Sabrina G. Ferreira

No mundo globalizado em que vivemos, cercados por diversas possibilidades de comunicação com os demais, fica difícil entender que existem outras realidades bem diversas às nossas. Essa disparidade é mostrada brilhantemente em A Felicidade das Pequenas Coisas (no inglês, Lunana: A Yak in the Classroom). Com direção e roteiro de Pawo Choyning Dorji (Hema Hema: Sing Me a Song While I Wait), o filme conta a história de Ugyen (Sherab Dorji), um jovem professor que sonha em se tornar cantor na Austrália. Todavia, Ugyen trabalha para o governo, que lhe atribui a missão de lecionar por alguns meses em Lunana, uma aldeia no Butão, país da Ásia Meridional, conhecido como um dos locais mais remotos do mundo. 

Após uma longa caminhada de oito dias para chegar ao destino, ele se surpreende ao finalmente se deparar com uma escola sem os mínimos recursos necessários para conseguir ensinar: não existe quadro negro, o material didático é escasso e a estrutura do local é precária. Neste momento Ugyen pensa em desistir. A única coisa capaz de promover uma mudança de rumo no desmotivado protagonista é a comovente motivação das crianças, especialmente da líder da turma, Pem Zam, que com seu olhar vivaz, consegue transmitir o desejo sincero em aprender. Aliás, é visível a evolução de valores do personagem quando ele doa o papel que reveste suas janelas para protegê-lo do frio, para que seus alunos tenham onde estudar.

“A subida vai ser difícil?” – Ugyen

“Vai ser fácil. É um passeio ao lado do rio por seis dias. Depois tem uma subidinha. Quando chegarmos lá em cima, a caminhada é ótima. Você vai querer que nunca acabe.” – Aldeão

A Felicidade das Pequenas Coisas estreou em outubro de 2019 no BFI Festival de Cinema de Londres, e até o momento, ganhou 18 prêmios, incluindo o de Melhor Filme pela audiência do Festival de Cinema CinemAsia, e de Melhor Ator para Sherab Dorji no Festival Internacional de Cinema Saint-Jean-de-Luz. Neste ano, é indicado ao Oscar 2022 na categoria Melhor Filme Internacional, junto com outros longas asiáticos, como o japonês Drive My Car, que também concorre em Melhor Filme, Direção e Roteiro Adaptado. Além disso, o indiano Writing With Fire está indicado ao prêmio de Documentário. A Felicidade das Pequenas Coisas é o segundo filme que o Butão submeteu ao Oscar, mais de 20 depois de The Cup (Phörpa), que acabou não nomeado.

É importante destacar que, apesar da temática frequentemente utilizada no Cinema – ao retratar a história de algum professor ou educador especial – A Felicidade das Pequenas Coisas é cativante, e construído com tamanha sensibilidade que realmente proporciona momentos de inspiração, para o deleite dos amantes da Sétima Arte, ao evitar cair no melodrama barato e é extremamente bem trabalhado no quesito construção sentimental, respeitando o contexto cultural em que a história se insere.

Outro quesito importante é o desinteresse de Ugyen nos valores da sua cultura de origem, se alinhando ao ponto de vista do espectador estrangeiro: tanto aqueles  que possuem opiniões ignorantes acerca de culturas similares a apresentada na obra, quanto aqueles vindos de locais pouco desenvolvidos (como Ugyen) e se sentem presos ali. Esse sentimento de aprisionamento do protagonista é evidenciado na cena em que ele é questionado por um aldeão sobre o motivo de querer buscar a felicidade longe do Butão, conhecido como o país mais feliz do mundo; esse debate serve como um contribuinte para refletirmos sobre os motivos do personagem querer fugir do país com urgência e viver a globalização desejada.

A figura do professor é extremamente valorizada em A Felicidade das Pequenas Coisas. Ugyen é alvo de reverência pelos moradores da aldeia, pois como um aluno repete as palavras dos camponeses, o professor é capaz de tocar o nosso futuro. Há o reconhecimento de que o conhecimento vem de fora, ligando esse conceito à imagem dos professores. E eis uma das profissões mais importantes e honradas que existem, afinal o professor pode ser decisivo na evolução de pessoas que já nascem destinadas a serem pastores de iaques ou coletores de fungos, alcancem o sonho de serem educadas para que construam um futuro melhor naquela realidade. E isso fica ainda mais evidente em um lugar como Lunana. 

Nesse contexto, a música cantada por Saldon, personagem de Kelden Lhamo Gurungm, também se encaixa perfeitamente, já que cria uma dualidade conflituosa nas decisões que serão tomadas por Ugyen, reforçando a necessidade de fuga do protagonista como certa, e ao mesmo tempo, serve como reconexão a espiritual da qual ele tanto necessita. Para nós, fica a dúvida deixada pelo filme, se é mais gratificante ir em busca de um sonho vago e incerto, ou talvez, vivenciar algo concreto, arquitetado com pequenas ambições, mas que resultam em grandes ganhos culturais para a própria identidade.

O filme A Felicidade das Pequenas Coisas é sobre a necessidade de encontrar um momento de paz na vida para reavaliar as prioridades e refletir sobre o real significado da consciência plena de satisfação e sua importância para nós. Trata-se de uma mensagem sobre felicidade, vinda de um lugar remoto, onde esse sentimento é aclamado e intenta divulgar sua cultura e modo de vida para o homem moderno dos quatro cantos do mundo.

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Frederico Tapia

Nascida em 1985 na cidade de Riyadh, na Arábia Saudita, mas criada em Lahore, no atual Paquistão, e atualmente radicada em Nova York, nos Estados Unidos, Arooj Aftab começou a ser conhecida durante os anos 2000 com rendições de músicas de outros artistas, como por exemplo Hallelujah, de Leonard Cohen. Ela se formou no Berklee College of Music em Produção Musical, Engenharia de Som e Composição de Jazz após se mudar para os EUA em 2005. Em 2021, ela lançou seu terceiro álbum de estúdio, Vulture Prince, e conquistou duas indicações ao Grammy 2022, tornando-se a primeira mulher paquistanesa a ser indicada à premiação estadunidense. Uma das indicações é como Artista Revelação, uma das principais categorias do prêmio, e a outra como Melhor Performance de Música Global por Mohabbat.

Aftab dedicou o álbum a Maher, seu irmão mais novo que faleceu durante o processo criativo do disco. Inicialmente, ela estava buscando trabalhar com uma sonoridade mais ousada e alegre antes desta tragédia pessoal. Mas no processo de produção do novo álbum, ela agora estava lidando com a morte de seu irmão, e por isso, ela retornou à sonoridade de seu primeiro disco, Bird Under Water (2015). Ela foi em busca dos Ghazals (poemas islâmicos, muito comuns no subcontinente indiano) em Urdu e da Poesia Sufi para criar uma declaração sobre a sua jornada, da dor e do luto até a aceitação. Ela disse que o álbum é sobre revisitar lugares que um dia ela chamou de seus, “lugares que não necessariamente ainda existem”. É sobre pessoas, amizades, e alguns relacionamentos que acabaram de forma abrupta, e como lidar com eles.

Como dito na página do disco no bandcamp, os dois álbuns se comunicam como se fossem dois capítulos. Além dos dois nomes serem ligados a aves, também há o ritual Parse, chamado de Dakhma ou Torre do Silêncio, que acontece quando deixavam os entes queridos após morrer para serem consumidos por abutres, como gesto para retomar o ciclo da vida. Aftab disse que ficou pensando neste ritual, o quão belo e ao mesmo tempo sombrio é, além do papel que os abutres têm no ciclo da vida.

Em Vulture Prince, ela infunde os Ghazals, o Thumri (estilo de canto usual no norte da India) e o Qawwali (uma forma de canto devocional islâmico, mais comum no subcontinente indiano) com o minimalismo de Terry Riley (um dos pioneiros na escola do minimalismo musical). Ela abre mão de alguns instrumentos tradicionais, como o Sitar e o Bansuri. Além disso, das sete músicas do álbum, cinco não contam com qualquer tipo de percussão, com as exceções sendo Last Night e Mohabbat. Por isso, Aftab usa sua voz como um instrumento, sendo este provavelmente o mais proeminente ao longo dos 46 minutos que o disco percorre. 

A maior parte das canções são releituras. Por exemplo, Suroor, que ficou conhecida na voz do grande Nusrat Fateh Ali Khan, um dos maiores cantores de Qawwali e considerado por alguns como o maior cantor Sufi nas línguas Punjabi e Urdu, chamado muitas vezes como “Shahenshah-e-Qawwali” (“O rei dos reis do Qawwali”). Outro exemplo é Last Night, a única música cantada em inglês do disco. A canção se trata de um poema de Rumi, poeta persa do século XIII que, apesar de ser um dos mais vendidos no Ocidente, tem seu contexto religioso retirado de seu trabalho na maior parte das traduções.

O disco é iniciado com Baghon Main, uma regravação de um Ghazal que Arooj já havia interpretado em seu primeiro álbum, mas que aqui assume uma influência sonicamente minimalista. O álbum segue com Diya Hai, que foi a última música que ela cantou para seu irmão em vida, e que conta com a participação da brasileira Badi Assad. A canção é uma interpretação de um poema de Mirza Ghalib, no qual Aftab demonstra sua voz etérea junto ao virtuosismo de Assad no violão. Nos versos finais, ela canta sua sensação de estar sem palavras e isso diz muito sobre o próprio disco. Afinal, o álbum, de forma até proposital, talvez não diga tanto de forma sônica, e também talvez, nem precise dizer mais do que isso.

Seguindo, a próxima canção é Inayaat, um Ghazal de Sudarshan Fakir que pode ser traduzido como “Gentileza”, e a própria cantora traduziu a letra na página da música no site Genius. O único momento em que ela não canta em sua língua nativa é em Last Night, canção que evoca repetidamente a imagem da Lua, que na poesia Sufi, tende a vir de um lugar tanto de esclarecimento quanto de transcendência. Ao citar que seu amado é como a Lua, Aftab encontra uma forma para os seus sentimentos nesta situação específica. Aqui, assim como em outros momentos do disco, ela repete suas palavras várias vezes, e a cada vez que isso acontece, a artista encontra uma forma de fazer os versos chegarem até nós de uma forma diferente.

Mohabbat, um dos singles e que gerou uma de suas indicações ao Grammy, é um poema de Hafeez Hoshiarpuri escrito na década de 1920. Existem outras versões feitas por cantores paquistaneses, como Mehdi Hassan, mas Aftab toma outra direção em sua interpretação. Sem o uso do harmônio ou da tabla, ela alonga as palavras, evocando o sentimento de tristeza da separação. 

“A tristeza disso é igual a tristeza de todo o mundo”, ela canta, evocando algo que poderia ter vindo de Abida Parveen. Apesar de nunca chegar em um clímax propriamente dito, a canção cria camadas e camadas de sentimentos como algo que queima lentamente, e segundo as palavras da própria artista, ela quer que sua música traga sentimentos da poesia Sufi, como calma, paz, paciência, simplicidade, e depois anseio, tristeza, procura, unidade, e compreensão.

A penúltima canção, Saans Lo, é um poema composto por Annie Ali Khan, amiga da cantora que faleceu em 2018, no mesmo ano que o irmão de Aftab. Aqui, a canção nos aconselha a respirar e olhar pra frente antes de chegar ao encerramento do disco, que acontece com Suroor. A música nasce de outro clássico Qawwali, mas dessa vez, ela o leva para a direção do jazz e sintetiza a ideia de Vulture Prince:  mesmo retornando às suas origens, Arooj Aftab demonstra toda sua personalidade e sua identidade criativa, no fim das contas trazendo algo único.

Aftab disse que esse é um álbum sobre revisitar, reviver lugares e relacionamentos que não necessariamente existem. Indubitavelmente, é um álbum extremamente pessoal, mas ao mesmo tempo, ele ultrapassa barreiras, sendo elas tanto linguísticas quanto musicais, e consegue passar sua mensagem de forma brilhante. Desta forma, Vulture Prince traz um pouco de ar fresco ao Grammy, extremamente dominados pelos mesmos gêneros e sempre cantados em inglês.

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Raquel Dutra

O nome do novo filme de Kamila Andini é exclamado em muitos momentos dentro dos 90 minutos que o abrigam. Não é para menos, afinal, as reações à figura que o batiza: uma adolescente cheia de sonhos, perspicácia e incertezas que vive no interior conservador e religioso da Indonésia. Antes de chegar na 45ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo, Yuni gerou o mesmo sentimento no Festival de Toronto 2021, de onde saiu com uma recepção muito positiva e agraciada com Platform Prize, que reconhece filmes com “alto mérito artístico” e que também apresentam “uma forte visão de direção”.

Os aplausos para o trabalho da diretora indonésia são mais do que dignos. Yuni é um daqueles raros dramas adolescentes que sabe encontrar o lugar perfeito entre a irreverência e a seriedade, que aqui, cria uma ilustração da forma como as normas sociais do patriarcado interferem na vida de meninas que são empurradas em direção ao amadurecimento precoce. Impulsionado pela ousadia e sensibilidade de sua protagonista, o filme de Kamila Andini usa como cenário um dos lugares mais religiosos do país que possui a maior população islâmica do mundo, para assim tocar em questões de gênero, sexualidade e amadurecimento numa obra que vai além das narrativas coming-of-age hegemônicas do eixo Estados Unidos-Europa.

Ao lado de Andini, quem também assina o sucesso do filme é Arawinda Kirana com a genialidade que dá vida à Yuni. A personagem está no último ano da escola (que tenta implementar testes de virgindade obrigatórios e proibir expressões musicais por ser algo fora da conformidade dos ensinamentos islâmicos), e sob a tutela da avó (ou do abraço aconchegante porém conservador de Nazla Thoyib) enquanto os pais trabalham na distante capital Jakarta. Ela é considerada uma das melhores alunas da turma e também vista como uma das melhores pretendentes da cidade, vivendo o auge de sua adolescência em meio a profundos dilemas que surgem dessa interseção de costumes tradicionais e aspirações modernas.

O roteiro de Kamila Andini e Prima Rusdi não foge de nada, e a vibrância de Kirana se choca com incertezas que Yuni encontra em todos os cantos. Primeiro, o pressuposto da universidade existe desde que suas notas e seu estado civil permaneçam como estão, pois só assim ela terá a chance de conquistar uma bolsa universitária e viver sua liberdade e autonomia. No entanto, ela tem um pé atrás com a questão do casamento, já que os mitos locais dizem que se uma jovem rejeitar dois pedidos, será praticamente impossível ela encontrar um marido depois.

A saída da personagem é manter todas as opções em aberto, e o filme concentra seu desenrolar na corrida de Yuni em direção ao seu sonho universitário antes que a terceira proposta de casamento destrua os rumos de sua vida. Na escola, a única dificuldade dela é encaixar sua mente lógica nos sentimentos aflorados pela Literatura, disciplina ministrada por Sr. Damar (Dimas Aditya), o professor que é sua paixão secreta. Então, ela conta com a ajuda do tímido Yoga (Kevin Ardilova), que direciona o encanto que tem por Yuni na poesia. A narrativa cheia de personalidade de Andini sabe usar clichês, e a paixão inicialmente unilateral floresce em algo muito mais significativo.

Como o prêmio de Toronto bem notou, Yuni é um trabalho de arte. Parcialmente inspirado em Hujan Bulan Juni (conhecido como A June Rain, “chuva de junho”, numa tradução literal), o precioso poema de amor do reverenciado indonésio Sapardi Djoko Damono, Kamila Andini cria reviravoltas trazendo a poesia para o filme, tanto na forma quanto no conteúdo, tanto objetiva quanto subjetivamente. O movimento só funciona graças à vastidão emocional, verossimilhança e simpatia que Arawinda Kirana cria para a protagonista, mesmo nos momentos em que Yuni mergulha nos momentos contraditórios orientados pela confusão sentimental da juventude.

O próprio roteiro brinca com noções estéticas, significados culturais e hábitos da adolescência com sua protagonista obcecada por roxo (“todo mundo sabe que quando uma coisa roxa some, você deve ter roubado“, implora a diretora da escola para que Yuni deixe seus “maus” comportamentos influenciados pelas suas manias “bobas”). A cor costumeiramente associada ao poder, sabedoria e espiritualidade é amplamente conhecida na Indonésia como o tom que representa e consola as viúvas enlutadas, o que satiricamente muda os olhares direcionados à Yuni quando ela é vista dirigindo sua moto púrpura ou ostentando mechas lilases no cabelo.

A câmera de Teoh Gay Hian, por sua vez, é muito bem orientada para reparar nos detalhes, e a composição de Budi Riyanto Karung sabe exatamente o que precisa expressar. Seja quando o grupo de amigas de Yuni chora pela pressão do casamento compulsório no cenário do quarto adolescente, ou quando a protagonista explode um momento de caos emocional jogando todas as quinquilharias roxas potencialmente furtadas para fora do seu armário, ou quando todas as garotas estão apenas conversando sem rodeios sobre o que envolve o mundo delas naquele momento, tudo de Yuni existe para construir uma única mensagem que sua criadora identificou lá no início.

O tema recorrente do Cinema feito por mulheres nos últimos anos, que reflete sobre a nossa realidade e os nossos caminhos em contextos de persistência do patriarcalismo,  encontra aqui um naturalismo gracioso, despreocupado, convincente e sem julgamentos. Podemos não saber exatamente o que queremos, mas sabemos exatamente o que não queremos. E quando o filme de Kamila Andini desenha isso diante dos nossos olhos através da jornada de sua protagonista, é a hora da maior exclamação de todas. Yuni! Apenas Yuni!

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