André Aguiar

O que acontece quando fazer o que ninguém está fazendo te torna mais entediante do que original? Após um intervalo de 10 anos desde que lançou seu último projeto solo, Bruno Mars retorna com The Romantic, um trabalho em que o charme do Bruninho não é tão convincente como um dia já foi. Sua posição na indústria musical permite que ele não retroceda mesmo com críticas negativas e uma recepção agridoce do público. Entretanto, quem está aqui apenas pela boa música ainda se questiona se as decisões criativas do artista partem de um lugar de influência ou de conforto. 

Há 10 anos, Bruno Mars era inevitável. Levando o seu já conhecido som nostálgico ao funk das décadas 1980 e 1990 com o disco 24k Magic (2016), ele se tornava cada vez mais merecedor do título de hitmaker que tem hoje. Nos últimos anos, o cantor se recusou a sair do radar do público e emplacou hits irritantemente bem-sucedidos no topo das paradas, como APT. com ROSÉ e a Grammy-winner Die With A Smile, dueto com Lady Gaga, que dispensa qualquer apresentação. Além disso, o projeto em parceria com Anderson .Paak, Silk Sonic, rendeu à dupla um álbum aclamado que se tornou um ponto alto da discografia de ambos os artistas, evocando uma sonoridade fresca espelhada no soul setentista. A decepção bateu quando o posterior ato solo do Bruninho chegou e o resultado era uma versão sem alma do que, anos antes, era inovador.

A maior parte de The Romantic soa como ideias que até tentam se desvencilhar do An Evening With Silk Sonic (2021), mas a sensação é a de que prevalece uma certa conformidade em refazer o que deu certo. Faixas como God Was Showing Off e Nothing Left não mostram muito esforço de Mars em se desafiar e prosseguir de uma das melhores fases de sua carreira, que aconteceu cinco anos atrás. As diferenças são mais notadas em leves nuances do que de fato em direções ou conceitos claramente definidos. 

A banda Silk Sonic trouxe certa novidade ao som de Mars, em grande parte devido à presença de Anderson .Paak, uma voz conhecida em nichos do R&B e da música alternativa que, junto a um amigo das massas (Bruno Mars) fizeram mágica. A personalidade e a musicalidade de Paak em estúdio e nas performances ao vivo colaboraram para que a audiência não pensasse no ‘quão cafona são dois homens de quase 40 anos dançando em conjuntos revestidos de glitter com coreografias simples e sincronizadas’, tudo era envolvente, desde a música à estética, pois o compromisso era com a ideia em si. 

No projeto compartilhado, o selo de qualidade e aprovação crítica vinham de Paak, e os números astronômicos e hits de rádio vinham de Mars. Na tentativa de reproduzir isso sozinho no novo disco, Bruno falha porque o que sobra fora do Silk Sonic é, em sua maioria, o que o torna parte do mainstream: o processado e o que é mais aparente como produto do que como obra de arte. 

Nas poucas camadas inventivas de The Romantic, é possível perceber uma aura de grupos de vocalistas negros estadunidenses dos anos 1960, como The Flamingos e The Temptations. Seja na resposta de vozes no refrão da balada Why You Wanna Fight? ou na melosa faixa de encerramento Dance With Me, existe um espírito coletivo pairando ao decorrer do LP. Os últimos registros de destaque de Mars nesta década mostraram o poder de uma colaboração com o cantor e como ele se conecta com a atmosfera de ‘banda’, e talvez fosse melhor se tivesse continuado assim, de feat em feat. Deve ser difícil para o Bruninho – e talvez para alguns de nós – superar os dias de Silk Sonic.

Outro grande dilema de The Romantic é a linha finíssima, na verdade, quase invisível, entre imitação e referência. Mars ocupa o lugar tão cobiçado da indústria de ter um nome tão potente que dá a ele liberdade de fazer o que quiser, o que acaba caindo por terra quando o seu repertório resulta em cópias das suas musas. On My Soul é uma das canções mais cativantes do álbum, porém, sua inspiração original, Move On Up, de Curtis Mayfield, se torna uma experiência mais proveitosa, preenchida e instrumentalmente interessante do que a peça produzida por Bruno Mars. 

A mesma coisa acontece com Something Serious, que poderia até ser creditada como sample ou interpolação da clássica Oye Como Va, interpretada originalmente pela banda Santana – liderada pelo mexicano Carlos Santana. O sentimento é de que o disco se ancora nas referências icônicas do vocalista e não dá conta de existir por si só.

Ninguém mais no top 50 do Spotify global leva jeito para re-introduzir obras tão emblemáticas do soul como Mars, e mesmo assim não é difícil questionar, na metade de The Romantic, se você já não ouviu essa música antes na tracklist. As únicas exceções e belas surpresas são as duas faixas que abrem o projeto: Risk It All e Cha Cha Cha que, envoltas por latinidade, remetem diretamente às raízes do Bruninho. A primeira é uma balada centrada no violão e numa linha melódica tão atemporal que, mesmo tendo uma sonoridade única comparada à discografia do artista, o ouvinte ainda sente alguma familiaridade. 

Já na segunda, essa ânsia por trazer novos ares à ambiência de Leave The Door Open e Smokin Out The Window funciona melhor. Há mudanças agradáveis na dinâmica rítmica da canção e aquele molho apaixonante do cantor que é capaz de levar músicas tão complexamente projetadas à boca do povo. Para um disco que se prende tanto ao passado – do cantor e do soul – esses dois registros são pequenos passos de bebê rumo a uma nova fase artística.

The Romantic encaixa bem como título deste álbum, pois não revela nada novo sobre Bruno Mars. Ser romântico e piegas o levou ao topo 15 anos atrás, e hoje, mesmo que não seja tão convincente, ainda o deixa lá. I Just Might, lead single do disco, alcançou o primeiro lugar da parada da Billboard nos Estados Unidos na semana em que foi lançada. Ele é um dos únicos grandes artistas capazes de resgatar tão fielmente o som de uma época, incorporar numa roupagem atual, e dominar os charts com isso. Ainda assim, um truque feito tantas vezes pelo mesmo mágico, por mais fascinante que seja no começo, não te faz mais querer saber os segredos de quem está com o coelho de pelúcia na cartola o tempo todo, é só chato mesmo.

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André Aguiar

“Bem-vindo / Número um: movimento corporal, não fique parado / Número dois: fale apenas em glória, deixe sua bagagem em casa / Número três: não toque no vidro”. Logo em suas primeiras linhas, Tyler, The Creator esclarece o passo a passo para um ouvinte que deseja ter a experiência completa de DON’T TAP THE GLASS, seu nono álbum de estúdio. Lançado apenas oito meses após o indicado ao Grammy de Álbum do Ano CHROMAKOPIA (2024), o disco de 2025 mostra o lado mais escrachado e extrovertido do rapper. Tyler Okonma, que já é referenciado como um nerd da música e que costuma operar de forma mais solitária, entrega um produto descolado de sua obsessão pela Arte e seu vasto repertório.

A busca de Tyler pela urgência e entusiasmo vem em contraste direto à densidade temática do antecessor CHROMAKOPIA, projeto carregado de vulnerabilidade e composto pelas crises mais pessoais do produtor e compositor americano aproximando-se dos 30 anos de idade. Mesmo assim, versos em Rah Tah Tah e Sticky já sinalizavam um ‘basta’ criativo que não demoraria a ser entoado. A única preocupação de DON’T TAP THE GLASS é a diversão. Não há espaço para muitos rodeios ou enrolações, o foco é ser direto, músicas curtas, sem muitas viradas de beat, sem pontes, sem intros e outros muito longas. Na época do lançamento, Tyler deixou uma declaração um tanto honesta via X sobre o álbum: “É melhor vocês baixarem suas expectativas, isso não é nada conceitual”.

DON’T TAP THE GLASS é um disco mais focado em atmosfera do que em conteúdo. No fim das contas, não importa tanto o que Tyler está dizendo, mas como cada elemento da música colabora para gerar esse efeito contagiante e que te transporta às incontáveis referências do artista no rap. A capa e os visuais já remetem a ícones da cena americana dos anos 2000, como LL Cool J e 50 Cent. Nas faixas, o rapper mostra sua dedicação e estudo extenso do gênero nos Estados Unidos. Sucka Free, por exemplo, é uma ode à formação musical de Okonma crescendo na Califórnia. O groove solar da costa oeste americana exala a cultura hip hop que encantou o T pela primeira vez na sua infância em Hawthorne, além de referenciar a antiga Odd Future Wolf Gang na letra, o coletivo que fundou e do qual fez parte no início da carreira.

A jornada pelo rap americano no álbum continua em momentos como Don’t You Worry Baby, um Miami Bass meloso com participação de Madison McFerrin fundamentado no R&B e nos acordes hipnotizantes que já são marca registrada do produtor. No mesmo embalo, Ring Ring Ring soa como uma demo perdida de Off The Wall (1979), na qual o Tyler tímido e romântico de IGOR (2019) retorna e se envolve numa atmosfera Disco, unindo riffs de violino, sintetizadores e toques de telefone. DON’T TAP THE GLASS abre espaço para as faixas mais melódicas de Tyler, The Creator, e que geralmente são as mais bem-sucedidas, como See You Again e Like Him. A abordagem livre de regras optada pelo rapper na criação do projeto não se compromete com flows malucos ou versos muito elaborados, e essa falta de complexidade não torna a imersão menos interessante.

I’ll Take Care of You é um dos momentos mais experimentais do disco. Aqui, o Creator desmancha as estruturas que estava acostumado a seguir e constrói um dos atos mais tocantes da sua carreira, não só pela mensagem, mas principalmente pela sensibilidade da produção e composição da faixa. Yebba colabora com vocais angelicais cantando o singelo refrão “Eu vou cuidar de você”, enquanto samples dos versos de Killa C e Princess em Knuck If You Buck, do grupo Crime Mob, trazem uma rítmica envolvente para o cenário orquestrado na música. Além desses samples, o artista reutiliza o beat da faixa-título de seu próprio álbum, Cherry Bomb (2015), incompreendido na época de seu lançamento, mas redimido em partes através da aparição bem-vinda aqui.

Outro lado de DON’T TAP THE GLASS conta com as rimas debochadas e divertidas do compositor marcando presença. “Você pode pegar um treino, mas não na academia / Não precisa mentir, nós podemos sentir o cheiro de Ozempic”, na faixa que dá nome ao projeto, por exemplo, mostra o quão pouco preocupado o rapper se encontra em compor letras pessoais e profundas nesta era, e isso passa longe de ser algo ruim. Tyler comenta para a Apple Music que este álbum é só ele “sendo bobo” e rimando piadas internas de seus amigos. Depois de dar sangue e suor em trabalhos extensos e viscerais, Okonma parte para o retorno à forma e para os tesouros que o fizeram se apaixonar pelo rap em primeiro lugar.

Em entrevista para a HOT 97, o T assumiu que não considera este um projeto de dance music, uma vez que o rótulo é associado a gêneros como techno e house. Entretanto, houve um esforço na criação do disco em fazer os ouvintes dançarem – como o artista ordena na abertura – e se entregarem ao caos hipnotizante que guia esta tracklist. Esse objetivo é plenamente alcançado na potente Sugar On My Tongue, o ponto mais enérgico do álbum. Oito batidas marcam o início da música que tem um drop de fazer qualquer um mover os pés instantaneamente no ritmo. Ao som de um instrumental que lembra uma SexyBack acelerada, o Tyler veste a camisa pop numa letra sensual e charmosa. “Me dê um pedaço de creme, é seu aniversário? / Eu tenho um pincel, me dê suas paredes e eu vou pintá-las / Não preciso de ar, eu fico aqui até desmaiar”. É uma explosão irresistível.

Com DON’T TAP THE GLASS, Tyler, The Creator redefine o imediatismo e a urgência contemporânea em um ‘falso conceito’ libertador e refrescante. É um álbum criado para agradar o pequeno Tyler Okonma pré-adolescente, fã de Usher e Pharrell Williams, fissurado pelos discos de seus artistas e grupos favoritos e por curtir boa música. Aos 34 anos, o rapper espreme todo o suco de suas paixões e o resultado é um corpo de trabalho extravagante e cheio de repertório. Mesmo que,  intencionalmente, ele tente não levar sua Arte tão a sério aqui, a qualidade de seus projetos mais aclamados ainda ecoa em frequências camufladas. Cuidado! Não toque no vidro, porque do outro lado há um criador livre e talentoso demais.

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André Aguiar

Em dezembro de 2024, Hayley Williams questionava suas motivações artísticas e as direções que sua carreira tomaria. Ao encerrar um contrato abusivo de 20 anos com a Atlantic Records e fundar o próprio selo independente, Post Atlantic, a artista encara uma estante repleta de possibilidades longe da banda em hiato Paramore, na qual atua como vocalista, compositora e instrumentista. Mesmo tendo o grupo de The Only Exception e Still Into You desde a adolescência como plataforma para vocalizar suas crises e triunfos enquanto mulher na indústria da música, Williams ainda carecia de liberar um brado ensurdecedor sem que ninguém a podasse.

Os primeiros trabalhos solo de Williams, Petals For Armor (2020) e FLOWERS for VASES / descansos (2021), traziam uma sonoridade seca e minimalista, mas que ainda lembrava a dos projetos da Paramore, na época, e composições não tão honestas e confessionais quanto em Ego Death. “Eu preciso ficar mais metafórica logo”, brincou a cantora durante entrevista para a Alternative Press ao comentar sobre as letras “ultra-pessoais” do disco. O álbum desbrava a mente crítica e sensível de Williams em nuances que os fãs jamais esperariam conhecer, perto dos 40 anos e com uma percepção irreconhecível da realidade comparada à da jovem adulta que escreveu Misery Business.

Inicialmente, Ego Death At A Bachelorette Party teve um lançamento não muito convencional. No dia 28 de julho de 2025, através de um download por código no site oficial de Williams, o usuário recebia acesso a 17 novos singles. No dia 1 de agosto, os singles foram disponibilizados separadamente nas plataformas digitais de áudio e, ao final do mês, no dia 29, o LP completo é lançado com a ordem das músicas formada a partir de sugestões dos fãs via e-mail e com a adição da faixa Parachute. Posteriormente, Good Ol’ Days e Showbiz também compuseram a tracklist. Essa estratégia totalmente oposta às demandas da indústria refletiu o estado em que a artista se via no processo de criação, percebendo suas direções pouco a pouco e se permitindo gastar quantas palavras e ideias fossem necessárias na concepção do projeto.

Sonoramente, o álbum é plano. O produtor e colaborador de longa data, Daniel James, mantém uma atmosfera cinzenta e melancólica na maioria das canções, mas que, pontualmente, encontra nuances diferentes. Às vezes flerta com um pop amigável – como em Whim e Love Me Different – outras com um acústico etéreo e mais lento – Blood Bros e Negative Self Talk – contudo, na maior parte, é uma sonoridade linear: um pop rock alternativo estável que dá espaço para o conteúdo brilhar. A inventividade deste trabalho não é o seu som, porém isso é compensado em totalidade pelas palavras meticulosamente escolhidas, que constroem um disco afiado e genial.

Na busca por independência na adultidade, Williams se depara com milhares de dilemas em si mesma que a desafiam. Em Kill Me, por exemplo, ela reflete sobre traumas geracionais e as responsabilidades femininas em papéis diferentes. Essas não são mais dúvidas de adolescente, e sim de uma adulta que colecionou muitas frustrações e cicatrizes ao longo da vida. Glum, sob outra perspectiva, é um desabafo em torno de solidão e amadurecimento. “A caminho dos 37 anos / Eu não sei se um dia vou saber o que raios estou fazendo aqui / Alguém sabe se isso é normal?”. Infelizmente, a onisciência e a sabedoria plena não são atributos que alguém recebe logo depois dos 30, no entanto, reconhecer a ausência deles já é alguma coisa. Depois de tanto tempo, a cantora já aprendeu que ‘não saber’ pode ser um sinal de que ela percorre o caminho mais prudente.

Um dos destaques do álbum é Mirtazapine, uma carta de amor da compositora direcionada ao seu antidepressivo. Ao som de um grunge vibrante, Williams narra diversas situações em que seu frasco de mirtazapina foi sua única salvação. “Aí vem meu gênio em um frasco de rolha / Para me conceder consolo temporário / Eu nunca poderia ficar sem ela / Tive que escrever uma música sobre ela / Quem sou eu sem você agora?” Além de liberdade e autonomia, crescer também significa ter algumas pílulas medicinais viajando pelo seu organismo às vezes. Na letra, usar o medicamento como alívio momentâneo pode ser uma metalinguagem sobre a própria dinâmica ambígua da canção, que mascara sua mensagem sombria sendo o pico eufórico de produção do disco. A existência deste registro revela uma verdade não muito positiva, dito isso, apenas Hayley Williams poderia fazer uma música sobre remédio ser cool.

Ego Death também trata de questões externas que afetam a visão da vocalista quanto à política, feminilidade e a indústria e como elas refletem em sua jornada pelo autoconhecimento. Na faixa de abertura, Ice In My OJ, o elefante na sala já é endereçado: “Tenho gelo no meu suco de laranja, sou uma vadia de coração frio e duro / Muitos burros imbecis que eu tornei ricos”. O mal-estar do acordo entre Williams e a antiga gravadora foi real o suficiente para resultar numa amargura quase palpável e numa crítica assertiva. A faixa-título cutuca a mesma ferida, mas alega que o buraco é mais embaixo: “Eu serei a maior estrela neste bar de cantor country racista” é a primeira frase da música que revela a frustração de Williams quanto à realidade atrasada da cena musical de Nashville, cidade conhecida por lançar a cantora e outros grandes nomes da indústria no mapa, como Morgan Wallen, o qual a artista já confirmou ser uma inspiração para a composição.

True Believer se destaca por ser um ataque explícito e afiado ao racismo e ao fanatismo político e religioso praticados por grandes grupos do sul estadunidense. “Eles posam em cartões natalinos com armas do tamanho de seus filhos / Dizem que Jesus é o caminho, mas lhe deram um rosto branco / Assim eles não precisariam rezar a alguém que consideram ser inferior / O Sul não se levantará de novo”. A essa altura, é óbvio que estas composições não sofreram muita hesitação ou reparos, e nem por isso são preguiçosas, muito pelo contrário. A transparência imediata com a qual Williams aborda temas delicados como estes só a dá mais credibilidade. “Me casei uma vez usando botas de combate / Só ouvia música cheia de testosterona / Tive que matar minha feminilidade só para conseguir fazer isso”, desabafa a compositora junto às batidas eletrônicas e graves rígidos de Hard.

Toda essa honestidade lírica na criação do álbum levou Hayley Williams a experimentar uma escrita autobiográfica como nunca havia tentado. Claro que, de certa forma, sempre foi autobiográfico. No entanto, desta vez foi diferente, porque o público tinha ciência do relacionamento entre a vocalista e Taylor York, guitarrista da Paramore. O casal vivia um romance discreto, na medida do possível, desde 2022, e sofreu turbulências durante a concepção do Ego Death. Good Ol’ Days só não cita o nome de York, porém aborda todo o resto sem rodeios, com direito a linhas tão sinceras que causam até certo estranhamento vindo da artista: “Nós poderíamos sair por aí como se estivéssemos em turnê / Mesmo que você me queira só para isso / Você pode me chamar de ‘Sra. Paramore’”. A faixa também se difere por aproximar os vocais de Williams a um R&B envolvente que a serve muito bem neste caso.

O ápice confessional é Parachute, em que Williams narra o momento em que percebeu que estava com o coração partido. É a melhor música do disco e mostra como suas percepções, internas e externas, sobre a própria independência, afetam sua vida e sua relação com as pessoas. A faixa, mesmo referenciando sua relação conturbada com York, não é uma diss e não entrega conteúdo para as páginas de fofoca, mas ajusta o foco da narrativa para si mesma de maneira inimitável. A combinação do estilo de escrita diarística à la Taylor Swift, da impostação emotiva dos vocais de Williams e da ambiência reverberante do instrumental resultam no hino comovente e visceral que é Parachute, uma daquelas canções que devem ser cantadas a plenos pulmões e que elevam a cantora ao patamar de modelo e influência na comunidade artística como um todo.

Apesar de não pavimentar novas rotas, Ego Death At A Bachelorette Party percorre com destreza e elegância caminhos previamente trilhados. A inovação do terceiro – e possivelmente último – álbum solo de Hayley Williams poderia se apresentar como tiros desordenados a alvos mal estabelecidos. No seu caos, entretanto, a obra se torna o magnum opus de uma artista que descobriu a potência da própria voz ao decorrer de décadas sob o olhar obstinado da mídia e, agora, é refém somente da sua independência. A Miss Paramour faz um trabalho contemporâneo consistente e, mesmo longo, sem muitos excessos. Abrindo suas feridas ao público nas letras do disco, Williams alcança um status privilegiado na indústria, que não depende de números ou sucessos estrondosos, contudo, exige coragem e autenticidade para ser conquistado: relevância.

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André Aguiar

Qual o real custo da fama? Que nem tudo é brilho e glamour, todos sabem, mas que o mesmo sucesso que te leva ao topo, pode te levar ao túmulo, é uma verdade que poucos conhecem tão intimamente quanto Florence + The Machine em Everybody Scream, seu sexto álbum de estúdio. Depois de passar por severas complicações médicas durante a turnê do aclamado antecessor Dance Fever, Florence Welch, líder do projeto que leva seu primeiro nome, renasce do que foi um dos episódios mais vulneráveis de toda a sua carreira, totalmente coberta por resquícios de um aborto espontâneo arriscado, raiva feminina, um cinismo amargo direcionado à indústria musical e consumida por um desejo instintivo e incontrolável pela performance.

As composições de Florence não apenas transmitem uma aura mística como realmente aparentam possuir uma presciência muito da vida da artista. Em King, faixa do Dance Fever, uma das linhas profetiza quase exatamente o que de fato ocorreu à cantora. “Nunca imaginei que meu assassino viria de dentro” surgiu como uma premonição da gravidez ectópica que interrompeu violentamente sua turnê de 2023. Dez dias após a cirurgia de aborto espontâneo, a vocalista estava de volta aos palcos, porém totalmente diferente, mergulhando de cabeça numa avalanche criativa irresistível, a qual se desencadearia em um novo álbum: Everybody Scream.

A faixa inicial, homônima e primeiro single, Everybody Scream, já sintetiza os sentimentos gerais do álbum: raiva, amargura e delírio. Produzida pelos principais colaboradores da cantora nesta era – Mark Bowen (IDLES) e Aaron Dessner (The National) – e composta com a parceria de Mitski, a canção se inicia com um canto lírico e um órgão tímido até explodir em um shuffle que carrega com peso a atmosfera horripilante da faixa. No videoclipe, dirigido por Autumn de Wilde, Florence se junta a um grupo de bruxas que invadem uma mansão e praticam uma espécie de exorcismo coletivo, evocando o terror dos anos 1970 e 1980.

Welch enxerga a performance como uma experiência transcendental e, até mesmo, espiritual. É um espaço não apenas de liberação emocional durante o processo criativo, como também um antídoto infalível, inclusive fisicamente. O palco é um lugar seguro, onde ela se percebe plenamente viva e, mesmo que tenha causado suas dores mais intensas, é ali onde ela pertence. “Olhem para mim ficando exausta / Sangue no palco / Mas como posso deixá-los quando estão gritando meu nome?” Esse paradoxo guia a linha temática do disco e aproxima o ouvinte da atual mentalidade da performer quanto ao seu trabalho.

One Of The Greats é um ponto alto de Everybody Scream. A canção começou como um poema – assim como grande parte do projeto – sendo a letra um destaque perante toda a discografia da compositora. Aqui, ela obedece seus pensamentos intrusivos mais sombrios e exprime em alto e bom som tudo aquilo que sempre a assombrou durante seus quase 20 anos de carreira, em um fluxo de consciência de se ouvir boquiaberto. “Deve ser legal ser um homem e fazer música entediante só porque você pode” e “É engraçado como os homens não acham o poder muito sexy”, por exemplo, explicitam a acidez e a amargura dos dilemas de gênero que enfrentam a artista face a face sendo uma mulher bem-sucedida no mercado do entretenimento. Nesta faixa, Florence reconhece que a grandeza é uma barganha, e assume que é “feminina demais para operar” de acordo com os termos a ela propostos.

Ao canalizar toda essa raiva feminina nas composições de Everybody Scream, a britânica executa um uso assertivo do recurso linguístico do zoomorfismo. Em linhas como “Não há ninguém mais monstruoso do que eu” (Witch Dance), “Criatura das profundezas, eu te assombro nos seus sonhos? / Meus tentáculos tão carinhosos enquanto acaricio sua bochecha” (Kraken) e “Um instinto animal recomeçando” (The Old Religion), a artista realiza uma mutação quando referencia a si mesma como uma fera indomada e insaciável, seja faminta pelo prazer das apresentações ou frustrada pelas regras injustas do jogo da indústria. Com um vocabulário visceral e, por vezes, anatômico, a compositora finalmente vomita para fora de si a besta enjaulada que, por anos, engoliu seco.

Sonoramente, o álbum tem uma camada mais fina que mostra o lado da monstruosidade ambígua que devora os relacionamentos de Florence Welch. Em Buckle (também co-escrita com Mitski) e Music by Men, a compositora lamenta a volatilidade que acompanha seus interesses românticos durante a turbulência da vida entre coxias e quartos de hotel. Ela culpa a si mesma por não sustentá-los, assumindo que “se apaixona por qualquer um que a diga que ela é bonita”. Entretanto, em Music by Men, a metade cheia do copo, ela sabe bem que a paixão da sua vida não está escondida no coração de alguém, mas no mesmo lugar que, vez após vez, foi sua casa. “Que não seja um holofote sozinho / Correndo de volta ao único amor que eu poderia controlar”.

Se para Florence + The Machine a Arte é uma profecia, em outra nuance de Everybody Scream a artista busca manifestar um futuro bonançoso e feliz com amor incondicional. Sympathy Magic, produzida por Danny L Harle (Caroline Polachek, Dua Lipa, Charli XCX), é um estrondo eufórico e épico que tem o gosto hínico de Dog Days Are Over unido às tendências eletrônicas do colaborador. Com percussões fortes, vocais dinâmicos da cantora, orquestra e coral, a faixa soa como a trilha sonora de um trailer de filme de ação com um dos melhores refrões do disco: “Eu não tento mais ser boa / Isso não me ajudou como disseram que ajudaria”. Analisando essa canção sob a perspectiva da narrativa do álbum, ela seria o estágio de cura que a compositora experimenta ao se entregar de uma vez por todas à realidade que, antes, a apavorava. Ela está pronta para mais uma batalha.

“Então venha, venha, eu aguento!

Me dê tudo o que você tem

O que mais? O que mais?” – Sympathy Magic, Florence + The Machine

A faixa And Love conclui com uma atmosfera serena e um arranjo de harpas angelicais, envolvendo ternamente as lições aprendidas por Florence sobre o amor na estrada irregular que guia as demais músicas. É a última súplica da artista antes de encarar seus próximos fantasmas. Aqui a autoconsciência da compositora é tão potente que, estando à beira dos 40 anos de idade, reconhece suas conquistas e erros ao longo da vida e se coloca à postos para o próximo passo com um coração totalmente renovado. “E o amor não era o que eu pensava / Mais como um animal rastejando profundamente para uma caverna / Do que uma heroína de um romance sendo levada embora / Mais como se render a algo”.

Everybody Scream marca um ponto chave na carreira de Florence Welch, em que suas percepções e motivações são batizadas nas sagradas águas do seu amor pela performance. Este álbum é um testamento de que a cantora e compositora não deixará a música tão cedo e que a adrenalina consumidora dos seus anos iniciais na música é o combustível inesgotável que a mantém intensa em cada palco que pisa. Ao som de epopeias cadenciadas e palavras afiadíssimas, Florence + The Machine se torna um poder definitivo da música alternativa, um monumento de legado indiscutível e um espelho para qualquer artista que almeja trilhar as rotas tortuosas da fama.

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