Ana Júlia Trevisan

O que esperar quando dois grandes nomes da cultura pop como Meryl Streep e Anne Hathaway se juntam em um filme? Nada menos que uma produção tão calorosa quanto o inferno. Dirigido por David Frankel e adaptado de um livro de mesmo nome (esse escrito por Lauren Weisberger), O Diabo Veste Prada é um dos maiores marcos de 2006, eternizando a toda-poderosa Miranda Priestly, a jornalista recém-formada Andrea Sachs e os corredores da revista Runaway.

É ao som de Suddenly I See, música da britânica KT Tunstall, que uma das produções mais marcantes dos anos 2000 começa a ganhar vida, mostrando Andrea como uma completa desleixada – por Deus, produção. Era só um suéter grande e uma saia que não combinava. E sim, ela estava magríssima, mas o filme insiste em dizer o contrário. A jovem não vive imersa no mundo da Moda, muito menos conhece o arrebatador trabalho da indomável Miranda Priestly. Por esse motivo, a personagem não se intimida ao encarar Miranda, e assim consegue o estágio na editoria de Moda, que muitas pessoas venderiam a alma para estar no lugar.

Os elementos que constroem a narrativa são inspirados na inatingível Vogue America. A Runaway é a recriação da revista de Moda e Miranda Priestly faz a Arte imitar a vida da mitológica Anna Wintour. A personagem é uma completa tirana, cheia de si, que dita todas as regras do mundo da Moda e possui o maligno poder de autoridade sobre tudo e todas. Basta um olhar para que todos seus pensamentos críticos da megera que lançou o Halston sejam expostos. Uma mordida nos lábios, e uma coleção completa vai parar no lixo.

Meryl Streep é uma das maiores atrizes do planeta, não há personagem complexo o suficiente que ela não consiga dominar. Todos os filmes que a gigante toca, vira ouro e reluz. Não dá pra definir a imensidão da atriz em apenas uma personagem, mas Miranda Priestly é, sem dúvidas, um dos maiores destaques de sua filmografia. A chefe infernal não precisa nem ser primeiramente apresentada para entendermos a pressão que faz no local. Toda correria no escritório da Runaway deixa claro que a chefe é uma força da natureza. E a simplicidade da produção nos leva a prever que a jornada do herói está prestes a começar para desafiar a diabólica.

Além das protagonistas, os coadjuvantes são essenciais para o filme permanecer em foco. Emily (Emily Blunt), Nate (Adrian Grenier) e Nigel (Stanley Tucci), respectivamente, exercem os papéis de: a estagiária que sonhava com o reconhecimento da editora-chefe, o namorado da Andy e o braço direito da Miranda. E não podemos esquecer de Serena, interpretada por Gisele Bündchen – ok, essa última não rouba cena, mas é extravagante ver uma atuação brasileira em um dos longas mais icônicos dos anos 2000. Emily e Nigel estimulam as atitudes e a evolução de Andy e Miranda no enredo simples porém ardiloso de O Diabo Veste Prada. O escudo criado na personalidade de ambos para sobreviverem à dissimulação de Priestly faz com que a inocente Anne Hathaway ganhe a simpatia e o carinho total do público.

“Um brinde a empregos que pagam o aluguel”: é assim que Andy comemora seu novo e pavoroso trabalho. Diferente de tudo que ela almejava conquistar, a Runaway carrega seu maior desafio: o de sobreviver às ordens de Priestly. O trabalho é sem limites, o salário é terrível e as tarefas saem do âmbito jornalístico para entrar até na vida pessoal de sua chefe. Na revista, não apenas se trabalhava para Miranda, era necessário viver a Miranda. E é a partir daqui que O Diabo Veste Prada vira pauta de perfis do Instagram, portais e mesas de bar. A produção de 2006 cresce ao lado de uma sociedade que está passando por transformações e reflexões a respeito de suas relações de trabalho e amorosas, e isso faz com que aquele roteiro Sessão da Tarde seja como whiskey: ganhando mais sabor ao ser envelhecido.

Em 2006, Miranda Priestley ficou pintada e bordada como a grande vilã (praticamente a Carminha deles). Em 2021, a discussão ganha outro ponto de vista, apontado como tóxico o comportamento de Nate, que não suportava ver sua namorada crescer profissionalmente. “Mas quem é o verdadeiro vilão de O Diabo Veste Prada?” É uma pergunta impossível de ser respondida. Por maiores que sejam as tentativas, essa é uma questão em que o próprio filme coloca inúmeras variáveis que impedem a resposta. 

Em momento algum se pode colocar Miranda em um pedestal, até mesmo porque ela já está esquecida em cima dele. É sempre importante salientar que a personagem de Meryl Streep é sim uma chefe nociva, que causa medo não apenas em seus funcionários, mas em todos que de alguma maneira se relaciona com seu trabalho. Entretanto, essas características não são inovadoras da produção, qualquer filme que tenha um homem nessa posição o torna um mero coadjuvante dentro do roteiro. A postura de Miranda pode ser interpretada como um mecanismo de defesa adotado por mulheres em posições de poder. Esse olhar não é uma tentativa de endeusar trabalhos tóxicos, mas sim, de amenizar a vilania por proteção.

Do outro lado da moeda, temos Nate. Aqui, o problema tem nome e sobrenome: falha de comunicação. Entre todos os cansativos julgamentos, que fez com que o público criasse birra pelo personagem, Nate nunca usou a posição de namorado a seu favor, ajudando sua companheira a se livrar das garras da chefe. Não há como sair de uma relação tóxica, seja ela pessoal ou profissional, sem uma rede de apoio. Ele não está nem perto de ser nenhum coitadinho abandonado. Seu personagem serve para melhor ilustrar como a vida pessoal de Andy está caminhando pela estrada que Miranda abriu. Ele é chato? Sim. Egoísta? Também. Mas não tem tempo de tela suficiente para carregar a titulatura de vilão – o que também não faz dele alguém sem culpa.

Entre glamour, viagem para Paris e muita obstinação, apoiado em um humor inteligente, agudo e irreverente, O Diabo Veste Prada tem material para suscitar discussões por anos e anos. Seus silogismos fazem com que a trama tenha um final fechado após uma grande quebra, e é esse segmento de saber onde quer chegar e quais decisões textuais tomar para gerar combustível para o filme alcançar o patamar que ocupa hoje. As mudanças nas personagens são notáveis porque a direção quer deixar claro as convicções delas, com o objetivo de fomentar reflexões sobre nada ser duradouro.

A produção não massacra Nate e tampouco vangloria Miranda. O mundo cobra mais das mulheres, e sempre cobrou mais da diaba que se importou com a sua carreira, mesmo na ânsia de conciliar seus valores maternais. Meryl Streep dá toda força necessária para a construção dessa mulher afetada pelo ambiente inóspito – que mais tarde, ela mesma acabou recriando. A chefe é intimidadora sem levantar a voz, fazendo com que todos tenham que se inclinar para ouvir. A imortalidade da personagem vem de sua maneira passiva-agressiva de agir, que quebra qualquer caricatura da mulher descompensada que grita para mandar.

A visão sobre o filme amadurece com o tempo. A definição do verdadeiro vilão de The Devil Wears Prada fica a cargo dos valores de quem o assiste. Mas essa procura pelo culpado é banal em um roteiro que engendra suas figuras com camadas consistentes e humanizadas. Colocar cada personagem em sua caixinha com o rótulo de mocinha ou vilão é desleal com o texto sobre pessoas falhas que buscam progredir na vida. Dentro do longa, as personagens que funcionam separadamente, e a condecoração de vilão a um não imuniza o outro. Assistir e reassistir O Diabo Veste Prada é um confronto consigo mesmo e com o mundo.

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Caroline Campos

Foram 42 episódios. 42 longos, dolorosos e excruciantes episódios distribuídos em quatro longas, dolorosas e excruciantes temporadas para June Osborne dar o primeiro passo oficialmente fora de Gilead. Depois de rastejar até o seu quarto ano, já era hora de The Handmaid’s Tale tomar coragem e assumir uma nova perspectiva fora do pesadelo autoritário do país que um dia foi os Estados Unidos. No entanto, quando se trata de O Conto da Aia, até a tão sonhada liberdade é capaz de deixar um gosto amargo na boca.

June conseguiu, sim, mas a certos custos. A trajetória da personagem de Elisabeth Moss havia atingido seu maior pico no final da terceira temporada, quando organizou o Vôo dos Anjos e acabou baleada no meio de uma floresta. Resgatada por suas aias fiéis na primeira cena de 2021, é a partir daí que a trama finalmente volta a caminhar para a direção certa e decide por fim no ciclo tenebroso de sofrimento da heroína americana. Certo, mas e agora?

Nem June, nem Offred – a pessoa a quem somos apresentados na quarta temporada de The Handmaid’s Tale é alguém totalmente nova. A liderança nata da protagonista foi explorada ao extremo, especialmente enquanto se escondia e se recuperava com as companheiras na casa de Esther Keyes, a jovem e talentosíssima Mckenna Grace. June toma gosto pelo sangue de seus violentadores e se reconhece de vez como Mayday só para, de forma quase anticlimática, ser capturada de novo e, ainda, denunciar a localização de Janine, Brianna, Alma e as outras aias fugitivas.

Felizmente, os roteiristas da série comandada por Bruce Miller souberam medir o tempo restante dentro de Gilead, saindo rapidamente do cativeiro e nos apresentando enfim ao cenário de guerra que Chicago se tornou, uma das últimas cidades que ainda resistem aos Comandantes e suas palavras bíblicas. Apesar do arco sem grandes contribuições que os rebeldes representaram, são as interações June-Janine que prendem a atenção em meio aos escombros do passado. A pobre e caolha personagem de Madeline Brewer ganha um esperado vislumbre da vida antiga, só para ser mastigada e esquecida, novamente, pelo restante da temporada.

O que de início parecia uma fuga coletiva das aias principais, logo se transforma numa caminhada solitária que June é obrigada a fazer rumo ao Canadá. Utilizando como fio condutor o laço de amizade entre June e Moira, The Handmaid’s Tale desata os nós que a segurava e explora de forma mais clara os refugiados em um país que, mesmo desaprovando o regime vizinho, não faz nada de concreto para combatê-lo. Ao longo das três temporadas anteriores, a série deu poucas explicações a respeito da situação diplomática de Gilead e, agora, através de Mark Tuello, podemos entender o porquê que o resto do mundo não intervém naquela sociedade.

A produção do Hulu sempre deixou muito claro, mas, parafraseando June, homens fracos realmente fazem o mundo girar. Quase todos os personagens masculinos da série possuem pouco aprofundamento ou relevância emocional, com exceção do irreverente Joseph Lawrence que, desde que surgiu em cena, é uma incógnita muito difícil de ser lida. Mesmo que sejam ótimos personagens e importantíssimos para o andamento da trama, há pouca margem de interpretação para Nick Blaine, Fred Waterford e Luke Bankole. E se esperávamos por um defensor de mulheres na figura de Tuello, o tombo foi grande, já que o homem pareceu se compadecer mais com Serena Joy do que com suas vítimas.

E, por falar nela, a nova gravidinha de The Handmaid’s Tale sofre novamente com um mal incurável: sua personalidade dividida. Claro, a culpa não é de Serena, mas se torna extremamente cansativo assistir a personagem dar dois passos para frente e 20 passos para trás. O talento irrefutável de Yvonne Strahovski pode até ajudar a construir uma base sólida para sua vilã, mas suas idas e vindas indecisas em relação ao marido perderam o impacto com o passar do tempo. Oprimida, sim; opressora, indiscutivelmente. 

Até quando está no Canadá, June não consegue se livrar de seu casal de algozes e, dessa vez, o fantasma da injustiça a assombra mais do que qualquer outra coisa. Já sabíamos que não seria fácil para a personagem superar as sequelas dos 7 anos destruídos em nome de Deus, mas seja pela força de Moss ou pela sagacidade da série, o que a quarta temporada entrega é impressionante. June Osborne está irada e exige justiça, nem que ela mesma tenha que buscar.

Claramente, não era isso que Moira e Luke esperavam quando se reencontraram com a ex-aia. Desde que desembarca na vida de refugiada, ela deixa claro que não abrirá mão de sua raiva – e quem tira a razão dela? The Handmaid’s Tale pode ter perdido a mão quando explorou em demasia o abuso de suas personagens, mas, nessa quarta temporada, parece que a série vem tentando se redimir ao se embrenhar mais fundo nas diversas formas que o trauma se manifesta. 

Morno, o relacionamento da protagonista com Luke, que finalmente exige uma dose maior do ator O-T Fagbenle, mais serve para mostrar os reflexos na vida sexual de June do que para acrescentar em algo na narrativa fraca do marido. Fagbenle se esforça, mas é difícil conquistar personalidade para uma fatia de pão ofuscada pelas mulheres à sua volta. Em contrapartida, a verdadeira eletricidade surge com Moira, que é confrontada por uma pessoa bem diferente de quem um dia foi sua melhor amiga.

A June que nasceu em um quarto de hospital enquanto rezava incessantemente por uma cadavérica Ofmatthew não consegue suportar o cheiro da normalidade e, apesar das decisões e atitudes questionáveis, nos recusamos a sair do lado dela. Que ela tenha sua vingança. Que ela inale as cinzas de seus inquisidores. Assim como ela, como todas elas, estamos sedentos por sangue. E O Conto da Aia se aproveita disso para entregar aquela cena.

É ao som de You Don’t Own Me, de Lesley Gore, que o final do poderosíssimo episódio 10, O Bosque (The Wilderness), deixa sua marca no imaginário de The Handmaid’s Tale. Fred Waterford foi um monstro, um estuprador, um fraco. Nem o charme de Joseph Fiennes conseguiu imprimir algum tipo de humanidade naquele responsável por tirar tudo das mulheres que cruzavam seu caminho. Ele sempre pertenceu ao Muro, e foi sua tão querida Offred que o arrastou despedaçado, mutilado e apavorado para bem longe do Deus que justificava suas ações.

Catártica e corajosa, a quarta temporada da produção reconquistou os votantes da Academia e a queridinha The Handmaid’s Tale garantiu 21 indicações no Emmy 2021. Além da óbvia indicação de Elisabeth Moss em Melhor Atriz em Drama e da obra em Melhor Série de Drama, o elenco encheu as listas de Atuação Coadjuvante. Entre as atrizes, os nomes escolhidos foram Madeline Brewer com sua doce Janine; a insuperável Ann Dowd, que entrega em Tia Lydia a personagem mais complexa da série; Yvonne Strahovski como Serena e Samira Wiley, dona do carisma apaixonante de Moira.

O já vencedor Bradley Whitford e seu indecifrável Comandante Lawrence agora têm a companhia de O-T Fagbenle e Max Minghella na categoria de Melhor Ator Coadjuvante em Drama, mesmo que a diferença de profundidade entre os três seja gritante. Entre as atrizes convidadas, Alexis Bledel e Mckenna Grace também não deixaram Emily e Esther passarem despercebidas e se firmaram em Melhor Atriz Convidada em Drama. Drama para cá, drama para lá, o maior deles talvez seja a falta do nome de Elisabeth Moss em Direção.

Liz Garbus garantiu a sua fatia de indicação pela direção do último episódio da temporada, O Bosque, mas Moss, responsável por dirigir três dos dez episódios da série, ficou de fora. Sob sua tutela, O Cruzamento (The Crossing), Testemunho (Testimony) e Progresso (Progress) – terceiro, oitavo e nono, respectivamente – são especialmente intrigantes, mas não foram o suficiente para que a atriz fosse lembrada em outras categorias além de sua June e de sua produção. Além disso, o único lembrado em Melhor Roteiro em Drama foi Lar (Home), que conta com a assinatura de Yahlin Chang.

Agora, depois dessa sobrevida que abençoou The Handmaid’s Tale, resta orar para que o Deus dos cancelamentos faça o seu papel e finalize a série na já confirmada quinta temporada. Sair de Gilead revigorou uma trama que sofria com a falta de impacto e com uma crueldade excessiva que perdeu o papel de sensibilizar, acostumando o espectador com os horrores de uma sociedade dominada por homens medíocres. No entanto, optar por alongar ainda mais essa nova perspectiva pode terminar de enterrar a produção que abalou o Emmy 2017. Está na hora de deixar June Osborne em paz.

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