Guilherme Machado Leal

Após o lançamento de Don’t Start Now, faixa que iniciou os trabalhos de seu segundo álbum, Dua Lipa utilizou uma das melhores plataformas de divulgação para uma artista pop: a performance em uma premiação com alcance mundial. Ato de abertura do MTV Europe Music Awards, em novembro de 2019, a artista mostrou que havia feito a lição de casa depois das críticas que recebeu no ano anterior pela sua dança em One Kiss – hit com Calvin Harris – no Lollapalooza de Berlim. Como tudo que dita a era Future Nostalgia, a cantora dividiu com o público o avanço em direção à estrela que gostaria de se tornar. A cada lançamento que antecipava a chegada do projeto, a albanesa preparava o terreno para aquele que se tornaria o seu trabalho mais aclamado.

Prince, Blondie, Jamiroquai e Moloko foram referências para a jovem, que optou por misturar o passado com o futuro ao descrever em sua lírica o momento pelo qual passava enquanto uma mulher de 20 e poucos anos em meio à produção com homenagens a épocas célebres da música. No single de estreia, por exemplo, o disco setentista era o foco; na composição, a performer pedia para que o ex não entrasse em contato, pois ela estava em um novo momento. Pois bem, sua mudança foi perceptível: a popstar trocou as baladas de coração partido pela diversão encabeçada do som fresco e futurista, explicado em entrevista à Variety durante o lançamento do sucessor de seu debut.

Sem lágrimas para derramar, ou melhor: se chorasse, que fosse na pista de dança, a artista construiu o próprio nome em um lugar especial no gênero. Entre os nomes que surgiram na época de New Rules, canção responsável por exportar as ambições musicais de Lipa ao redor do globo, a britânica se destacou com um combo potente e atemporal. Aliada a um time de produtores, formado principalmente por Jeff Bhasker, Ian Kirkpatrick e com uma peça fundamental para auxiliar no sentimento de nostalgia ao escutar o álbum: Stuart Price.

Conhecido como o principal produtor do Confessions on a Dance Floor, de Madonna, o veterano participa de faixas como Cool, Hallucinate e Love Again. No entanto, é em Levitating que o toque especial do britânico: em uma canção cheia de frescor e vida, a intérprete coloca os pulmões para fora, demonstrando o amor de outras dimensões que sente por alguém. Atuando nos teclados, na programação e no baixo, o artista confere à música um sentimento de saudosismo aos momentos mais impactantes do pop, como Teenage Dream de Katy Perry.

O quinto single da era se tornou o maior sucesso da cantora na Billboard Hot 100 ao passar 77 semanas na parada norte-americana. Para impulsionar, a produção ganhou duas versões: uma com Madonna e Missy Elliott para o Club Future Nostalgia (versão remixada do projeto original) e outra com o rapper DaBaby, presente no relançamento do disco, intitulado Future Nostalgia (The Moonlight Edition). Depois de cinco anos, ao revisitar o trabalho, pode haver o questionamento se a sonoridade parou no tempo. Entretanto, à época, além da britânica, nomes como The Weeknd e Doja Cat estavam retomando o som oitentista. 

De fato, voltar àquilo que já foi feito é um cenário muito confortável para os cantores da atualidade. Embora o público esteja acostumado com letras virais para o TikTok ou dancinhas que irão ‘ajudar’ na longevidade de um trabalho musical, os consumidores do gênero não são tão fáceis de enganar. E é nesse ponto que o segundo álbum da performer a consagra como uma promessa. A autenticidade e o desejo de permanecer aparecem nos versos embalados de sentimentalismo, assim como a homenagem realizada a quem veio antes. Ser da nova geração e ganhar o apoio daqueles que viram de perto a ascensão de Britney Spears, a versatilidade de Beyoncé e a transformação cultural de Lady Gaga não depende apenas de uma gravadora injetando dinheiro. Longe disso, no disco, é perceptível o quanto Dua Lipa precisou correr para mostrar o seu diferencial.

Uma das particularidades da obra e que a coloca como um respiro à música pop enlatada é a alteração – ou expansão – que Lipa realiza nas faixas ao cantar os segundos refrãos. Em Physical, por exemplo, vemos uma extensão das letras e do vocal da artista, com adição de conteúdos líricos que ampliam o gosto do fã pelo momento em que coloca os fones de ouvido. Pretty Please, uma das canções mais espertas da britânica, contém acertos criativos no que se relaciona ao trabalho de produção, a exemplo do som de uma espinha sendo arrepiada, como ela mesma versa no exato segundo em que canta, ou quando pede para o amado ajudá-la a desacelerar e a velocidade rítmica da canção diminui. 

Segundos como esses, sutilmente representados, dão força à história que a compositora conta no Future Nostalgia. Se em 2018, Ariana Grande disse que não havia mais lágrimas para chorar, Dua pega o líquido e o bebe direto da pista de dança. Para ela, não tem tempo ruim! E se for para se lamentar, que seja ao som de uma boa canção pop. Por si só, o segundo álbum de estúdio é suficiente; mas, como uma boa estudiosa dos passos de seus antecessores, a estrela domina ainda mais a conversa trazida com os clipes que marcaram a era.

Nós criamos algo fenomenal

Você não concorda?  — Physical

Em Break My Heart, faixa que contém interpolação do hit Need You Tonight da banda australiana INXS, a performer versa sobre o medo de se “apaixonar por aquele que poderá quebrar seu coração”, como ela mesma diz no refrão. No vídeo, comandado por Henry Scholfield, com quem a popstar já trabalhou em IDGAF e New Rules, a jovem se junta às amigas em uma festa retrô com direito a uma coreografia intimista. No último single do projeto, Love Again, a compositora abandona as madeixas loiras que marcaram e entrega à faixa um conceito introspectivo alinhado à coreografia country no melhor estilo ‘quem faz o palhaço rir?’.

Desde o momento em que foi lançado, o álbum marcaria o gênero na década de 2020. Com o aniversário de cinco anos, fica evidente o cuidado dela em trazer a sua versão do que seria se sentir fresh e vintage; o que pegar de lá e trazer para cá. É uma roupagem interessante, enérgica e, com certeza, um divisor de águas na carreira da britânica. O receio de se tornar um mero cometa avistado por um seleto grupo nem deveria ser conversa de terapia para a cantora: o nome de Dua Lipa entrou para o hall de hitmakers do gênero.

“Você quer uma música atemporal, eu quero mudar o jogo”, frase dita pela cantora na faixa que abre o disco, sintetiza o compromisso da estrela. Aqui, você vai suar e se cansar por um bom motivo: aos veteranos, é um registro muito bem estruturado de quem vive na pele as transformações do cenário pop; para os novatos, o Future Nostalgia é uma boa porta de entrada para descobrir lendas que influenciaram e constituíram não só a pessoa da voz que encabeça o projeto, mas os nomes que a fizeram cimentar o status de star quality – almejado por muitos e conquistados por poucos.

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Leonardo Teixeira

Uma sirene corta a noite, enquanto carros buzinam no que parece ser uma rua movimentada. Mas não é só o ruído urbano que se ouve. Vem vindo um compasso, seco e sintetizado, que se aproxima aos poucos. Logo, a cidade é engolida pela batida eletrônica. Estamos na pista de dança. É assim que é introduzida I Love New York, faixa 5 do décimo disco de estúdio de Madonna, Confessions on a Dance Floor (2005). A música homenageia não só a cidade que acolheu a aspirante a dançarina, quando ali ela desembarcou – com apenas 35 dólares no bolso, reza a lenda -, mas também o tipo de estado de espírito noturno e eufórico que resiste nas ruas e explode sob a luz de estrobo. 

Madonna nasceu na pista. A boate Danceteria, onde ela se lançou como cantora solo, era um palácio underground no início dos anos 80, em Nova York. Lá, sob o globo de espelhos, ela dançava noite adentro ao som de disco, hip-hop, ritmos latinos e mais uma mistureba de estilos, numa bolha de arte e diversidade que inspiraria toda sua carreira. A noite como esse lugar seguro, de autoafirmação, é ponto de partida do disco, que completa hoje 15 anos na cena. 

Logo de cara, fica claro que o álbum foi pensado como um set de DJ, pelo desembocar em cascata das faixas umas sobre as outras. E que forma melhor de abrir a pista do que Hung Up? Seu conceito nasceu de um projeto de Madonna com o diretor Luc Besson, que pedia um som que lembrasse “ABBA on drugs”. O roteiro foi engavetado, mas a música era boa demais para ser descartada. Stuart Price, jovem produtor que a cantora já conhecia, ficou encarregado da produção, que é construída sobre uma base de sintetizador, brilhantemente sampleada de Gimme! Gimme! Gimme! (A Man After Midnight), do grupo sueco ABBA. 

Price, que assina com dona Ciccone grande parte do LP, alterou o tom, picotou e brincou com o trecho, incluindo também uma linha de baixo que trouxe a faixa para o século XXI. Nascia ali uma das pérolas da carreira tetragenária de Madonna.

Com direito a collant cor-de-rosa, cabelo à Farrah Fawcett e rádio boombox no ombro, a canção talvez seja a maior referência direta à discoteca setentista do registro. Outro destaque, a hipnotizante Future Lovers, reaproveita um clássico de Donna Summer (ou a melhor canção pop já feita), mas o olhar  aqui é futurístico. “Não controlados pelo tempo/Amantes do futuro brilham/Pela eternidade/Num mundo livre”, Madonna idealiza, evocando a mesmo sentimento utópico de comunidade e inclusão que nomes como a própria Summer, Sylvester e Earth, Wind & Fire proporcionaram a toda uma geração. 

A tracklist segue, bebendo muito mais da ebulição libertadora dessa era, do que o som propriamente dito. Na verdade, o que mais parece orientar a sonoridade do registro são os movimentos pós-disco, como a house music e o synthpop. 

Get Together, por exemplo, remonta a trabalhos da dupla de DJs Daft Punk. A vibração aqui ganha aura ritualística, quase religiosa. Como uma bíblia, Confessions está aberto a diversas interpretações, e a faixa exemplifica isso com brilhantismo. A letra pode ser sobre um amor profundo, uma paixão que perece ao amanhecer, solidão ou tudo junto. É essa a graça da pista de dança. Entre os corpos em movimento, não cabem longos diálogos, fica difícil da gente se ouvir. Confissões flutuam no ar, num universo em que certezas nem são necessárias. 

Mas nem só de escapismo é feita a noite. A Rainha nos lembra que espaços como a Danceteria eram, principalmente para pessoas LGBTQIA+ e não-brancas, os únicos onde se podia viver plenamente seus conflitos emocionais e afetivos. Então chorar as pitangas faz parte da experiência também. Triste e elegantérrima, Forbidden Love questiona as barreiras invisíveis que nos impedem de amar alguém em força total.  A versão da faixa para a turnê mundial do disco – que merece um texto por si só – vai mais fundo, iniciando um conversa pesada e necessária sobre o conflito israelo-palestino. É de arrepiar.

Outro momento de confissão, Jump relembra a chegada de Madonna em Nova York em 1978, e sua procura por independência. “Eu consigo sozinha, minhas irmãs e eu”, ela repete sob camadas e camadas de sintetizadores, reforçando a importância da família que a gente escolhe nesse processo de crescimento. A vastidão eletrônica faz referência a trabalhos de outra dupla, os Pet Shop Boys.

Em abril de 2006, a cantora foi uma das headliners da sétima edição do Coachella. Mas a surpresa é que, apesar de ser o principal nome da edição, ela não ocupou o palco principal do evento. Seu show aconteceu na tenda eletrônica, que quase veio abaixo com os primeiros tic tacs de Hung Up. Por sua vez, a canção que Madonna estreou em sua primeira performance solo lá na boate Danceteria, Everybody, fechou a apresentação, numa versão remixada por Stuart Price. É o culto à pista de dança atravessando gerações, amém.

Discoteca e suas adjacências seriam revisitadas por mais um monte de gente nos anos seguintes. Em 2020, por exemplo, o espírito da época parece pedir pelo tipo de música que une as pessoas num lugar de acolhimento, e muitos hits recentes adotam essa referência. Sonoramente, quem mais se banhou em águas madônnicas é Dua Lipa, com o bem-sucedido Future Nostalgia. Mas o impacto vai mais longe.

Temos aqui o disco com o qual todos os novos trabalhos de Madonna sempre serão comparados. Apesar disso, Confessions on a Dance Floor não tem intenção alguma de reinventar uma época. O que acontece aqui é uma conversa sendo passada para frente, referências em renovação, já que a utopia da discoteca não pode morrer. 15 anos depois, esse álbum ainda recria um espaço seguro, de vivência e amadurecimento para quem quiser dançar junto. Esse lugar nunca perderá seu brilho. 

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