Gabriel Oliveira F. Arruda

Quase 14 anos após seu último disco, o duo pop Aly & AJ volta com um som completamente repaginado em a touch of the beat gets you up on your feet gets you out and then into the sun, o novo álbum de estúdio produzido independentemente pelas irmãs Michalka. Vindo depois de dois EPs que reintroduziram a dupla no cenário musical, fica claro desde as primeiras notas que o novo CD é algo especial.

Buscando resgatar na sua sonoridade um clima e uma estética que capturasse as paisagens californianas que elas habitam, Aly & AJ produziram um álbum de verão que abriga uma série de ritmos diferentes que conversam entre si através de seus temas. Desde a angústia atordoante de Stomach até o entusiasmo adolescente de Listen!!!, acompanhar a trajetória das irmãs do início ao fim é um deleite.

Deixando um pouco de lado os sintetizadores que marcaram seus últimos trabalhos, a touch of the beat começa com o country pop romântico e compassado de Pretty Places, um single marcado pela vontade de botar o pé na estrada e abandonar o passado e partir em direção ao desconhecido: “Podemos esvaziar essa casa, sair da cidade/Dirigindo pelo país, uma lanterna traseira quebrada/Você não iria precisar de mais nada, certo?/Só os meus livros e o seu velho Daytona”. A faixa marca o amadurecimento da dupla ao longo da última década e a sua posição no álbum destaca essa importância:

“AJ: Eu acho que é uma canção incrivelmente importante para esse álbum e, para mim, o momento em que nós realmente nos sentimos como compositoras. Se eu tivesse ouvido outro artista lançar essa música, eu provavelmente pensaria ‘Uau, queria que eu e Aly tivéssemos escrito isso’. É difícil se sentir confiante sobre as músicas que você lança, mas eu verdadeiramente sinto que ‘Pretty Places’ é muito especial para Aly e eu.” – via Bustle

Descrita como “a canção que elas mais gostaram de ter escrito”, é difícil não se apaixonar desde os primeiros tentadores acordes da guitarra bem guiada de Aly e de como as vozes da dupla se complementam não só na sua sonoridade como também na coesão temática. Nas próximas canções, Aly e AJ se alternam para reforçar a vontade de se afastar daquilo que te faz mal, seja de relacionamentos fadados ao fracasso em Lost Cause (“Como uma causa perdida/Como se estivéssemos perdendo tempo/Eu tento te alcançar de braços abertos/Por algo que nunca existiu”) ou de si mesmas, no desejo de se reinventar em Break Yourself (“É um dia impossível/Talvez seja a hora de mudar/Sempre oculta, escondendo o parasita/Está cada vez mais difícil de domar”).

Ambas as faixas carregam suas inspirações no rock pop dos anos 70 e 80, trazendo toda a energia que esperamos de um álbum de verão. Mas com letras amadurecidas e confiantes em sua mensagem, o final de Break Yourself se entrega completamente à ela e praticamente se desintegrando em uma linda cacofonia de instrumentos.

Depois dessa introdução estelar, AJ toma as rédeas e diminui o ritmo na graciosa Slow Dancing. Uma balada lenta e sedutora, inspirada pelo ano de distanciamento social pelo qual passamos em 2020, ouvimos as irmãs enaltecendo um tipo de amor mais simples, mas não menos tenro: “Eu quero que você saiba/Que eu não preciso de nada chique/Só preciso de você e eu, dançando lentamente/O Inferno lá fora, me deixando em cativeiro/O paraíso está aí aonde você está pisando/Dançando lentamente”.

“Aly: Na verdade é uma música em que a melodia nós já havíamos começado alguns anos atrás, mas o tema e a letra foram trabalhados em meio ao COVID. Acabou sendo uma das últimas músicas que escrevemos.” – via Entertainment Weekly

É bem peculiar esse ter sido o primeiro single do novo projeto, já que é uma expressão mínima e delicada das intenções musicais da dupla. Isso por si só já é uma declaração bem ousada, mas o seu lugar no disco é bem acertado, entre o desprendimento da sua abertura e as ambições do que vem a seguir.

Paradise e Symptom of Your Touch retornam um pouco do synthpop presente nos EPs Ten Years (2017) e Sanctuary (2019), mas se atendo à sonoridade de a touch of the beat. Em Paradise, uma das melhores faixas do disco, a indagação de como alguém sabe realmente se já chegou em seu auge é o tema principal, acompanhada por um dos refrães mais marcantes da história recente das irmãs, enquanto Symptom captura o amor romântico e a angústia adolescente na indagação mais clássica já feita: “Se faz eu me sentir tão bem/Porque dói tanto?”.

Em contraste com Insomniatic (2007), é interessante ver o amadurecimento de Aly e AJ ao longo dos anos, e de como seu som evoluiu através de seu hiato na indústria. Em faixas como Lucky to Get Him e Personal Cathedrals, vemos o duo confrontar temas e frustrações unicamente adultas, mas sempre com leveza e claridade. A impressão que fica é que esse é realmente um disco que levou 14 anos para ser feito, carregando todas as experiências e expectativas de Aly & AJ em seus ritmos e composições.

Em Listen!!!, vemos algo do som antigo da dupla, uma música que não ficaria fora de lugar perto de faixas como Like Whoa e Potential Breakup Song. Contando com uma participação especial da cantora Nancy Wilson (mentora do duo) na guitarra, elas conseguem criar uma batida eletrizante que remete ao pop rock dos anos 2000 sem perder as experiências adquiridas até então.

Don’t Need Nothing, é a faixa que dá título ao disco e orgulhosamente proclama que a dupla não precisa de mais nada, é realmente uma declaração de suas intenções com o álbum. Seu refrão vai se repetindo até que os versos fiquem gravados na sua cabeça e o ritmo fique na ponta dos seus dedos:

“Um toque da batida

Te deixa de pé

Te faz sair em direção ao Sol”

Terminar o disco com essa faixa teria sido apropriado mas, seguindo a linha do primeiro single lançado, elas decidem terminar com um trio de faixas contidas, mas poderosas em sua suavidade. Em Stomach, há uma tristeza palpável que percorre todos os versos, um sentimento de desesperança que destoa de quase todas as outras canções do álbum, afundando como uma pedra após a euforia de Don’t Need Nothing: “No início, tudo que eu dissesse iria te fazer rir/Mas agora você me dá as costas sem nem sorrir”.

Ecoando e, aos poucos, adicionando ao country pop do início, Personal Cathedrals constrói uma imagem vívida e poética de uma espiral decadente, na qual Aly e AJ confrontam a apatia e a indiferença. Estas, personificadas na imagem de “Caubóis e coroas de desespero/Nos girando por todo lado/Nos olhando de cima a baixo/Eles tratam essas pistas de dança solitárias/Como catedrais particulares/Até mesmo diamantes não brilham aqui”.

Após tanta angústia, o álbum se fecha com um apelo e, quem sabe até, uma resposta. Na melódica Hold Out, vemos todas as vulnerabilidades expostas na letra, que nos pergunta em seu refrão: “Você vai me segurar?/Vai estender seu braço e me segurar?”. Depois de duas músicas carregadas de sentimentos negativos, um apelo tão sincero chega com impacto e urgência que terminam a experiência em um momento de reflexão inesperado, mas definitivo.

Ao final de tudo, a touch of the beat gets you up on your feet gets you out and then into the sun é muitas coisas. Um comeback há anos no forno, uma reimaginação de uma das duplas musicais mais icônicas dos anos 2000, um disco sofisticado em sua construção mas que retém simplicidade em suas letras. Mas o mais impressionante é o quanto ele é uma expressão completamente honesta de suas artistas. Aly & AJ voltaram para mostrar ao mundo que, de fato, não precisam de nada além disso.

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Rafaela Martuscelli

Em 6 de julho de 2017, a banda Twenty One Pilots se calou. Como tudo o que envolve a banda, a despedida não seria simples e direta. Algumas imagens em preto, branco e vermelho – que faziam referência direta ao álbum Blurryface – com partes de músicas que falavam sobre escuridão, noite e solidão, foram postadas.

O vermelho da imagem, que começou em formato de um grande círculo, foi se fechando como se fosse um exausto olho após um dia agitado, até o total silêncio e a escuridão ganhasse forma na figura que se formava. Até que a multidão tivesse sumido. E esse foi o último sinal do duo por um ano.

Depois desse período sem novidades e de grandes expectativas, o grande olho se abriu e a banda ressurgiu com o novo álbum Trench e suas novas cores, o sucessor de seu último grande trabalho, o Blurryface. Os garotos de Ohio, Tyler Joseph e Josh Dun, estão juntos pela gravadora Fueled By Ramen desde 2012 e desde então não decepcionam quando o assunto é Música.

Blurryface foi e continua sendo um álbum muito importante para a banda, já que foi o responsável pela conquista do mundo da indústria pop com o sucesso Stressed Out. Um álbum cheio de significados e mistérios, que deu margem a diversas interpretações. Afinal, o que seria Blurryface? O que é? Quem é Blurryface?

Como forma de exteriorizar seus sentimentos, Tyler cria o conceito do Blurryface como uma pessoa – mas não uma pessoa qualquer. É a representação daquilo que ele vê quando se olha no espelho: todos os seus medos e inseguranças aparecem em sua frente, como forma de uma outra pessoa que era inexistente até então, ao mesmo tempo que é uma parte dele.

Trench veio como uma continuação do antecessor. Como uma forma de concluir os pensamentos que foram deixados em aberto, o recém-lançado álbum do duo ainda trabalha com algumas questões abordadas anteriormente. Dessa maneira, trabalham de maneira interligada. Para interpretar um, você precisa entender o outro.

O simbolismo e as cores

Levando isso em consideração, podemos começar pela parte simbólica de cada projeto. Um dos fatores de importância no Blurryface foi a parte visual. O símbolo da banda, (|-/) é trabalhado desde o álbum Vessel. Nesse em questão, tal símbolo é formado por barras de cores azul, preto e vermelho.

Há quem interprete o azul como o lado bom, o vermelho como o lado ruim, e o preto como uma ponte que leva uma parte a outra. Segundo algumas teorias, Josh seria a parte boa que o Tyler precisa. Em alguns photoshoots, isso fica evidente pela cor da camiseta que cada um deles está usando e a posição em que eles se encontram.

Quando o Blurryface foi lançado, o símbolo também foi alterado. Como o álbum remete a pensamentos mais sombrios, a parte azul foi retirada de forma que o símbolo ficasse só com a parte em vermelho, e as barras se tornaram mais distantes, como se quisesse evidenciar um afastamento.

Já em Trench, a era vermelha teve seu fim. Desde o começo das divulgações, a cor amarela foi evidente. Sabendo que a cor amarela traz a sensação de alegria por ser uma cor clara e forte, e analisarmos o conteúdo das letras do novo álbum, temos a sensação de que Tyler segue na busca incessante por um esclarecimento em seu interior.

Os vídeos que saíram – que, em ordem de lançamento, são Jumpsuit, Nico And The Niners, Levitate e My Blood – demonstram isso em diversos momentos em que Tyler aparece “se livrando” de algumas referências do álbum anterior.

Dema

Um fato que intrigou a maioria dos fãs alguns meses antes dos primeiros singles serem lançados foi o surgimento de um site misterioso chamado demaorg.info, que continha uma mensagem:

“you are in violation. thEy mustn’t know you were here. no one should ever find out About this. you can never tell anyone about thiS — for The sake of the others’ survIval, you muSt keep this silent. we mUst keeP silent. no one can know. no one can know. no o ne c an kn ow_

(Violation Code. 15398642_14)”

Além da mensagem que o texto está transmitindo, algumas letras em maiúsculo aparecem entre as frases. Juntando elas, conseguimos formar a frase “East Is Up”, que aparece logo no primeiro single Jumpsuit e indica que o leste da cidade está aberto.

Usando o código de violação, você chega em uma parte do site que fica escondida. Nela, encontramos uma espécie de diário desse personagem chamado Clancy. Clancy é um garoto que depois de muito tempo nessa cidade chamada Dema, que sempre foi considerada o seu lar, na verdade é o lugar que o sufoca. E ele precisa sair dali.

Então Clancy conta sobre como ele deseja escapar, porém essa escolha não existe. Ele será perseguido e punido por tentar fugir da cidade em que passou a vida inteira lá. É assim que os Bishops (Bispos) aparecem na história, como aqueles que estão atrás de Clancy, assim como os Banditos aparecem para ajudá-lo. O site está cheio de referências, tanto aos álbuns anteriores quanto às próprias músicas do Trench. Relembrando que o site foi ao ar meses antes de qualquer coisa relacionada ao álbum, quem o visitou e viu as imagens que estavam lá nem imaginavam que eram cenas de futuros clipes.

Entre as imagens, um mapa – que provavelmente é da cidade de Dema. A cidade é em formato circular, e em seu centro há o nome dos nove Bishops: Andre, Lisben, Keons, Nico, Reisdro, Sacarver, Nills, Livetom e Listo. O que torna interessante é o fato de que os círculos no centro representam os mesmos que aparecem na capa do Blurryface.

No entanto, devemos retomar ao Blurryface para interpretar o nome dos Bishops. Os círculos representam determinada música do álbum. A relação entre os Bishops e as músicas em específico estão no meio das letras:

O Nico, que foi citado diversas vezes em músicas como Nico And The Niners e Morph, é o nome de um dos Bishops que estão atrás de Clancy, o autor do site que foi divulgado antes dos primeiros singles do Trench serem divulgados. É o único nome que não houve conexão com a música que estava designada para seu círculo.

Outras postagens desse Diário de Clancy também fizeram referências ao que estava por vir em Trench: alguns textos terminam com a expressão Cover me, que também é parte de Jumpsuit. Dema é uma abreviação da palavra demons. A questão aqui é o fato de Clancy (que representa Tyler) querer escapar de seus demônios – representados pelos Bishops. Os Bishops são cavaleiros brancos em uma capa vermelha, que tem suas mãos cobertas de preto, as mesmas cores em Blurryface.

Uma vez que Blurryface é considerada uma versão de Tyler, estaria ele fugindo dele mesmo, já que seus pensamentos e ele seriam os seus próprios demônios? Pois como ele mesmo diz em Nico And The Niners: dema don’t control us.

A subjetividade nas letras

A subjetividade nas letras de Tyler também é um diferencial em seu trabalho. Quando você as interpreta, você entende a mensagem que ele quer passar, apesar dela sempre estar implícitas em expressões ou situações. Tyler sempre coloca muito sentimento naquilo que escreve. Na maioria das vezes, os temas que ele aborda variam: melodias animadas com temas pesados. Melodias pesadas com temas leves.

Seguindo a linha de relação entre Trench e os outros álbuns – com ênfase em sua ligação com o Blurryface – é marcante como uma letra remete a outras de outros álbuns, muitas vezes dando continuidade ao pensamento ou acontecimento. Isso acontece, por exemplo, em Levitate, que lembra do rádio roubado em Car Radio (Vessel):

Em Car Radio, Tyler canta:

“I have these thoughts, so often I ought
To replace that slot with what I once bought”

Dois álbuns mais tarde, ele retoma em Levitate:

“I got back what I once bought back
In that slot I won’t need to replace”

Além disso, outro detalhe importante a ser notado é que a última música dos três principais álbuns parece se conectar. Em Truce (Vessel), ele insiste na frase ‘Stay alive’ e na questão do anoitecer e no escuro da noite. Em Hometown (Blurryface), ele diz que nosso lar é na escuridão e que não deixará os espíritos da noite o alcançarem. Finalmente, em Leave The City (Trench), ele diz que uma hora sairá de sua cidade, mas por hora se manterá vivo – retomando novamente a questão do ‘stay alive’.

Um outro assunto que Tyler sempre retoma é metalinguístico: ele fala sobre o próprio processo de criação de suas canções. Em Banditos, ele repete várias vezes a expressão “Sahlo Folina” que significa “habilitar suas expressões criativas”. O que faz completo sentido, já que os versos seguintes falam sobre como ele conseguiu criar o mundo de Trench.

Na maioria das vezes, as letras falam sobre a exposição dos efeitos que as pressões que sofremos diariamente nos causam. No caso de Tyler, além da pressão externa de corresponder ao que a indústria musical pede e produzir somente o que faz sucesso, ele ainda lida com suas pressões internas.

Nesse álbum, Tyler bate sempre na tecla do “keep moving” apesar do quanto ele esteja machucado – nos seus diversos sentidos da palavra. É impossível não se identificar com alguma música, pois cada uma delas remete a uma problemática recente quanto a questão da saúde mental.

Seguindo o padrão dos demais álbuns, as músicas mudam de ritmos bruscamente em uma só música. Às vezes conseguimos ter a impressão de que estamos em uma faixa diferente, quando na verdade apenas chegou ao refrão. Como a própria banda comentou em seu Twitter, algumas músicas irão te fazer sorrir, e outras vão te fazer chorar. Há muito sentimento envolvido em Trench.

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