Sofia Ferreira Santos

Ao longo de sua carreira, Lady Gaga consolidou-se como uma criadora de extremos: do pop dançante de The Fame (2008) à densidade conceitual de ARTPOP (2013), da vulnerabilidade íntima de Joanne (2016) à catarse eletrônica de Chromatica (2020). Essa habilidade de transitar entre o espetáculo e a confissão, entre o acessível e a experimentação, alimentou expectativas intensas do público e da crítica a cada novo lançamento. MAYHEM (2025), portanto, surge não apenas como o oitavo álbum de estúdio da estrela, mas como uma produção que dialoga com essa herança: um retorno à teatralidade sombria de Born This Way, às canções confessionais de Joanne e à energia catártica de Chromatica. 

MAYHEM ganhou vida além do estúdio durante a Mayhem Ball Tour, uma encenação teatral de proporções épicas. No Brasil, a celebração atingiu seu ápice em Copacabana, com um show gratuito na praia que reuniu cerca de 2,1 milhões de pessoas, tornando-se a maior apresentação já feita por uma mulher na história. Dividido em cinco atos temáticos – ‘ópera gótica’ em formato pop –, a apresentação incluiu suas faixas de maior sucesso, como Poker Face, Bad Romance e Shallow, tudo embalado em visuais grandiosos e figurinos teatrais. Esse momento histórico não só coroou o ciclo do projeto, como reafirmou a capacidade de Gaga de transformar música e imagem em experiência coletiva – com forte ressonância cultural e emocional no país.

Mais do que simplesmente atender às expectativas, a musa as redefine ao entregar uma obra completa que se assume como ‘caos’ – entretanto, trata-se de um caos específico: estruturado, encenado e transformado em espetáculo sonoro e visual. Além disso, como apontou a Zane Lowe durante a entrevista sobre a produção para a Apple Music, esse seria justamente o que a persona Lady Gaga representa para ela. Com esse material, a performer revela múltiplas facetas de sua identidade artística e, sobretudo, uma intersecção singular entre três extremos que apenas ela poderia oferecer ao público: a balada, o amor e o gótico.

A BALADA

Inicialmente, Balada, foi o primeiro tema apresentado aos little monsters (como são chamados seus fãs) sobre a novidade. A faixa se trata de uma colaboração feita com Bruno Mars, Die With a Smile, lançada em 2024, escolhida como última da tracklist. Com esse estilo musical elegante, aborda um amor carregado de emoções, vulnerabilidade e quase melancolia, em que, por tanta entrega, a pessoa deseja, caso o mundo se acabe, estar com quem ama nos últimos instantes e, assim, como o próprio nome da música diz, morrer com um sorriso.

O sentido de discoteca também aparece na obra pelo ambiente em que é reproduzida, especialmente em festas voltadas ao público LGBTQIAPN+, onde grandes hits da carreira da estrela costumam estar presentes. Na nova produção, isso se mantém: o single Abracadabra traz batidas densas e um experimentalismo que favorece a criação de remixes e versões alternativas, aproximando-se da estética sonora do submundo. Esse estilo vem ganhando força nos últimos anos, sobretudo com a festa Submundo 808, criada pelo Coletivo 808 – Produções em Campinas e hoje presente em diversos estados do país, alcançando também projeção internacional.

Além disso, o MAYHEM não tem suas referências presentes oriundas desses ambientes somente pela musicalidade, como também, pela cultura de ballroom, representada pela personagem Senhora do Caos (Mistress of Mayhem), personificada por Gaga e mostrada previamente no clipe de Disease. Neste caso, como no outro videoclipe, ela é mostrada em um conflito com a outra persona – que seria a própria Lady Gaga, porém, neste momento, inicia o videoclipe apresentando uma competição de ballroom, dizendo: “Dance ou morra”.

Essa batalha representa não somente uma luta pela própria vida, e sim, por sua liberdade dentro da indústria musical, refletida em músicas como Disease e Perfect Celebrity, em que a cantora aborda como se sente moldada por esse sistema a ser um exemplo perfeito para a sociedade, e em como essa constante cobrança a afeta. Esse conceito é apresentado principalmente na segunda faixa citada, em que ela expõe que se sente como uma ‘boneca humana de plástico’, obrigada a mostrar-se sempre impecável para que seja vendável, e consequentemente, suscetível também a perder sua personalidade.

Enquanto isso, em Disease, somos conduzidos a outro aspecto dessa excessiva cobrança: o de sentir a obrigação de curar o outro – não apenas seus fãs, mas também a própria indústria musical, que projeta sobre a artista expectativas de regeneração e superação. Ao mesmo tempo, a canção também pode ser lida como uma tentativa de cura de si própria, uma resposta íntima às marcas deixadas pelo constante julgamento e pelas exigências externas que atravessam sua trajetória.

O AMOR

A segunda intersecção – Amor – é abordada como a anterior; sempre com duas facetas: a primeira, em uma busca por esse sentimento, em um sentido existencial, de aceitação e resistência frente a opressão sofrida pela indústria musical como pela sociedade. A segunda, é abordada pela complexidade de uma relação amorosa, como na faixa Blade of Grass, em que, com um tom melancólico, o eu lírico apresenta ao ouvinte uma vivência verdadeira e complicado, além de revelar a profundidade e a poesia desse relacionamento, como pode ser observado logo nos primeiros dois versos: “Namorados se beijam em um jardim feito de espinhos / Vestígios de palavras solitárias, ilusões despedaçadas”, em que se aborda como experiências passadas de dor e ilusão são contrastantes com a atual.

Após versar suas tristezas e dores passadas, em Vanish into You, é mostrado um lado ainda mais vulnerável do amor: uma entrega total. Em que almeja-se a perda do ‘eu’, que constrói muros para a existência de um ‘nós’, tornando tudo uma coisa só. Mostra-se uma paixão que procura uma fusão quase espiritual, em contraste com o individualismo da fama que cerca e assombra Gaga.

O GÓTICO

Sobre a terceira intersecção do disco, o Gótico, é importante compreender que essa faceta se mostra, não somente nas temáticas das canções, mas também na estética do próprio MAYHEM, presente primeiramente em seu título, que poderia ser traduzido como ‘confusão’ ou ‘caos’ – elementos comumente encontrados em obras desse cunho, tanto na música quanto na literatura. Um exemplo notável é a obra Frankenstein: ou o Prometeu Moderno (1818), de Mary Shelley, importante contribuinte para o gótico. Assim como Gaga aborda sentimentos complexos em suas canções, a Criatura criada por Victor Frankenstein também é apresentada como uma personagem multifacetada, sobrecarregada não apenas pelo seu criador, entretanto, por toda a sociedade que a teme – do mesmo modo sentem medo da ‘verdadeira’ singularidade da artista em seu último álbum: ousada, amante, sombria e, principalmente, incrivelmente mutável.

Acerca da estética mostrada, em muitas imagens conceituais do projeto, assim como na capa, Gaga se mostra interseccionada entre três elementos: ela mesma, com uma expressão séria, mas ainda assim, suave; o vidro quebrado, que cobre metade de sua face; além de sua reflexão emitida no vidro de maneira turbulenta. Além disso, toda a idealização visual também explora o gótico, em que, com um primeiro contato com o material, o público logo percebe a coloração, que em sua maioria, é preta e branca, puxada para um tom acinzentado.

Porém, o gótico não é abordado somente com elementos como as cores, pois vai além disso, mostrando, logo na capa, o conceito do álbum, que é sombriamente conturbado, entretanto, ainda assim, amoroso. Ali, mostra-se no vidro, um reflexo de como a cantora se sente em meio ao caos que tenta organizar, tanto em sua vida profissional, como também na pessoal, e, além disso nos clipes de MAYHEM, apesar dos diferentes conceitos, a fuga de si e do sofrimento está sempre presente, assim como em obras sobrenaturais, primordialmente, naquelas do período romântico, onde o escapismo e o sentimento de não pertencimento tornam-se temas centrais.

Para além da visualidade gótica – com elementos além do preto e branco, como turbulência, comparação, medo, morte e fuga –, Gaga também aborda o sombrio desgaste que sente. Em sua volta, falando sobre um final de festa com a canção Zombieboy, aborda-se uma faceta diferente do cansaço: em como ele também pode trazer sensualidade. Em diversos trechos a cantora, além de, primeiro, animalizar a pessoa almejada, quando diz “Coloque suas patas em mim”, como também, fazer referência à sua relação com seus fãs e os paws up de Gaga, em um sinal de união em meio ao caos; e em contraste, aborda o desejo, primordialmente carnal, mas ainda sim, transgressor.

A recepção do disco reforça a ideia de versatilidade que caracteriza o projeto. MAYHEM se movimenta por diferentes registros, do vibrante dance às emocionais canções lentas, passando pela nostalgia dos anos 80 até o gótico performático. A produção equilibra teatralidade, humor e vulnerabilidade, traduzindo as contradições de Gaga em ARTPOP. Essa combinação gerou um certo ‘caos organizado’ na estrutura do projeto, com momentos de grande potência, especialmente nas faixas de abertura, e pequenas irregularidades nas partes mais introspectivas.

Os fãs receberam o lançamento de forma calorosa, celebrando tanto a inovação sonora quanto a ousadia estética. Comparado aos projetos anteriores, MAYHEM mostra uma expansão da paleta musical da artista e reafirma seu papel de provocadora no cenário pop, mantendo o equilíbrio entre entretenimento e expressão artística intensa.

A Balada revela a vulnerabilidade e a delicadeza em momentos de introspecção, reforçada pela versatilidade musical que permite às suas canções ocupar diferentes espaços. O Amor surge como uma busca constante, ora marcada pela entrega espiritual às relações, ora atravessada pela dor e pela perda. Já o Gótico se manifesta tanto na estética sombria quanto na crítica à indústria e às pressões da fama. É no encontro desses três eixos que Gaga constrói a identidade de MAYHEM, reafirmando-se como criadora capaz de transitar entre extremos sem perder a coerência de sua trajetória.

O post Entre a balada, o amor e o gótico: a versatilidade como caos organizado em Mayhem de Lady Gaga apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Jho Brunhara

Over The Rainbow, I Will Survive, I’m Coming Out, True Colors, Express Yourself, Beautiful, Firework. Ao longo da história, a comunidade LGBTQIA+ encontrou nas músicas de grandes cantoras o conforto proporcionado por letras sobre esperança, libertação e expressão. Algumas dessas, com uma mensagem quase explícita sobre aceitação direcionada ao público queer, confirmada pelos clipes, onde tinham maior liberdade do que nas letras (que poderiam ser boicotadas pelas rádios). Quando Lady Gaga lançou a faixa Born This Way e colocou a canção para tocar no mundo todo, ela também estava transmitindo o trecho “Não importa se você é gay, hétero ou bi/Lésbica ou transgênero/Eu estou no caminho certo, baby/Eu nasci para sobreviver”.

Dez anos atrás, o mundo já estava avançando em algumas pautas relacionadas à comunidade LGBTQIA+, mas 2011 ainda era 2011. Para uma artista do calibre de Gaga, que estava no auge da carreira como fenômeno pop instantâneo, divertir o mundo com suas investidas bizarras do The Fame Monster era completamente diferente de fazer uma afirmação política tão direta. Mas a intenção deu certo, e, apesar da rejeição por parte de seu público herdado do sucesso de Just Dance, Poker Face e Bad Romance, a artista conseguiu respaldo para seguir com seu projeto mais ambicioso até então.

O disco Born This Way, diferentemente da faixa homônima, abandona o electropop convencional que a cantora ajudou a popularizar nos anos anteriores e cria diversas camadas que difundem a mensagem do LP: encontrar força nas singularidades e estranhezas. Seja através da estética noturna metálica, punk e rebelde; da sonoridade electropop com influências diretas do rock, metal, synthpop, techno e, até mesmo, ópera; da mitologia alienígena análoga ao dualismo cristão; ou das letras sobre identidade, sexualidade, religião e liberdade. Ao longo das faixas, Gaga funde elementos de sua própria história com a narrativa que apresenta ao ouvinte, e, desde Marry The Night, com seus sinos de igreja, convida todos aqueles que precisarem para uma oração.

Naquele momento, suas palavras eram direcionadas aos seus fãs. Para aqueles jovens LGBTQIA+ que não sentiam apoio em casa e buscavam a aceitação, Gaga ergueu uma igreja e abriu as portas para os que procuravam refúgio. Se ofereceu como a figura materna que não encontravam em suas famílias de verdade, e tentou escrever, com base em suas próprias vivências, o que acreditava que aquelas pessoas precisavam ouvir, para se sentirem amadas e livres, para se expressarem do jeito que quisessem. A mesma megalomania que transformou Stefani Germanotta em Lady Gaga fez nascer o Born This Way, enterrando qualquer iconoclastia, consolidando a artista como Mother Monster, e oferecendo um lugar seguro para seus seguidores.

POR DEUS E PELOS GAYS

Muito antes de Born This Way, Gaga (que é bissexual) já declarava seu apoio à comunidade LGBTQIA+, e participou de diversas ações contra a homofobia nos EUA. Sempre trabalhando ao lado de pessoas queer, a cantora usava de sua Haus para dar vida às criações desses artistas. Até mesmo em premiações, foram muitos os discursos em que Gaga agradeceu a “Deus e aos gays”. Foi, inclusive, ao aceitar o prêmio de Vídeo do Ano por Bad Romance, no VMA de 2010, que ela anunciou o álbum Born This Way. 

Utilizando o polêmico e controverso vestido de carne, Gaga usou do figurino para protestar contra o lema “Don’t ask, don’t tell”, revogado apenas em 2011. A política instaurada por Bill Clinton na década de 90 proibia que pessoas abertamente homossexuais ou bissexuais fizessem parte do exército estadunidense, e declarava um movimento de silenciamento com os que já eram militares, impedindo que os indivíduos “saíssem do armário”. Para a artista, que passou pelo tapete vermelho com dispensados do exército americano por sua sexualidade, a roupa feita de carne era um alerta para que as pessoas lutassem antes que tivessem “tantos direitos quanto carne em nossos ossos”.

O primeiro single da era, a faixa-título, saiu em meados de fevereiro de 2011. Com um clipe de mais de sete minutos, dava-se início a narrativa que acompanharia Born This Way até o fim dolorido e antecipado da turnê mundial. Dirigido pelo lendário Nick Knight, o vídeo introduziu a mitologia do álbum a partir do “Manifesto of Mother Monster”, um discurso sobre o nascimento de duas novas raças, uma representando o bem, sem qualquer preconceito, e uma representando o mal. Nesse novo mundo, chamado de G.O.A.T. (Government Owned Alien Territory, em tradução livre, Território Alienígena Comandado pelo Governo), Gaga imprimiu sua teatralidade genial de contar histórias.

A dicotomia do bem e do mal, por mais simples que seja, tinha exatamente a simplicidade como propósito de resgatar a dualidade cristã do céu e do inferno, dos puritanos e dos pecadores. Born This Way se apresenta como um distante apócrifo da Bíblia, com a figura da Mother Monster como uma líder religiosa futurista, e seus ensinamentos como uma tentativa de guiar uma geração que já enxergava em Lady Gaga a figura de um Messias (ou Anticristo) da revolução cultural. 

Não à toa a nova-iorquina se estabeleceu como um camaleão na cultura pop e viciou o mundo em sua identidade visual bizarra. Aqui, seu comprometimento com sua estética atingiu o ápice: Gaga queria se portar como uma alienígena social, desde as jaquetas punk, até a maquiagem pesada preta, roupas de látex e as próteses faciais imitando chifres. Tudo dentro da proposta do Born This Way, encorajar e celebrar o esquisito e o único, através da expressão rebelde contra a norma convencional.

Um ano mais tarde, em 2012, Gaga abriu ainda mais as suas asas, disposta a estabelecer uma conexão direta com os seus fãs. Numa época em que as redes sociais ainda não eram centralizadas nas mãos de Mark Zuckerberg, o site Little Monsters funcionava como um Facebook para os little monsters, seguidores da cantora. Com um milhão de usuários registrados em 2013, a Mother Monster usava o canal para falar diretamente com seus monstrinhos, que utilizavam do espaço para compartilhar memes, artes e desabafar, muitas vezes, sobre homofobia, depressão, ansiedade e, até mesmo, publicar cartas de suicídio. Ativa na plataforma, a artista interagia com os posts e escrevia mensagens para os autores, na tentativa de ajudá-los com os problemas internos e externos, e promover um espaço de apoio, assim como o propósito da Born This Way Foundation, criada por Gaga e sua mãe.

ME ENCONTRE NA CAPELA ELÉTRICA

Com o lançamento do disco, em maio de 2011, não restaram dúvidas do que aquele universo queria ser: uma homenagem à noite e tudo que ela representa para as pessoas LGBTQIA+, que, historicamente, encontraram refúgio sob a luz da lua e na liberdade das boates. Combinar letras sobre sexualidade, identidade, feminismo, pecado, moda, esperança, medo e glória parece uma colcha de retalhos, mas Gaga costura com uma linha metálica e estampa sua jaqueta de couro personalizada com strass e spikes.

Assim como o caos da juventude, Born This Way é um caldeirão de sentimentos sobre quem ser e como se expressar. Como na faixa Hair, em que a artista conversa diretamente com sua adolescência e discursa a favor da singularidade de cada um, que, muitas vezes, encontra o escape através das roupas e do cabelo. “Eu só quero ser eu mesma e quero que vocês me amem por quem eu sou”, canta para seus pais.

A sonoridade dançante do álbum, já utilizada desde antes pela nova-iorquina, é alinhada com o que o gênero pop sempre representou para a comunidade queer, que utilizavam das boates como um espaço de expressão e libertação. “Reze por seus pecados embaixo do globo espelhado da discoteca”. Gaga canta em Electric Chapel, afirmando que o espaço seguro para a purificação dos medos e inseguranças é na pista de dança da Capela Elétrica, onde cada um pode ser quem quiser.

O profano, associado com a liberdade sexual, de gênero e da forma de se expressar, aqui, é subvertido como um ato glorioso, seja com Bloody Mary (uma de suas melhores letras), Heavy Metal Lover (talvez a melhor música da carreira), ou Scheiße (o hino feminista de Gaga que, infelizmente, não foi single). Embalado em um techno gótico, a artista coproduz o disco ao lado de Fernando Garibay, DJ White Shadow e RedOne, e consegue transparecer as intenções do LP através da diversidade de sons, modulações vocais e temas, e, ainda assim, encontrar uma linha para fazer com que aquelas canções pareçam pertencer ao Born This Way e nenhum outro álbum.

Os clipes também ajudam a construir o universo criado pela Mãe Monstro, como a já citada incubadora da raça alienígena sem preconceitos da faixa-título. Judas coloca Gaga como Maria Madalena e reconta o apócrifo bíblico de sua relação com Jesus, em uma analogia ao amor proibido, dualismo entre o bem e o mal, e a má interpretação da figura feminina, subvertendo as ferramentas opressoras da religião. The Edge of Glory evoca a energia de I Will Survive e coloca a cantora para dançar vestida com strass e spikes por uma Nova York iluminada por luzes rosas e roxas (quer algo mais gay que isso?). Em Yoü and I, Gaga apresentou ao mundo seu alter ego drag king, Jo Calderone, que chegou até mesmo a performar no VMA de 2011.

Marry the Night, último single da era, é uma síntese do Born This Way. O curta-metragem, dirigido pela própria artista, reconta sua trajetória antes do início da carreira e cola todas as peças que constituem o álbum. Em entrevista, a nova-iorquina compartilhou relatos sobre abusos sexuais que sofreu quando tinha 19 anos, e, aparentemente, Gaga usou de sua arte para reinterpretar esses eventos no clipe. Esse, que é um dos trabalhos mais pessoais da carreira, e se mostra ainda mais significativo agora, por dividir seus traumas com o mundo para se curar, sonhar com um futuro melhor, e inspirar vítimas de violência a buscar forças e não desistir de viver.

BORN THIS WAY BALL TOUR

Debaixo de holofotes pesados e enfrentando um frio de quase 10 graus negativos, Gaga fez um dos shows mais importantes de sua carreira na noite de 12 de dezembro de 2012, em Moscou, na Rússia. Sob ameaças de ser processada e presa por propaganda gay, a artista, mesmo assim, levou a Born This Way Ball Tour para o gélido país do leste europeu, onde é crime desde o início dos anos 2010 fazer qualquer menção pública pró-pessoas LGBTQIA+. Isso não impediu ela de transmitir a mensagem principal de seu trabalho. Do fundo dos pulmões, a artista e ativista gritou noite adentro, para um estádio lotado, palavras de ordem contra o governo russo: “Eu acredito que tanto homens quanto mulheres merecem amar uns aos outros igualmente. Me prendam, Rússia!”. 

Para promover o disco e levar sua mensagem de aceitação e luta, Gaga saiu em turnê mundial e passou por seis continentes. Expandindo a história contada no clipe de Born This Way, o show deu vida ao universo de G.O.A.T., por meio de um palco em formato de castelo medieval e uma narrativa regada de teatralidade. Foi criada uma área especial na frente da pista premium reservada aos fãs que chegassem mais cedo (chamada de The Monster Pit), que também possibilitava a chance de alguns serem selecionados para conhecer a cantora nos bastidores, de graça.

Todos os elementos da tour foram pensados como uma experiência completa para os espectadores se sentirem integrados na mitologia do Born This Way, materializando o culto que Gaga construiu a cada noite de apresentação. O espetáculo teatral mostrou que a grandiloquência da artista não conhece limites, e, além do gigantesco castelo interativo colorido por diferentes jogos de luz, a mente da Haus colocou no palco seu melhor. Um cavalo mecânico, uma vagina gigante, manequins sobre rodinhas controlados a distância, uma moto em que Gaga deitava em cima e se transformava no híbrido da capa do disco para passear pelo palco, um sofá de carne (de mentira, dessa vez), um rosto suspenso em uma caixa de vidro que conversava com o público, e a lista vai longe.

A Born This Way Ball Tour marca, também, a última vez, até agora, que Gaga performou no Brasil. Passando por três cidades brasileiras em novembro de 2012 (Rio de Janeiro, São Paulo e Porto Alegre), a artista encontrou o maior público na capital paulista, se apresentando para mais de 52 mil pessoas, no Morumbi. Assim como nos outros shows da turnê, alguns fãs brasileiros foram convidados para sentar com Gaga no seu piano-motocicleta, e, no Rio, a artista chegou até mesmo a chorar enquanto conversava com o público. O Rock in Rio pode ter traumatizado os monstrinhos do Brasil, mas a Mãe Monstro, com certeza, leva lembranças inesquecíveis de quando esteve no país, tão eternizadas quanto a tatuagem em sua nuca.

A dedicação sem descanso da performer para com a turnê encerrou a BTWBT com um fim trágico: depois da apresentação em Montreal no dia 11 de fevereiro de 2013, Gaga revelou que estava com uma fratura no quadril desde dezembro, se agravando ao ponto que ela não conseguia mais andar. Todas as datas seguintes foram canceladas para que a artista pudesse passar por cirurgia e iniciar o tratamento.

THIS ALBUM IS FOR Ü

Esse álbum é para vocês. Quando se abre o encarte da versão física do Born This Way, essa é a primeira mensagem que se lê. Declarando um disco inteiro para os fãs, Gaga colheu os frutos de criar uma rede de apoio para seus seguidores, e consolidou o suporte incondicional de seus monstrinhos. Ela sempre soube que, para enfrentar o mundo real, é necessário uma jaqueta de couro simbólica para se proteger da rejeição quando se é diferente.

Em uma nota pessoal, o Born This Way é, provavelmente, o álbum mais importante da minha vida. Aos 11 anos, ouvir de alguém que eu admirava que estava tudo bem ser eu mesmo e que havia beleza no que me fazia diferente dos outros, me deu força para não ceder à autodestruição causada pela homofobia e a pressão de não se encaixar na heteronormatividade. Me fez conhecer outras pessoas que estavam passando pelas mesmas coisas que eu e também encontraram conforto na mensagem do disco, como um dos meus melhores amigos até hoje. Me fez viver um dos dias mais felizes da minha vida no show da turnê em São Paulo. Me fez perceber que eu não estava sozinho, e que poderíamos ajudar uns aos outros.

Born This Way é sim um projeto pensado para os little monsters, mas, antes disso, é um excelente disco pop, impecável em sua construção sonora e estética, e que vai envelhecer como um dos melhores trabalhos de Gaga, se não o melhor. Divisor de águas na carreira, polêmico e arriscado, mas gigantesco em sua ambição e proposta. A igreja de Lady Gaga agora se coordena sozinha, e aqueles jovens de 2011, que ainda carregam o suporte que o álbum possibilitou a eles, encontraram um mundo um pouco mais fácil de sobreviver. É como fechar os olhos e sentir a jaqueta de couro invisível sobre meus ombros.

O post 10 anos de Born This Way: a igreja de Lady Gaga apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Juliana Silveira Pollato 

Uma década desde que um dos maiores álbuns pop do milênio foi lançado, Born This Way se tornou um sucesso de vendas e um grito de liberdade. Como comemoração, Lady Gaga lançou uma edição especial intitulada Born This Way The Tenth Anniversary, dividida em um disco com as canções originais e outro com seis novas versões do CD, interpretadas por artistas que representam e defendem a comunidade LGBTQIA+.

Desde seu nascimento, Born This Way é um marco memorável. O álbum foi anunciado por Gaga no VMA 2010, sim, naquele mesmo evento em que a Mother Monster teve como um de seus looks da noite o inesquecível vestido de carne e saiu com 8 prêmios das 13 indicações que recebeu. Não havia melhor momento para o anúncio de um novo ciclo em sua carreira, a lenda sempre foi um luxo extravagante! 

Se há uma palavra que expressa bem todo o poder da nossa lady é ícone e, além de servir muito conceito e ousadia, Gaga é fortemente engajada em movimentos sociais, neste caso em específico, o movimento LGBTQ+. Nesse segundo disco de versões especiais, o Born This Way Reimagined conta a presença de artistas que pertencem ou são aliados da causa , assim sendo: Kylie Minogue, Big Freedia, The Highwomen, Brittney Spencer, Madeline Edwards, Ben Platt, Years & Years e Orville Peck. 

A elétrica Marry The Night foi contemplada pela voz de Kylie Minogue, e The Edge of Glory por Years & Years, que apresentaram sonoridades bem próximas e fiéis às originais. A versão de Kylie ainda trouxe um videoclipe incrível em que todo o brilho dos teletransportou para a estética disco dos anos 70. Já Years & Years, além de não ter lançado um videoclipe para a sua versão, retirou a linha icônica do saxofone feita pelo mestre Clarence Clemons na faixa original. 

Ben Platt, que deu vida ao Benji em A Escolha Perfeita, escolheu dar maior sensibilidade, delicadeza, intimidade e drama na versão de Yoü And I, nos entregando uma súplica de amor tão próxima que dá a sensação de que ele está cantando diretamente para a gente. A presença do violino e piano na versão faz um contraste com as batidas e guitarras presentes na original. Duas versões belíssimas, cada qual com sua intenção e seu próprio sabor do amor, assim nos provocam sentimentos diferentes.

A versão de Highway Unicorn (Road To Love), por The Highwomen, Brittney Spencer e Madeline Edwards fica entorno da sonoridade folk-rock que passa a sensação de que a estrada para o amor é de terra, nivelada, com diversas árvores e cabelos ao vento, enquanto cavalga-se um pônei. Em contraponto à versão original que tem uma pegada mais urbana, uma jornada de amor próprio mais frenética e luxuosa durante uma noite de balada, sensação causada por suas batidas, sintetizadores e efeitos na voz.

E Big Freedia, que trabalhou com Beyoncé em Formation, transforma Judas em um fascinante New Orleans Bounce – um gênero do hip hop, com a participação de um coro gospel espetacular, presença de um sax estridente e armadilhas de bateria. Uma roupagem totalmente diferente da original, mas ainda sim super comunicativa, forte e impactante.

Para encerrar o disco de versões especiais, não poderia faltar a releitura da música que carrega o nome do álbum. Orville Peck ficou com a missão de fazer a versão country de Born This Way e entregou serenidade e força com a imposição de distorções vocais em momentos pontuais da música, como por exemplo, quando ele canta que “nascemos para sobreviver”. Simplesmente impecável!

View this post on Instagram

A post shared by Lady Gaga (@ladygaga)

Born This Way Reimagined veio para consolidar a partilha de uma visão desconstruída de preconceitos e preocupada em criar elos de amor, respeito, e resistência, luta que teve seu início há 10 anos com o lançamento de Born This Way por Gaga. Todo esse conjunto do trabalho vem para enfatizar que é fundamental a construção do amor próprio sem nos esquecermos do amor ao próximo. Somos todos seres humanos singulares e especiais por cada característica que nos torna diferentes dos demais. A inserção de versões das músicas originais veio para ressaltar a beleza da diversidade. Viva a diferença. Viva o amor. Viva a resistência. 

O post Born This Way Reimagined: a consolidação da diversidade apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.