester, Arianna (Nathanya Alexander), Naomi (Chloe East), Delilah (Lukita Maxwell), Greta, Nathan, e Riley não parecem ter dado o lucro esperado para a plataforma. Em setembro de 2021, foi anunciado que o HBO Max não seguiria a parceria com os criadores da série, frustrando muitos fãs que estavam ansiosos para agarrar o gancho do último episódio (inclusive a autora desse texto). Aparentemente a fluidez não rendeu, principalmente quando comparada ao reboot de Gossip Girl. Apesar dos 12 episódios extremamente cíclicos, que sempre redirecionam o espectador para certa lição de moral implícita, já possui 2ª temporada confirmada.

Genera+ion permite que seus personagens errem e se reergam, sempre firmados no entendimento de seus próprios sentimentos e reações aos golpes da adolescência. A série se mostrou um respiro em meio às narrativas adolescentes irreais, com seus elencos de 30 anos vestidos com uniformes escolares hiperssexualizados, que não cabem mais ao contexto atual. E mais do que tudo, é um prato cheio de representatividade para os jovens LGBTQIA+ passando por essa fase conturbada. Ou ainda aos mais velhos, que desejavam produções como essa durante a adolescência, e agora podem ver uma representação de jovens queer, retratados como pessoas aproveitando e conhecendo a vida, e não mais da forma problemática veiculada pela mídia até poucos anos atrás.

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Monique Marquesini

Os romances adolescentes nas telas são como deliciosas histórias confortáveis, com seus clichês e casais. Na comédia romântica Crush, a narrativa é centrada em uma receita antiga: aquela em que a personagem busca atenção de sua suposta alma gêmea, quando, na verdade, seu amor está mais perto do que se imagina. Porém, seu grande diferencial é que somos transportados para as aventuras e amores do Ensino Médio ao lado de uma jovem queer.

O filme, que anteriormente teria seu título oficial como Love in Color, é dirigido por Sammi Cohen e estreou no Hulu. Com um roteiro de Kirsten King e Casey Rackham – duas pessoas queer -, o núcleo da trama busca o equilíbrio entre as características de um bom clássico ao mesmo tempo que o transforma – com um amor possível e concreto, desentendimentos e momentos fofinhos, além de uma relação saudável entre as garotas. Aliada à necessidade de trazer às telas histórias de pessoas LGBTQIA+ e naturalizar suas vivências, o enredo combina leveza e uma pitada de aventuras adolescentes.

Crush acompanha a vida de Paige (Rowan Blanchard), uma tímida e esquisita artista, que acaba sendo acusada de ser o famoso grafiteiro King Pun. Trazendo cores, pinturas e poesias às paredes da escola, ele vem gerando insatisfação à direção do colégio. Assim, a história tem seu ponto alto no desenvolvimento da garota, com ela provando não estar envolvida no caso e tentando evitar uma suspensão. Do contrário, a punição pode acabar com seu sonho de entrar no renomado programa de verão da CalArts, do Instituto de Artes da Califórnia, um dos mais importantes polos de estudo das Artes e Design no mundo.

Na busca de resolver a situação, Paige faz um acordo com a diretora, a bem-humorada Principal Collins (Michelle Buteau), que a convence a entrar no time de atletismo, desfalcado em sua equipe de corredores. Mesmo sem o perfil atlético e com a missão de encontrar o verdadeiro King Pun, a protagonista aceita a proposta para poder conquistar seu sonho – mas também para se aproximar de sua paixão platônica desde o Ensino Fundamental, a encantadora Gabriela Campos (Isabella Ferreira). Porém, quanto mais ela frequenta os treinos, mais sente algo pela irmã da garota, a apaixonante AJ Campos (Auli’i Cravalho).

É nesse momento que Crush amadurece não apenas o romance central, mas também na arte, em suas representações e no humor sutil que o acompanha. A história entra em um momento que soa previsível – com um triângulo amoroso confuso, um desentendimento entre as personagens e depois a aproximação delas novamente. Isso não torna a jornada desagradável, já que ainda existem poucos amores apaixonantes com protagonistas abertamente LGBTQIA+ nas telas, que faz deste um romance super confortável para maratonar.  

Um aspecto extraordinário da trama é o de naturalizar jovens queer e, ao mesmo  tempo, tirar o estigma do período escolar, que, em muitas histórias, é cheio de cenas de sexo e assuntos complexos. A exposição natural de pessoas e casais homossexuais no filme é incrível, já que o foco principal não é mostrar apenas processos dolorosos e medos, mas sim essas pessoas tendo experiências saudáveis e comuns, como qualquer romance hétero costuma fazer. Assim, Crush mostra a sensibilidade de um roteiro escrito e dirigido por mulheres queer.

Como uma bela história adolescente, o roteiro deixa uma marca importante de leveza ao retratar o romance de duas meninas – que, por muitas vezes nas telas, é repleto de sofrimento e tragédias. Em Crush, porém, temos muitos momentos fofos e de felicidade. As questões de gênero e sexualidade são tratadas de forma completamente natural, como deveriam ser: é possível notar, em cada cena do filme, elas rodeadas de amigas e outras garotas queer. Além disso, o enredo de homofobia, que muitas vezes soa inevitável, é inexistente. 

Em meio a toda a sensibilidade e química das personagens na obra, está a polêmica entre as duas atrizes que dão vida a elas: Auli’i Cravalho, que vive AJ, acusou de bifobia sua parceira de filme Rowan Blanchard, que interpreta Paige, por meio de um vídeo na rede TikTok, e isso chocou por completo os fãs da comédia. A protagonista curtiu diversos tweets com afirmações bifóbicas em 2019, atingindo diretamente a comunidade a qual ela mesma faz parte. Apesar de o assunto continuar incomodando os fãs da obra, não tira o admirável caminho da história.

A produção traz conforto e, ao mesmo tempo, reivindica respeito e representações na sociedade, principalmente nas telas do entretenimento. Com personagens abertamente sáficas, a trama intensifica o imaginário necessário de que pessoas homossexuais sejam retratadas naturalmente na cultura. Assim, abarcar os indivíduos nas produções é essencial pelo impacto positivo trazido pelo Cinema nas relações sociais. É exatamente o que Crush consegue fazer, com maestria: trazer uma história simples e agradável do que não é ser heterossexual.

A execução da maravilhosa comédia romântica LGBTQIA+ faz com que as pessoas da comunidade se sintam acolhidas, respeitadas e seguras, com uma representação de carinho de suas narrativas cotidianas. A atuação e direção são excelentes, a química entre as atrizes é admirável – mesmo com seus atritos nas redes sociais – e pessoas queer envolvidas em todos os processos de produção fazem uma diferença muito positiva. Com simplicidade e aconchego, Crush convida o espectador a se deliciar com a vida das personagens, lembrando como todos merecem a espontaneidade de experiências e um amor tranquilo.

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