Ana Beatriz Zamai

O que você estava fazendo aos 18 anos? Independente da resposta, nada será tão interessante quanto o que Mac Miller fez. Quinze anos atrás, o rapper estava em Point Breeze, Pittsburgh, iniciando a vida adulta, quando lançou K.I.D.S., sua quarta mixtape. Foi o primeiro trabalho de Mac após assinar contrato com a Rostrum Records, gravadora americana com quem trabalhou até 2014, quando firmou parceria com a Warner Records. 

Miller se inspira com muita sensibilidade no polêmico filme Kids, de 1995, drama que mostra o conturbado mundo dos adolescentes e o perigo de ser um jovem sem orientação. Na primeira música, Kickin Incredibly Dope Shit [intro], Mac usa um monólogo de Telly, um dos personagens principais da obra, para introduzir o ouvinte ao álbum, trazendo uma sensação de nostalgia mesmo para quem ainda não assistiu. O cantor faz o ouvinte se sentir acolhido, abraçado, pois diz o que pensamos sobre algo que amamos – no caso dele, a música – mas que não conseguimos por em palavras. 

“Quando somos jovens, muita coisa não importa / Quando você acha algo que você se importa / Isso é tudo que você tem / Quando você vai dormir de noite você sonha com [música] / Quando você acorda, é a mesma coisa / Está ali na sua cara, você não pode fugir / Às vezes quando você é jovem, o único lugar para ir é para dentro / [Música], é o que eu amo, tire isso de mim e eu realmente não tenho nada”

A mixtape foi a responsável por lançar Mac Miller aos holofotes do rap. Na época, as redes sociais estavam começando a crescer e influenciar pessoas, e foi através delas que Mac divulgou muito de seu trabalho. Ele mesmo diz na primeira música que não foi ‘normal’ um rapper atingir o sucesso que ele conquistou tendo apenas 18 anos. Ainda na música introdutória, Miller canta “O garoto mais trabalhador da América / jogando com os profissionais”. Apesar de estar feliz com a situação, o cantor ainda não está satisfeito. “Quero a capa da [revista] Time, Homem do Ano, tem minha imagem presa em sua mente”.

Contando com duas de suas 10 músicas mais ouvidas, The Spins – que ganhou um sucesso ainda maior com o crescimento do TikTok – e Nikes On My Feet, K.I.D.S. mostra de forma certeira a visão de um jovem sonhador que ainda quer conquistar o mundo. Mac sabe que a vida é boa agora e que deve ficar mais difícil no futuro, por isso tenta aproveitar ao máximo o momento e não quer envelhecer. “Ser jovem é tão legal / Não quero nunca envelhecer”. 

A vida realmente ficou mais difícil para o cantor quando ele cresceu. Nas obras lançadas após a mixtape, Mac Miller já demonstra maturidade, talvez um cansaço pela ‘vida de adulto’, lidando com a depressão e o vício nas drogas. O contrário acontece em K.I.D.S.: o céu é muito baixo para ser considerado um limite para o rapper, nada pode lhe parar. Mac demonstra isso em Get Em Up, dizendo que independente do que falem ou façam, ele ainda estará aqui, crescendo. “Costumava ser o palhaço da sala / Mas agora eu rio por último”.

No geral, os temas das 16 músicas são quase sempre os mesmos: a vontade de ser criança para sempre; a responsabilidade que está tendo com seu sucesso; a superioridade com os haters, ter várias garotas no seu pé e não se preocupar com mais nada. Porém, com sua originalidade e domínio musical, Mac Miller consegue fazer cada uma se destacar individualmente, com ritmos diferentes e batidas contagiantes. Em Ride Around, por exemplo, a letra é comum e sem significados profundos, mas é a sonoridade que a diferencia das outras músicas. 

“Abaixe as janelas / aumente o sistema / Nós estamos apenas tentando andar por aí / porque nós não ligamos / Temos um tanque cheio de gasolina e alguma merda para fumar / Ei, vamos pegar a estrada”

Apesar do tom animado na maior parte do álbum, Mac também expõe seus sentimentos em All I Want Is You e Poppy. A primeira é uma música de amor, dedicada a apenas uma garota, e não ‘todas as garotas me querem’, presente em várias músicas da mixtape. “Me falaram para nunca me apaixonar / Isso nunca funciona com você”. A canção já traz referências do que Miller faria em Divine Feminine, um de seus futuros álbuns, na qual se dedica mais a expressar seu amor. 

Já Poppy é dedicada para o avô do cantor, em que Mac parece estar em um diálogo com ele. É uma música mais emocional, já mostrando que o rapper sabe fazer mais do que falar sobre as delícias da vida adolescente, como fez em seus futuros trabalhos Circles e Swimming, álbuns muito mais profundos e que expressam os sentimentos mais íntimos do cantor. “Mas me sinto tão sozinho tentando lidar com sua morte / Segurando minha respiração, querendo que eu tivesse mais um dia / Querendo que você estivesse lá quando eu me formar”.

O fato de Mac ter feito este trabalho com apenas 18 anos é um grande destaque. Kendrick Lamar, rapper americano de muito sucesso, por exemplo, teve seu destaque em 2012, com 25 anos. Kendrick inclusive era uma das inspirações de Miller e os dois artistas chegaram a trabalhar juntos em algumas ocasiões, como nas músicas Fight the Feeling, da mixtape Macadelic e God is Fair, Sexy Nasty, de Swimming. Eminem, outro artista de grande sucesso, começou a brilhar aos 27 anos. Como diz na contagiante The Spins, parceria com a banda Empire Of The Sun, Mac Miller ainda era um adolescente se formando no ensino médio: “Eu me formei / oh yes / eu acabei de me formar no ensino médio / haha”. 

Assim como todos os outros trabalhos do artista, K.I.D.S. conquista os corações dos ouvintes, principalmente por trazer uma vibe de nostalgia, de ser criança, e até por ver Mac tão feliz e animado. Este maravilhoso trabalho faz Mac Miller se diferenciar dos demais, mostrando desde o início da carreira que ainda teria um grande futuro pela frente, com obras ainda mais pessoais e bem produzidas.

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Ana Beatriz Zamai

Em 1998, Carrie Bradshaw (Sarah Jessica Parker) apresentou aos telespectadores tudo sobre a vida sexual – dela e dos outros, em Nova Iorque. Sex and the City, a série, foi um sucesso que durou seis temporadas, vencendo oito Globos de Ouro e seis Emmys. Quatro anos após a finalização da produção original, a protagonista e suas três amigas retornam para um longa, Sex and the City – O Filme (2008), que se entende bem como um episódio extenso e de qualidade questionável do seriado. As personagens lidam com praticamente os mesmos problemas que enfrentaram ao longo dos seis anos, e isso inclui a relação conturbada entre a loira e Mr. Big (Chris Nott), que, enfim, se casam, mesmo depois de algumas ‘complicações’ do dia especial. E é a partir daí que Sex and the City 2 segue.

Apenas dois anos vivendo a vida de casada foi o suficiente para Bradshaw sentir o desgaste do convívio diário. Enquanto Big entende que o matrimônio é um ponto final na vida de solteiro que tinha – com festas, encontros, jantares fora, bebidas, e se torna um homem que gosta de ficar em casa assistindo televisão e pedindo delivery, Carrie, apesar de amá-lo, sente falta da agitação de ser solteira, quando encontrava seu grupo em um brunch ou drinks no meio de semana.

Possivelmente, esse comportamento já era algo esperado pelo telespectador, que acompanhou durante as seis temporadas as atitudes confusas e questionáveis da colunista. A decepção, porém, vem da percepção de que a personagem não evoluiu, muito menos aprendeu com seus erros. O esposo, por exemplo, demonstra mais maturidade, no sentido de perceber que envelheceram e não tem como a vida continuar igual.  

As outras três amigas também lidam com dificuldades em suas jornadas. Entretanto, a sensação que Michael Patrick King, diretor e roteirista do filme, passa, é de que o desenvolvimento pessoal de cada uma foi feito por alguém que conhece apenas o básico da série, como se estivessem seguindo estereótipos, e não por uma pessoa já familiarizada com o universo criado. A transição da TV para o cinema deixou as personagens mais ‘vazias’, fúteis, ficando mais fácil de gostar dos personagens, visto que não tem muito a ser analisado. 

Samantha (Kim Cattrall) é um grande exemplo disso. Ao longo da obra original, a profissional de relações públicas mostra-se uma mulher que pode ser enxergada como um exemplo a ser seguido, sendo completamente independente, poderosa, dona de si mesma, sexualmente ativa e, talvez por tudo isso, a que menos se relaciona emocionalmente com homens. Porém, quando se relacionou, encontrou o melhor entre todos que já apareceram na série: Smith Jerrod (Jason Lewis), que, diferente da maioria dos personagens masculinos da série, aparenta ter uma grande responsabilidade afetiva pela namorada.

Nos filmes, Jones é reduzida apenas a uma caricatura de uma mulher que tem sua vida sexual como prioridade. Esse estereótipo da executiva ser tão independente a fez terminar com Smith, o que foi uma pena, visto que a relação dos dois era a mais madura entre as personagens principais. Além disso, apesar de ser a mais velha do grupo, a loira aparenta ser imatura o suficiente a ponto de embarcar em uma ‘aventura libidinosa tropical’ na praia de Abu Dhabi, com alguém que mal conhecera, onde mulheres precisam estar sempre cobertas, ser presa por isso, e achar que está certa. Talvez durante o seriado fosse mais cômico, mas no longa, no qual a personagem já tem mais de 50 anos, chega a ser desrespeitoso com a cultura do país. Causa estranheza ao ver alguém tão dona de si não perceber que isso é vergonhoso.

Durante a série, Charlotte (Kristin Davis) sempre foi considerada a ‘princesinha’ do grupo. A mais delicada, que queria encontrar o marido perfeito, ser a esposa impecável e ter filhos encantadores. Infelizmente, seu arco no longa foi resumido apenas em sua preocupação de perder o marido para a ‘babá sem sutiã’ que cuida de suas duas filhas, seguindo seu roteiro de esposa graciosa. 

Seis anos após o fim da série, a personagem não mostra ter perdido sua essência, porém, também não apresentou evolução alguma, o que talvez seja frustrante para seus fãs. No começo do seriado, vemos a garota, ainda novinha, sendo curadora de uma galeria de arte em Nova York, com sua formação em História da Arte. Entretanto, nada disso foi aproveitado ou sequer mencionado, o que é uma pena, visto que, inicialmente, a amiga de Carrie nos foi apresentada como alguém independente e certa de si mesma, e que não largaria tudo para ser ‘só’ esposa. 

Já Miranda (Cynthia Nixon) aparenta ser a única a ter algumas mudanças corajosas. Na primeira parte, assistimos o inesperado (ou não!) casamento de Stanford (Willie Garson) e Anthony (Mario Cantone), os melhores amigos gays de Carrie e Charlotte, respectivamente. Na cerimônia, a advogada está como sempre vimos – pensando em trabalho, deixando seus prazeres pessoais para resolver pendências com seu chefe através do celular, presa em sua obsessão pelo dever profissional, como uma verdadeira workaholic. Porém, com o crescimento de seu filho Brady (Joseph Pupo), que, inclusive, é pouco explorado pelos roteiristas, ela percebe que pode perder a vida –  e de sua família – por trabalhar demais, e toma uma atitude fora do seu padrão: sai da empresa que não a respeita como mulher, mãe e funcionária, para uma em que é valorizada. É um ato inesperado que evidencia desenvolvimento em meio a tantos personagens estagnados. 

Por fim, ela, a nossa estrela: Carrie Bradshaw. A protagonista sempre foi uma personagem complexa, o que torna difícil ter uma opinião concreta e absoluta sobre a sua personalidade. Ora sentimos pena, ora sentimos raiva, ora amamos e ora odiamos. No filme, mais uma vez, a colunista oscila entre o trágico e o irritante. Dá para sentir pena, porque depois de seis temporadas, Carrie tem o que queria: o amor de Mr. Big. Mas também dá para ter raiva porque a personagem não sabe o que fazer com isso. 

A loira passou a série em um vai e vem com Mr. Big. Experimentou, enfim, o casamento no primeiro longa, mas descobriu que a vida à dois com o homem misterioso que tanto se humilhou para ter não era bem o que ela pensava. Eles tinham pensamentos diferentes sobre o que significava essa cumplicidade, e a ideia do marido – terem dois dias de ‘folga’ da aliança, é tão absurda quanto conveniente para os dois, já que o companheiro poderia fazer o que a jornalista não gostava (ficar no sofá comendo delivery) e ela o que sentia falta: sair com as amigas. 

Talvez de forma previsível, a primeira preocupação da colunista não foi pensar que ela e seu amado não combinassem tanto assim, e sim em como ela iria contar isso para as meninas, já sabendo que pessoas normais não tiram férias do casamento (toda semana!). Ela mesma sabe, pelo seu histórico de situações duvidosas, que as amigas iriam julgar. 

Em um dado momento, Carrie comenta que “nunca se sentiu tão longe de casa, ou de si mesma”. Na verdade, a personagem estava sendo tão ela quanto sempre foi: insatisfeita em seu relacionamento com Big, tendo discordância com as amigas, pensando apenas em si mesma e tomando decisões impulsivas. A cereja do bolo neste filme de terror foi quando, no meio de um mercado de temperos em Abu Dhabi, a mais de mil quilômetros de distância, Carrie encontra Aidan (John Corbett), seu antigo namorado. Adicionando mais uma decisão questionável para sua lista, a jornalista decide sair com o ex e eles acabam se beijando. 

Esse ‘detalhe’ foi mais um fator desnecessário, já que não teve desdobramentos – Carrie e Aidan não ficaram juntos, Big e a colunista não brigaram, foi um acontecimento sem desenvolvimentos ou consequências. Serviu apenas para reafirmar o padrão Carrie de decisões: faz algo no impulso, se arrepende e não tem nenhuma consequência. A incapacidade dela de lidar com a estabilidade que tanto dizia querer é notório. 

Para além do desenvolvimento das personagens, ou a falta dele, a produção também peca em diversos sentidos. Sex and the City sempre foi lembrado por seus looks estonteantes, com roupas de grife e sapatos caríssimos. Dessa vez, porém, é uma das questões mais chamativas, só que de forma negativa. Patricia Field foi a responsável pelo guarda-roupa da obra, assim como da série e do longa anterior, mas deixou muito a desejar. Roupas extremamente bregas, com muitas (muitas!) estampas e acessórios fazendo hora extra. 

Outro fator negativo foi a mudança de cenários tão abrupta. A primeira ambientação foi o casamento de Anthony e Stanford, que, inclusive, contou com a participação especial completamente aleatória de Liza Minnelli, o que deve ter aumentado o orçamento, assim como a de Miley Cyrus, ambas legais, mesmo que desnecessárias. De repente, a obra vira de cabeça para baixo e o segundo cenário é nos Emirados Árabes Unidos, graças às parcerias de Samantha e sua formação em relações públicas. Fez-se uma grande piada: desde comentários irônicos sobre as roupas e a cultura do local, a apreciação sutil dos Estados Unidos ou o desrespeito com as regras do país, tudo pareceu errado. 

Sex and the City 2 nos deixa com a sensação de que os produtores não souberam a hora de parar. Como na famosa citação de Batman: O cavaleiro das trevas (2008), “Ou você morre como herói, ou vive o suficiente para se tornar o vilão”, a série era o herói, e deveria ter morrido ali. Tudo que veio depois – os dois longas-metragens e a série And Just Like That — são os vilões, e mal construídos por sinal. 

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Lara Fagundes

Em um mundo em que  adaptações costumam significar apenas copiar e colar o enredo na  tela, Scott Pilgrim Contra o Mundo fez muito mais do que isso. O longa-metragem não apenas levou o enredo de Bryan Lee O’Malley para o cinema, como também trouxe consigo a linguagem visual da história em quadrinhos. Por isso, 15 anos após sua estreia, o filme ainda é um marco cinematográfico na indústria de mixed media. Embora subestimada, sua proposta estética traduz com precisão o universo das HQs em uma obra cheia de originalidade.

Dirigida por Edgar Wright, a trama apresenta Scott Pilgrim (Michael Cera), que, para conquistar o amor de Ramona Flowers, precisa lutar contra todo o passado de sua nova paixão. Ramona é o tipo de garota que se destaca das pessoas ao redor, algo que as cores deixam muito claro. O cabelo colorido, as roupas criativas e a atuação de Mary Elizabeth Winstead tornam a personagem marcante e atraente, mas ainda humana. Sendo uma comédia irônica, com personagens de personalidades fortes, os defeitos e as qualidades de cada um ficam mais evidentes, e um dos pontos altos é justamente esse: o exagero.

A incorporação da história em quadrinho aparece de maneira exagerada na estrutura narrativa, desde os diálogos e as atuações caricatas até os efeitos especiais (Frazer Churchill). Tudo chama atenção, tanto no aspecto estético quanto nos personagens que, mesmo secundários – como os sete ex malvados – possuem traços destacados e motivações individuais. O próprio Scott é retratado como uma pessoa cheia de contradições, e Michael Cera encarna isso muito bem: um típico anti-herói, que não foi feito para ser amado, apesar de seus lados bons e ruins.

Essa ambiguidade do protagonista espelha uma geração marcada por crises de identidade, relações sociais complicadas e dificuldades para lidar com as emoções. Temas comuns, como a sensação de ter o coração partido e a paixão pela nova garota, são amplificados e complementados por uma história engraçada e uma atmosfera envolvente. Além disso, o elenco é recheado de nomes famosos como Brie Larson, Chris Evans e Kieran Culkin, que conseguem embarcar no propósito cômico de cada personagem.

Para acompanhar as atuações, o formato da obra equilibra o estilo dos quadrinhos com uma narrativa de vídeogame, contando tudo de maneira acelerada, mas divertida. Os gêneros surgem como um misto de comédia, ação e romance, além de uma montagem (Jonathan Amos e Paul Machliss) que parece virar as páginas da HQ diante de seus olhos. Cortes rápidos e transições criativas, com sobreposições, tornam o filme mais interessante e deixam tudo mais engraçado e dinâmico.  

Os efeitos visuais (Marcus Rowland) valorizam o universo geek, utilizando balões de texto típicos de HQ para ressaltar detalhes, poses clássicas de jogos de luta e moedas caindo ao ganhar uma batalha. Indo além do visual, o enredo é acompanhado por uma trilha sonora (Nigel Godrich) memorável, desenvolvida exclusivamente para a produção, com os atores tocando instrumentos reais. A música Black Sheep, da banda Metric, cantada por Brie Larson, ganhou grande destaque como marca registrada da obra que Wright criou com muita personalidade. 

Tudo em Scott Pilgrim Contra o Mundo funciona de forma coesa e integrada à narrativa. Cada aspecto, desde as cores vibrantes até as referências culturais, contribuem para o desenrolar da história. A trilha sonora mistura rock alternativo e pop indie, com letras únicas que combinam perfeitamente com a banda de Scott, Sex Bob-omb, além dos outros grupos que se apresentam durante as cenas. Esses elementos constroem o universo de forma mais intensa e estilizada, recriando a sensação de ler uma HQ e a traduzindo para o modelo audiovisual.

Além disso, a força de Scott Pilgrim ultrapassa os limites do cinema e se consolida como um verdadeiro projeto de cross media, conseguindo se adaptar de forma eficiente e criativa a diferentes formatos. Desde sua origem nos quadrinhos até os videogames, passando pela recente adaptação animada da Netflix, lançada em 2023, cada versão manteve a identidade visual marcante da obra. Essa consistência estética é o fator que torna o universo tão cativante em diferentes meios, sem perder sua essência.

Assim, a experiência proposta pelo filme vai além de apenas contar a história: convida o telespectador a entendê-la de forma visual, sonora e emocional. Em meio a um espetáculo de cores, humor e riffs de guitarras, Scott Pilgrim Contra o Mundo é uma carta para uma geração que cresceu entre comics, música e telas luminosas. A mistura de gêneros, as referências pop e os momentos exagerados refletem a confusão e a intensidade de uma juventude embalada em personagens ambíguos e tons vibrantes.

Uma década e meia depois, o longa-metragem se mantém moderno graças a uma identidade muito bem definida. Embora não tenha sido um sucesso em seu lançamento, acumulando um prejuízo de cerca de 10 milhões de dólares, conseguiu conquistar um público fiel e a aclamação da crítica especializada. Após 15 anos, Scott Pilgrim Contra o Mundo se tornou um clássico cult e, no fim, provou que a estética narrativa faz toda a diferença.

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Letícia Hara

Em 10 de outubro de 2010, a quarta geração de My Little Pony: friendship is magic (no original) estreou nos Estados Unidos, sendo dublada e divulgada no Brasil somente em 2011 pela Discovery Kids. Escrita por Lauren Faust, a série conta com 9 temporadas, sendo encerrada somente em 2019, após o lançamento de filmes, mini-séries e mais de 220 episódios. Há 15 anos, a série demonstrava que falar sobre amizade, emoções e vínculos de modo maduro é possível, mesmo em uma animação meiga e colorida. 

A série animada de televisão da Hasbro conta a história de Twilight Sparkle (Tara Strong), uma pônei de Equestria que não sabia que existia vida e amizade para além dos livros e magias. Sendo uma aluna dedicada e orientada pessoalmente pela governante de Equestria, a Princesa Celestia (Nicole Oliver), Twilight e Spike (Cathy Weseluck), seu companheiro dragão, são enviados para uma missão em uma pequena aldeia distante da capital Canterlot. A estudiosa pônei roxa só não sabia que essa experiência mudaria o rumo de sua história.

Chegando à Ponyville, Twilight conhece Rarity (Tabitha St. Germain), Applejack (Ashleigh Ball), Pinkie Pie (Andrea Libman), Rainbow Dash (Ashleigh Ball) e Fluttershy (Andrea Libman), as quais juntas derrotam a poderosa Nightmare Moon (Tabitha St. Germain), nos dois primeiros episódios. Assim, ficaram conhecidas como as Mane Six e portadoras dos Elementos da Harmonia. Ao final, a protagonista e seu companheiro decidem permanecer na pacata vila, onde irão aprofundar os seus conhecimentos sobre a magia da amizade.

Apesar de parecer infantil, a série é conhecida por desenvolver vilões cativantes e marcantes, além de aprofundar questões sobre as relações humanas como pertencimento, perdão, redenção, diversidade, diálogo, cooperação e autoconhecimento. A partir da derrota de Nightmare Moon, vilã inicialmente imparável, mas que ao final era apenas uma irmã mais nova mal compreendida, é possível perceber desde o início, que o desenho animado não seria feito apenas de episódios aleatórios sem uma grande lição por trás.

A franquia My Little Pony é conhecida por produzir desenhos animados com o intuito de vender seus produtos para o público infantil. Porém, as pôneis chamou a atenção de muitos adultos que colecionam brinquedos. Gerações anteriores, iniciando com a G1 de 1982-1995, depois a G2 de 1997-1999, a G3 de 2003-2009 e algumas gerações intermediárias, já encantaram públicos de diferentes idades com os pequenos cavalinhos coloridos, com crinas sedosas e rostos fofos e amigáveis. Além disso, o grande diferencial para a popularidade dos brinquedos dos personagens é, sem sombra de dúvidas, eles terem personalidades bem desenvolvidas que nos fascinam e fazem querer tê-los por perto. 

O seriado conta com um fandom enorme o qual acompanha as novidades da franquia, bem como expõe publicamente sua afeição pelos pequenos pôneis. A popularidade da série com o público adulto foi tão grande que, para além das vendas de brinquedos e diversas parcerias com outras séries e filmes, também se tornaram cartinhas do famoso jogo Magic: The Gathering, ou nesse caso, Ponies: The Galloping. 

Produzir brinquedos tão chamativos e meigos foi um fator importante para o sucesso do desenho animado. No entanto, poucas séries as quais o intuito principal é de vender produtos conseguem se manter como My Little Pony: A Amizade é Mágica. O segredo? A animação de qualidade e chamativa é relevante, mas o investimento em produzir personagens – principais e secundários – tão únicos, com qualidades, defeitos, forças e fraquezas foi o que produziu uma legião de fãs mundialmente. Importante ressaltar que a presença de representatividade LGBTQIAPN+ se tornou um aspecto importante para a série. Todo telespectador pode dizer que se identifica com pelo menos um pony, ou admira sua história de superação das adversidades da vida. Com isso, tanto crianças e adolescentes, quanto adultos se sentem atraídos por cada um dos episódios. 

Ademais, o universo de Equestria foi expandido em 2013 com o lançamento do filme Equestria Girls, a primeira tentativa de desbravar o multiverso, onde é possível por meio de um espelho, sair do mundo dos pôneis e chegar até a escola de Canterlot. Agora com todos os personagens em suas formas humanas, músicas viciantes e mantendo a mesma originalidade na produção de vilões.

O filme fez aumentar a popularidade da G4 de My Little Pony, porque além de apresentar as mane six com suas formas duplicadas, aprofundou ainda mais o tema da amizade e perdão com a vilã Sunset Shimmer (Rebecca Shoichet). Desse modo, foi uma inovação as meninas terem sido pioneiras na aproximação das pôneis em bonecas de formato humano, competindo com as famosas Monster High.

O sucesso da G4 de My Little Pony: A Amizade é Mágica foi tão grande que, mesmo após seu encerramento em 2019 e o lançamento da quinta geração, animada em 2D e 3D e com novos personagens como protagonistas, os brinquedos (e agora cartas!) da G4 voltaram a ser produzidos em larga escala, especialmente por fabricantes chineses. Enquanto isso, a G5 enfrentou dificuldades na recepção pelo público e acabou sendo oficialmente cancelada. 

A proposta inicial da nova geração era apresentar o mundo de Equestria muitos anos após os eventos da G4, deixando em aberto o destino das Mane Six – uma dúvida que gerava ainda mais curiosidade em relação à possível existência das princesas, já que, com a presença de magia, essas personagens eram consideradas imortais. No entanto, nessa nova era, a magia desapareceu. Embora os novos protagonistas sejam carismáticos, visualmente atrativos e possuam personalidades marcantes, é evidente que parte do público ainda sente falta das personagens clássicas, tanto principais quanto secundárias. Além disso, a franquia não conseguiu replicar o mesmo apelo dos brinquedos das gerações anteriores, a qualidade das figuras básicas, por exemplo, caiu significativamente, tornando os novos produtos um pouco menos atrativos para colecionadores. 

Não é por acaso que Twilight Sparkle se tornou a Princesa da Amizade. A série por inteiro demonstra que nossos sonhos podem ser realizados com bons companheiros ao nosso redor. Alcançar metas sozinho é ótimo, mas ter com quem partilhar as conquistas é melhor ainda. Uma prova disso é que esse texto comemorativo só existe porque um dia assisti esse seriado e hoje desenvolvo uma pesquisa sobre os benefícios que compartilhar brinquedos com os amigos na vida adulta pode trazer. Assim como a Twilight, posso dizer que cheguei aqui graças à magia da amizade de muitos amigos que, há 15 anos, fazem as lições desta série serem tão especiais. 

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Alice Burégio 

Toda criança já assistiu Shrek para Sempre. Dirigido por Mike Mitchell e escrito por Josh Klausner e Darren Lemke, é perceptível o impacto cultural e social que esse filme tem, mesmo depois de 15 anos de seu lançamento. De certa forma, a obra traz algumas lições de moral ao longo de sua extensão, sobre como as aparências não descrevem aquilo que arde no interior da pessoa, por exemplo, ideia muito explorada na saga da DreamWorks. 

Esta lição é vista em diversas cenas, como a de Shrek sendo perseguido, tanto em Shrek (2001), quanto em Shrek para Sempre, por ser um ogro e, em outra ocasião, quando ele e Fiona – sua esposa – retornam para o palácio, casa dos pais de Fiona, reis do Reino de Tão Tão Distante. Com sua volta, todos os espectadores carregam olhares de julgamento – não apenas os moradores do reino, como os próprios pais da princesa que, ao vê-la em forma de ogra, percebem que a maldição havia se concretizado. O desconforto e a decepção são visíveis em seus olhares.

Shrek, o protagonista, era muito julgado por ser um ogro, porém, ao  conhecê-lo mais no decorrer do filme, percebe-se que ele, assim como qualquer um, têm sentimentos, sonhos e fragilidades. No entanto, não é exatamente este o motivo pelo qual a história marcou a infância das pessoas. Shrek virou uma referência por misturar humor ácido com emoção e apresentar uma versão diferente e cativante  dos contos de fadas já conhecidos.

Além disso, personagens icônicos como o Burro, com o humor irritante e seu inesquecível bordão, “A gente já chegou?”, ajudaram a consolidar a saga como referência cultural. Contudo, Shrek para Sempre foge do roteiro dos filmes anteriores. Apesar de ainda haver o humor sagaz, ironia e piadas de duplo sentido, este é, sem dúvida, a obra mais sentimental da franquia – aquele que mergulha em reflexões mais profundas, como a solidão –, sem deixar de lado o espírito divertido e infantil que sempre foi referência na obra.

Enquanto os outros filmes do conto tinham a mesma estrutura – uma missão para ser cumprida surgia no início do enredo –, essa história tem um diferencial: Shrek não busca salvar o reino, derrotar um vilão ou provar algo a alguém, ele apenas quer reviver a vida solitária de ogro, sem responsabilidades de marido e pai. Com esse detalhe, a trama torna-se mais madura e introspectiva, revelando um protagonista em crise existencial. Mesmo que ele não odiasse sua vida, queria fugir dela por um dia e viver como um “ogro de verdade”. 

 Diante desse sentimento, o enredo se inicia com o vilão Rumpelstiltskin oferecendo uma solução para essa aflição. Para conseguir voltar a ser um ogro de verdade por 24 horas, Shrek deveria oferecer qualquer dia da sua vida em troca. Porém, o que ele não imaginava, eram as consequências catastróficas que aconteceriam ao assinar o contrato, como Rumpelstiltskin roubando o dia do nascimento de Shrek, impedindo-o então de existir.

Os efeitos após isso evidenciam o perigo das escolhas impensadas e do desejo de escapar da própria realidade. Nesse universo alternativo Fiona não é mais a princesa à espera de um resgate do príncipe encantado, mas uma líder guerreira, que luta pela libertação e igualdade dos ogros. Essa versão independente e empoderada de Fiona é um dos grandes acertos do projeto, pois dá à personagem uma interpretação nova e autônoma.

O arco final, no qual Shrek precisa reconquistar Fiona para provar a força do amor verdadeiro, emociona por mostrar que o valor da vida está naquilo que muitas vezes negligenciamos. Ao quase perder sua família, o personagem entende que suas queixas não eram contra a sua vida em si, mas sim contra a própria incapacidade de enxergar o que havia de mais precioso nela. A identificação com o público pode ser muito presente neste momento, já que a lição conecta todos os que assistiram ao filme e sentem o peso da rotina e a não valorização do que já se têm.

A mensagem que essa animação deixa é semelhante ao desenho Soul (2024), da Disney: o que você tanto procura nem sempre é da forma que imagina. Às vezes, ao chegar àquele objetivo que almejava ou, no caso do Shrek, realizar a vida desejada, percebe-se que na verdade, não era o que havia sido idealizado. De fato o que deve ser aproveitado é o caminho, as vivências, as pessoas que amamos e os momentos que parecem simples e ainda sim, são valiosos, assim como assistir à Shrek para Sempre. 

A cena final dessa obra é uma das mais memoráveis e marcantes da saga inteira. Shrek começa a desaparecer aos poucos por não ser capaz de quebrar a maldição e finaliza sua vida contando para Fiona que toda a revolução, a caça e os sentimentos conflituosos da relação – entre eles o ódio, a atração e o amor – haviam compensado, pois ele teve a chance de se apaixonar por ela como se fosse a primeira vez. Esse trecho evidencia o carinho e amor presentes, demonstrando que Shrek e Fiona se apaixonam sempre, independente da linha do tempo.

Shrek para Sempre marcou gerações, mostrando uma versão pouco explorada na saga, a partir de um ponto de vista mais sentimental, que mistura humor e aventura à emoção sincera. Portanto, é um filme que respeita a essência da franquia, porém oferece uma reflexão maior sobre identidade, escolhas e o verdadeiro significado da vida em família. A história é marcada por piadas, ironias, companheirismo e amor. 

Após esse lançamento, acreditava-se que a saga havia chegado ao fim, porém, em fevereiro deste ano, a DreamWorks Animation anunciou algo inusitado, Shrek 5, com lançamento previsto para 2027. No teaser, Shrek, Fiona, seus filhos, o Burro e Pinóquio aparecem já mais velhos, e deixa a expectativa para obra ser tão marcante e amado quanto o último foi. Até então, os fãs seguirão ansiosos pela continuação e se perguntando, assim como o Burro, se já chegamos lá.

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Livia Queiroz

Em abril de 1994, o Brasil abriu uma ferida que nunca mais se fecharia, da qual apenas poderia ser amenizada pelo passar do tempo. Ayrton Senna da Silva, o herói do Brasil, morreu em um trágico acidente no Grande Prêmio de Ímola, na Itália. O piloto era um dos maiores – se não o maior – nomes do esporte brasileiro na época, e querido por todo o seu país. E para relembrar e aquecer a saudade que o povo carrega, há 15 anos, foi lançado o documentário Senna: O brasileiro, O herói, O campeão. A obra, dirigida por Asif Kapadia, venceu em 2010 o BAFTA por Melhor Documentário. 

A produção surge como forma de homenagem à família, ao automobilismo e à um povo que sentia a ausência do patriotismo no esporte. Senna era, assim como o próprio documentário revela em seu título, um campeão. Apesar de não focar em toda sua carreira – inserindo o holofote apenas em sua trajetória na Fórmula 1 –, é perceptível que o atleta sempre foi focado em atingir sua melhor performance e procurava a excepcionalidade em tudo que se propunha a fazer, assim como mostrado em outra obra recente do piloto: Senna (2024). Com determinação, profissionalismo, um coração bom, agressividade nas pistas e um pouco de prepotência, atingiu a prateleira de lendas do esporte e de sua própria categoria, tornando-se um dos atletas mais conhecidos da história.

A melhor narrativa inserida no filme é a afirmação de que a Fórmula 1 é política e Senna era político. O sucesso no automobilismo sempre foi e sempre será um espaço de difícil alcance para atletas estrangeiros para além da Europa – o continente de desenvolvimento do esporte –, especialmente para os sul americanos. São dois os principais obstáculos: dinheiro, já que o rico no Brasil não tem o mesmo poder de compra de um rico na Inglaterra, e preconceito social – a velha e falsa narrativa de superioridade do europeu sob outras nacionalidades. O maior exemplo dessa afirmação era a rivalidade entre Ayrton e Jean-Marie Balestre, ex-presidente da FIA (Federação Internacional do Automobilismo). O francês, assim como evidenciado no documentário, claramente tinha problemas pessoais e sociais com Senna. 

O brasileiro era muito lembrado também por sua consciência política voltada à desigualdade social que não só assola o mundo, mas a expansão e impacto desse aspecto quando se tratava de seu país. Para ele, era isso que mais importava em todas as vertentes de sua vida: o Brasil. Segundo sua irmã, Viviane Senna, ele comentava sobre suas intenções de criar projetos visando o melhor para a educação da juventude, não à toa o Senninha foi criado. Por esses motivos, em novembro de 1994, mesmo ano de sua fatalidade, a família fundou a ONG Instituto Ayrton Senna, que o representaria na memória e intenção. 

As fontes escolhidas para depor dentro da obra comprovam esse ponto, resumindo sua perspectiva de vida e esporte entre a lucidez e coerência. Diante de vozes como Galvão Bueno, Ernesto Rodrigues, sua família  e outras fontes indiretas, a emoção da saudade, nostalgia e despedida transpassa as telas e entrelaça o coração do telespectador. Entretanto, apesar do voiceover ser característico desse formato , somente este recurso é utilizado ao longo de sua extensão, sem margem para um visual de entrevistas com aqueles que comentam sobre Senna. Os ‘personagens’ nem são identificados quando inseridos pela primeira vez no documentário, sendo apenas possível saber sua identidade nos créditos. Este é, definitivamente, o pior aspecto dessa homenagem e que fere o interesse do público por ele.

Porém, não é possível negar a beleza da homenagem feita ao brasileiro. As entrevistas são escolhidas a dedo, apenas com aqueles que participaram da vida de Senna de alguma forma, seja brevemente, ou durante toda sua existência, como Viviane – que aborda a morte do irmão de forma sentimental. Toda comoção é pouca para o impacto que Ayrton Senna deixou ao mundo. Até hoje, alguns de seus maiores recordes seguem intactos. Seu apelido ‘O Rei de Mônaco’ não é em vão, Senna é o piloto com mais vitórias na prova, somadas seis de 1987 à 1993 – Schumacher e Graham Hill chegam depois com cinco. Além disso, possui o maior número de pole positions consecutivas (8) e o maior número de vitórias seguidas em um mesmo Grande Prêmio (5) – dos quais apenas Lewis Hamilton conseguiu igualar seu feito em Barcelona, no GP da Espanha. Seus três títulos mundiais carregam peso ainda maior quando se trata do modo de corrida do brasileiro, que vencia com ousadia e paixão, um ‘jogo bonito’ do automobilismo.

“Não conheço outra maneira de guiar se não de maneira arrojada. Quando é hora de ultrapassar, eu ultrapasso. Cada piloto tem seu limite, o meu está um pouco além dos outros” – Ayrton Senna

Por meio desses diálogos e entrevistas, sejam com terceiros ou recortes de Senna em entrevistas durante sua carreira, fazem com que o espectador mergulhe no storytelling que relembra o herói que ele foi. Para aumentar ainda mais a experiência, nada melhor do que ouvir o próprio piloto, narrações nostálgicas de suas corridas feitas por Galvão e os sons ambientes do espaço em que ele vivia e tanto amava. Ainda mais emocionante são os depoimentos daqueles que correram com ele; Alain Prost – seu rival mais longevo e fervoroso – lembra com extremo respeito e honra de compartilhar tanto os momentos de agressividade dentro e fora das pistas quanto sua reconciliação pós aposentadoria. Para além daqueles que conviveram em sua presença, ele segue presente em memória; Lewis Hamilton vê Senna como sua maior inspiração, sempre relembrando o legado do piloto e contribuindo para a conexão permanente dos brasileiros com a F1.

Por fim, é impossível não mencionar a era Williams de Ayrton Senna, sua última equipe pela Fórmula 1. Na época, ela tinha em mãos o melhor motor do mundo, Renault, e inovações tecnológicas como câmbio semiautomático, suspensão ativa e freio antiblocante, que lideraram Nigel Mansell ao seu título mundial em 1992 por cima de Ayrton. Após cinco anos de história e três títulos mundiais na McLaren, o brasileiro finalizou seu contrato – principalmente pelo fim da parceria com os motores Honda e o declínio competitivo do carro – e seguiu novo rumo em 1994 para a outra equipe britânica que, segundo ele, era uma “máquina de outro planeta”. 

Porém, toda transição vem acompanhada de dificuldades. Em seu primeiro ano com a equipe nova, foi desenvolvido o FW16, carro criado pelos melhores projetistas do momento, Adrian Newey e Patrick Head – cérebros por trás do foguete de Mansell –, que desde seu primeiro teste apresentou diversos problemas mecânicos de aerodinâmica que tornaram o veículo quase que impraticável de se dirigir e perigoso nas pistas. Mesmo assim, o talento do campeão se sobressaiu e Senna conseguiu três poles nas três corridas da temporada, todas infelizmente não foram completadas justamente por acidentes envolvendo o carro. No final de semana de Ímola, foram três acidentes consecutivos, um de Rubinho Barrichello, que passou bem depois do atendimento médico, e dois que levaram à mortes de pilotos, Roland Ratzenberger e Senna, que, devido a uma falha na coluna de direção, teve seu carro batido no muro da curva Tamburello. O caso, posteriormente, foi levado à julgamento e considerado como homicídio culposo. 

Diante desses efeitos, Senna: O brasileiro, O herói, O campeão é um compilado do enorme acervo de imagens e vídeos sobre o piloto mais memorável da F1. Entretanto, obras como essa, apesar dos erros encontrados, são um alívio para a saudade – que aperta de tempos em tempos quando se vê alguns de seus recordes serem superados – do campeão dos campeões brasileiros. Ayrton Senna foi, é e sempre será o brasileiro capaz de unir um país dividido pela política; o atleta do povo verde amarelo que conquistou recordes inimagináveis em um esporte historicamente resistente à diversidade geográfica; e um herói popular em escala mundial.

“O brasileiro só aceita título se for campeão. E eu sou brasileiro” – Ayrton Senna

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Isabela Nascimento

Baseada na série de livros de Sara Shepard, Pretty Little Liars (2010-2017) foi comandada pela showrunner Marlene King. Já no primeiro episódio, o seriado foi um sucesso, com mais de 2 milhões de telespectadores. Ao longo dos 22 capítulos iniciais, a produção juntou milhares de fãs, começando um legado que já dura 15 anos como uma das séries teens mais icônicas dos últimos tempos.

A trama segue cinco amigas, Alison (Sasha Pieterse), Aria (Lucy Hale), Emily (Shay Mitchell), Hanna (Ashley Benson) e Spencer (Troian Bellisario), se divertindo em uma festa do pijama, porém, esse dia se torna um pesadelo quando a líder do grupo, Alison, desaparece. Após um ano dessa tragédia e a separação do grupo, as meninas se juntam novamente, depois de receberem mensagens de uma pessoa denominada como ‘-A’, que sabe dos segredos mais íntimos delas. 

Em um primeiro momento, elas acreditam que o stalker seja sua antiga amiga, mas essa hipótese logo se encerra quando a polícia encontra o corpo de Alison no quintal de sua casa. A cena finaliza com uma mensagem para o grupo de ‘-A’: “Eu ainda estou aqui, vadias, e eu sei de tudo”. Indicando o começo de algo muito maior que elas imaginavam. Momentos antes, a série apresenta, Jenna (Tammin Sursok) e Toby (Keegan Allen), personagens importantes para essa história.

Mesmo sendo uma série longa e complexa, os episódios são construídos de maneira delicada e fácil de acompanhar. Em cada capítulo, conhecemos novos personagens, possíveis suspeitos da identidade do perseguidor e sobre o assassinato de Alison. Enquanto isso, a trama vai descartando os ‘culpados’ e explicando os motivos da inocência deles. Porém, o enredo não é somente sobre os mistérios de Rosewood. Os problemas adolescentes também são significativos, estando por toda parte. Na primeira temporada, vemos um pouco sobre os problemas familiares e, uma das coisas mais famosas no fandom: os interesses românticos. 

Da mesma forma, compreendemos mais sobre a misteriosa Alison. Há flashbacks, que ajudam a entender um pouco mais sobre essa teia de confusões acerca dela e de seu relacionamento com cada integrante de seu grupo. No episódio nove, A Tempestade Perfeita, conhecemos os verdadeiros sentimentos que Emily tinha pela amiga. Apesar dessas lembranças durante os primeiros anos, também há, pela primeira vez, as ‘alucinações’, momentos em que as meninas veem Alison, um recurso bastante utilizado. No capítulo 11, depois de Hanna ser atropelada por ‘-A’, ela vê a amiga, que dá algumas dicas implícitas sobre seu assassinato. A primeira temporada finaliza de um jeito morno: as meninas acreditam que descobriram algo e, talvez, um possível fim, mas essa possibilidade é logo descartada, quando o stalker envia uma mensagem que dá um gancho para os próximos capítulos.

O roteiro trabalha muito bem com dois aspectos principais: investigação e problemas adolescentes. Em nenhum momento, a história parece maçante e focada em só uma parte. Os respiros são esses complexos juvenis, que acabam sendo tão cativantes quanto a narrativa central. Os dramas que cada uma têm prendem o telespectador; em alguns momentos, essas confusões se unem com o enredo principal, e, quando isso acontece, há uma naturalidade perfeita. 

Apesar dos mistérios, Pretty Little Liars é uma série teen, então há muitas frases prontas e clichês já estabelecidos naquela época, como o romance de Spencer com um funcionário do clube que ela frequenta, Alex Santiago (Diego Boneta). O relacionamento segue os dilemas clássicos de diferença social, enquanto ela é rica, ele é pobre e a família dela não aprova esse amor. Mas isso não afeta a qualidade da série e os sentimentos construídos pelos episódios. Os roteiristas souberam mesclar muito bem esses elementos clássicos com uma vertente mais original.

Outra parte icônica do show, que até hoje as pessoas comentam, é a abertura. Com a música Secret de The Pierces e cenas de um funeral falso, podemos dizer que, como toda a série, o começo é camp, interessante e perfeito, passando a energia de toda a história. Essa cafonice gostosa se ressalta ainda mais nos episódios temáticos, focados em feriados e até em aniversários de personagens com o tema acampamento chique.

Com uma boa mistura de mistério, terror e dramas adolescentes, o primeiro ano de Maldosas se tornou um sucesso, mesmo sendo bastante introdutória. Nela conhecemos as personagens, compreendemos o poder de ‘-A’ e os segredos que amedrontam as garotas. Embora não seja a melhor temporada, ela deixa os telespectadores com curiosidade para desvendar as dúvidas restantes. Principalmente, em descobrir o que realmente aconteceu na noite do desaparecimento de Alison Dilaurentis.

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Livia Queiroz

Em 2009, um grande burburinho se espalhou por Hollywood: Will Smith está planejando um remake do sucesso cinematográfico dos anos 80, Karate Kid. Logo depois, Ralph Macchio recebe um roteiro e a proposta de dar vida ao senhor Han, réplica do senhor Miyagi. A família Smith recebeu como resposta uma negação assídua e depois do lançamento do trailer, uma declaração irritada do ator. O motivo? Ele viu o filme como uma falta de criatividade absurda da indústria do cinema e do produtor. Mesmo assim, o desenvolvimento da obra seguiu e foi lançado pela direção de Harald Zwart em junho de 2010. 

De certa forma, Ralph estava correto. Claro, desde sempre o cinema teve seus segredos específicos para vingar no mercado e eles eram versáteis, já que cada década tinha seus interesses, porém, a partir dos anos 2000, a dramaturgia começou um processo de repetição estrutural das narrativas, trazendo uma construção de começo, meio e fim e até cenas específicas iguais na maioria dos filmes. Assim, a única coisa que seria necessário mudar eram os personagens – às vezes tem a mesma aparência e personalidade, só mudando o nome – e o plano de fundo, e pronto, a fórmula do sucesso estava feita. Essas inspirações eram sabidas mas nunca admitidas, mesmo que óbvia, até a criação do remake, ou seja, copiar a história original mas com novas tecnologias e novos atores/dubladores.

Porém, o que não poderia imaginar-se é que o fenômeno não só funcionaria para a indústria como para os espectadores, que podem presenciar seus filmes favoritos todos de novo mas com alguns pequenos ajustes. Karate Kid é um ótimo exemplo disso, pois foi bem aceito pelo público e tornou-se o ‘karate kid‘ que marcou a nova geração. Um dos principais pontos do seu sucesso foi a escalação do elenco, para uma cinematografia de ação ambientada em um ambiente asiático, a escolha óbvia de participação é o ator Jackie Chan, a estrela das lutas de ação e dublê. Além disso, foi uma ótima escolha contratar atores chineses e descendentes para representar seus respectivos papéis, coisa que Hollywood pecava e ainda peca para fazer com qualquer origem, preferindo atores locais que não conhecem a cultura e a língua. 

Entretanto, apesar da inclusão nacional, a prática de estereótipos chineses em toda a extensão do longa prejudica sua imagem. Uma das primeiras conclusões de Dre Parker (Jaden Smith) chega após ser questionado sobre a procedência do treinamento do senhor Han, um marido de aluguel, foi que “É a China, todos sabem kung-fu”; uma clara má concepção do povo chinês, pois é uma manifestação cultural muito popular do país, porém não obrigatória na formação dos indivíduos, assim como o estereótipo de “todo brasileiro sabe sambar”. Tal generalização,  apesar de parecer inofensiva, fere a concepção do mundo sobre a China. 

Apesar da falta de tato no roteiro para tratar a cultura local, existem aspectos bons a serem extraídos do filme. A cinematografia apresentada nas lutas são ótimas, atraem a atenção pela agressividade do combate corpo a corpo – feito da coreografia da equipe de dublês de Jackie Chan e de Wu Gang, mestre de wushu que treinou o filho de Will para o papel. O uso de slow-motion para essas cenas também trouxe uma maior exploração dos movimentos marciais ao público, além de envolver mais dramaticidade aos acontecimentos.

Dentro do ambiente pesado de lutas e agressões, a oportunidade de abordar pautas importantes cresce. Um dos principais alertas instalados ao longo da trama é sobre o bullying, quando Dre é perseguido e agredido física e verbalmente por um grupo de crianças da escola após despertar interesse em Meiying, garota da qual um dos ‘valentões’ é amigo. Em conjunto com essa narrativa, é interpretada a dificuldade de adaptação entre culturas muito distintas. O início da obra é basicamente mostrando essa experiência, desde a barreira linguística até às diferenças de instalações domésticas. Por último, mas não menos importante, o senhor Han desenvolve – de forma interativa e subentendida – uma lição sobre a maestria, que para todos os aspectos da vida, só se atinge com constância e tempo.  

Na construção da identidade do filme e seu roteiro, a produção decidiu mudar a arte marcial que dá nome a franquia original, indo do karatê ao kung fu, mas mantendo o nome exato. Um erro compreensível, se levarmos em consideração a necessidade de chamar a atenção dos fãs dos clássicos dos anos 80 e reforçar que é um remake. A principal razão para essa troca vem da escalação de Jackie Chan e a localidade das filmagens, adequando-se às origens do ator e à principal luta praticada na China – não à toa, a obra foi traduzida como As Maravilhas do Kung Fu no país.

Portanto, assim como proposto na modalidade cinematográfica, o plano de estrutura de Karate Kid (2010) seguiu a mesma narrativa do tradicional com Ralph Macchio, entretanto surpreendeu com mudança significativa do plano de fundo, escolha de atores e easter-eggs. Nesse sentido, era esperado uma abordagem mais cautelosa e ao mesmo tempo reflexiva do ambiente cultural apresentado, e cumpriram com o objetivo. E, assim como Dre em sua inserção à competição de kung fu sem sequer saber como posicionar-se contra um soco, o filme segue controverso e reafirmando o futuro de uma Hollywood cada vez menos criativa.

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