Guilherme Dias Siqueira

Entre 1600 e 1904, onde hoje se localiza o Benim, existia a monarquia do Reino do Daomé, uma nação soberana que, apesar de ser rica em recursos agrícolas, tinha sua economia baseada no comércio de pessoas escravizadas para as colônias europeias nas Américas. O reino vivia em uma espécie de guerra fria com o vizinho, o Império de Oyó, duas vezes maior em população e que controlava o principal porto da região. É nesse pano de fundo que A Mulher Rei (2022), de Gina Prince-Bythewood, se inicia.

Na história, Daomé está sob o comando do jovem, porém maduro, rei Ghezo (John Boyega), que tem que lidar com o aumento da tensão com o país vizinho e as pressões das potências europeias, que querem impedir que o tráfico de cativos cesse. Ghezo deposita sua máxima confiança em sua general, Nanisca, interpretada magistralmente por Viola Davis, que lidera a elite do exército do país: as lendárias guerreiras Agojie.

Talvez por pressão, ou por lucratividade, Hollywood tem dado, nos últimos anos, mais espaço às minorias, especialmente a população negra, em filmes que saem da superficialidade de estereótipos ou que fogem dos resumos simplistas da vida de pessoas não-brancas às opressões vividas por elas. Assim, The Woman King vem para enterrar de vez qualquer consciente comum e errôneo da existência onipresente da miséria no continente africano.

Muito dessa qualidade narrativa, de fugir dos estereótipos, se dá pela direção de Gina Maria Prince-Bythewood, que começou sua carreira como roteirista em seriados de TV dos anos 1990 e no Cinema com Além dos Limites (2000), longa pelo qual ganhou o Independent Spirit Awards de Melhor Roteiro de Estreia. Ostentando na carreira o Black Reel Awards, um dos mais importantes prêmios do Cinema Afro-americano, a diretora soma em seu currículo, agora com A Mulher Rei, os títulos de Cineasta do Ano pela American Cinema Editors (ACE) e Melhor Diretora pelo African American Film Critics Association, sendo também uma das homenageadas no Gotham Awards 2022. Contudo, ela se juntou à Viola Davis nas ausências sentidas no Oscar 2023; no caso de Davis, a presença na maior premiação do Cinema parecia certa.

O anti-imperialismo de A Mulher Rei é, sem dúvidas, um grande destaque, tendo em vista que muitas tentativas anteriores de abordar a temática acabaram por ultra simplificar o assunto, ao ponto de resumir o problema à colonização “de facto”: a potência europeia assume o controle total do país (o que, em um tempo futuro ao do filme, aconteceria com Daomé). Na trama, a relação da nação com o Império Britânico pode se aparentar amistosa em um primeiro olhar. A verdade é que os europeus tinham, na pólvora e nos navios, uma vantagem bélica, que não deixava o rei Ghezo em uma posição de negociador e, com essa influência, utilizaram a Guerra contra Oyó para promover o tráfico escravagista.

Viola Davis, a artista EGOT indicada quatro vezes ao Oscar e vencedora em 2017 por seu papel em Fences, está em sua melhor forma. Este é um filme de ação, e a coreografia das lutas é visceral, o que exigiu uma altíssima performance física de Davis para além de sua excelente atuação emocional. Há uma dedicação especial de Thuso Mbedu, a atriz protagonista sul-africana que interpreta Nawi e estreia na carreira internacional com um papel de doçura e força em mesma intensidade. Dando vida ao jovem rei, John Boyega também traz firmeza e rigor no papel.

O filme escancara o esmero de toda equipe, cuja bilheteria de quase 100 milhões de dólares teve o Brasil como um dos protagonistas; curiosamente, Daomé foi o primeiro país a reconhecer a independência do Brasil. Ao fim, A Mulher Rei evidencia que a representatividade não é uma moda passageira, mas sim um marco de recomeço em que histórias originadas fora do eixo América do Norte—Europa ganham reconhecimento – do público, da crítica e, idealmente, em um futuro próximo ou em algum momento, da Academia.

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Raquel Dutra

O décimo primeiro dia do Festival do Rio 2021 ficou por conta da direção e protagonismo da cineasta francesa Maïwenn e seu DNA. Vindo da Seleção Oficial do Festival de Cannes 2020, o filme contempla aspectos da vida de sua criadora no centro de uma família que carrega a ascendência argelina de um amado avô, exilado no colonizador europeu e inflamado de saudade da sua terra natal. Pelo toque diretora, o drama se desenrola com vislumbres políticos e risos sagazes, indo em direção à uma obra rica em camadas que pulsa um desejo de compreensão de origem, herança, laços e identidade.

O caráter reflexivo de DNA não poderia partir de um contexto mais caótico, e é aqui que o trabalho da também roteirista Maïwenn brilha na obra que traz muitas das suas vivências pessoais para uma tela de Cinema. Depois de nos apresentar ao filme através de momentos singelos em que a família visita o avô Emir Fellah (Omar Marwan) na casa de repouso, a linguagem da cineasta nos comunica algumas coisas. Entre elas, o que se compreende é que aquela definitivamente não é uma família perfeita, e que o elo que os une não continuará ali por muito tempo.

Quando o coração do filme para de bater, a família calorosa e disfuncional precisa seguir em frente com seus problemas ao mesmo tempo em que dizem adeus à figura mais amada de suas vidas. Então, DNA se mostra como um filme efusivo e conflituoso. Os sentimentos estão à flor da pele, e em meio a carga emotiva do luto de uma pessoa tão amada, tudo se transforma em uma questão e os problemas parecem gritar que não podem mais ser ignorados.

Tudo isso poderia se transformar num belo melodrama, mas além de DNA não ser um filme sobre luto, ele também não se concentra no núcleo amplo da família e não procura uma soberba seriedade. Primeiro, a obra recusa o ideal de elegância e a polidez que são esperadas diante da morte para dar ainda mais efeito na sua narrativa familiar. Existe muito respeito e dor naquele momento, mas também existem muitos outros sentimentos desencadeados pelo falecimento do avô que procuram vazão naquelas personalidades excêntricas.

No vai-e-vem emocional causado pelos múltiplos tons do filme, a real premissa e protagonismo de DNA não demora a se revelar. O olhar certeiro da neta Neige guarda um conflito de identidade – debaixo da lente castanha que esconde aquele azul europeu ou por trás das vestimentas imitando o estilo de Amy Winehouse -, e diante da ausência do avô, que a criou junto do amor, saudade e identificação que conservava pela sua pátria, essa questão precisa ser resolvida.

Então, a personagem de Maïwenn captura toda a nossa empatia assim como toda atenção do filme. O luto pelo avô cria naquela mulher uma obsessão pela sua origem, que vai desde testes duvidosos sobre a composição do seu DNA – e uma decepção engraçada com os resultados que encontra – até uma teimosia para conseguir sua cidadania argelina com documentos insuficientes. A resolução de seu arco é simples, assim como a premissa do filme, mas rica nas subjetividades e nos significados dos eventos que a acompanham. E quando o sorriso genuíno de Neige brota em meio ao fervor do país que ela foi ensinada a amar, fica claro que DNA não precisa de mais nada.

É fato que o roteiro e direção de Maïwenn favorecem a personagem de Neige antes de qualquer outra, mas o elenco de ouro de DNA não fica para trás do ritmo do filme. Louis Garrel rouba todas as cenas em que participa como François, o amigo mais próximo da nossa protagonista, em cenas irônicas que carregam uma naturalidade inacreditável. Da mesma forma, o Kevin de Dylan Robert nos diverte em meio aos olhos cheios de lágrimas com as cenas de cuidado com o avô na casa de repouso. 

A mãe singular de Neige vivida por Fanny Ardant não só brilha no filme como também rouba as atenções no velório do pai, ao aparecer para o evento visivelmente abalada. Considerando a narrativa de DNA, Carolline ainda protagoniza uma das cenas mais importantes e significativas do filme, que marca o movimento da obra de adentrar cada vez mais a perspectiva da personagem de Maïwenn, quando na cerimônia de velório de Emir, o discurso da neta é bruscamente interrompida por um surto da mãe. 

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