Guilherme Moraes

Depois da trilogia original, a volta de Star Wars nos anos 2000 causou grande alvoroço. Eram muitas expectativas para a história de origem de Darth Vader, que, na época, não foram atendidas (ainda que o último capítulo tenha sido poupado). A mudança de tom pode explicar tal aversão a trilogia prequel. Se a original conservava um espírito aventuresco, esta foi tomada por uma dramaticidade muito teatral. Contudo, 20 anos depois, a trajetória de Anakin Skywalker (Hayden Christensen) e, principalmente, Star Wars: Episódio III – A Vingança dos Sith está sendo revisitada e entendida como é: um grande conto sobre destino e tragédia greco-romana.

Dentro do contexto da Nova Hollywood e do surgimento dos primeiros blockbusters, os episódios IV, V e VI adotaram um teor heróico que estava em voga entre alguns cineastas do período, como Steven Spielberg, Robert Zemeckis e o próprio George Lucas, que assinou apenas o primeiro capítulo da saga. A jornada de Luke Skywalker (Mark Hamill), não apenas está inserida dentro desse cenário, como também foi um dos pilares desse momento do Cinema norte-americano e mundial.

Desta vez, o criador dirigiu todos os três filmes, o que deu uma maior consistência para essa saga. Não necessariamente em questão de qualidade, mas, sim, em questões estilísticas: havia uma ideia clara de com o que trabalhar, e como a derrocada de Anakin aconteceria. A Vingança dos Sith é o ápice qualitativo, em que a teatralidade assume totalmente o tom, com o intuito de valorizar as concepções de tragédia e destino, algo muito associado ao Teatro Grego e, neste caso, a Édipo Rei (427 a.C).

Na obra de Sófocles, o Oráculo de Delfos prevê que Édipo irá matar seu pai, o Rei de Tebas, e se casar com sua mãe. A fim de driblar o destino, eles o enviam para a morte. Entretanto, a criança sobreviveu e foi adotada por outra família. Anos depois, já adulto, o herói descobre sobre a Profecia a qual está ligado e, como consequência, decide abandonar sua cidade, também com o intuito de evitá-la. No meio de sua jornada, Édipo se desentende com um homem e o mata, sem saber que aquele era seu pai biológico. Assim, a primeira parte da profecia se cumpre. Chegando a sua cidade natal, encontra uma esfinge que lhe faz uma pergunta, até então, nunca solucionada. Ao acertá-la, ele é bem visto por todos e, desta forma, é proclamado o Rei, se casando com a sua mãe, a Rainha. Ao consultar o Oráculo pela última vez, Édipo descobre que o seu destino se concretizou e, vendo todo este horror, decide arrancar os próprios olhos, enquanto a matriarca se suicida.

Em A Vingança dos Sith, Anakin tem sonhos com a morte de Padmé (Natalie Portman) durante o parto. Uma vez que a vida de sua esposa e filhos estão ameaçadas, ele busca a qualquer custo evitar a fatalidade. No entanto, seu empenho pela salvação o leva cada vez mais ao “lado escuro da força”. A história de Skywalker se associa a de Édipo, na medida em que, quanto mais eles tentam fugir de sua sina, mais seus caminhos os levam a ela. Assim como a Rainha se suicidou, Padmé perdeu a vontade de viver e, assim como o Rei arrancou os seus olhos, o Jedi perdeu vários membros de seu corpo, desta forma, selando seu destino trágico.

Diferente de outras histórias de origem, que estão interessadas apenas em retratar a transformação de um personagem, essa se destaca por pensar no como contar. A inspiração em Sófocles não está apenas no enredo e, sim, na narrativa; no tom adotado. O público já sabe o final da história, mas o que interessa é a abordagem. A criação de Darth Vader não é uma consequência, é um destino que deve ser cumprido. É uma tragédia grega, inevitável, reforçada pela teatralidade da obra.

George Lucas sabe muito bem conciliar o surgimento de Luke e Leia (Carrie Fisher), com a criação do Sith. São contrastes que vão muito além de dar coesão ao universo, eles dão força à narrativa. É a gênese de um herói, com a de um vilão. Falece o pai, nasce o filho. Cai o falso profeta, enquanto ascende o verdadeiro. Vários paralelos são concebidos em poucas cenas, é uma carga emocional que foi trabalhada durante as duas horas do longa-metragem. A construção do Lorde Vader representa a destruição total de Anakin. Some o humano, intenso, imprevisível, cheio de personalidade, em detrimento da máquina, fria, arrogante, inócua, burocrática e perfeita. A persona de Skywalker é queimada para surgir o Lorde Sith. Ele morreu para renascer de outra forma.

A teatralidade está impregnada na obra, não apenas pela história, mas principalmente pela forma. A maneira como a câmera de David Tattersall dramatiza o protagonista, muito por closes e com uma iluminação que realça os olhares. Ademais, os cenários de Piero Di Giovanni e Richard Roberts o transformam, enquanto o templo dos jedis tem cores mais amenas, e a sua casa tons mais românticos, o escritório do Senador Palpatine (Ian McDiarmid) é vermelho vivo, assim como o planeta da batalha final. Outro ponto que chama a atenção são as atuações. Os atores colocam mais energia nas falas do que na fisionomia, além de expressarem seus sentimentos de forma mais intensa, o que é muito típico do Teatro.

Star Wars: Episódio III – A Vingança dos Sith, em conjunto com seus dois antecessores, talvez sejam os que melhor entendem as verdadeiras qualidades da franquia. Contemporâneo à Indiana Jones (1981) e Taxi Driver (1976), a saga de Luke Skywalker não consegue acompanhar o senso aventuresco do longa de Steven Spielberg, nem o discurso político de Martin Scorsese. Nesse sentido, a trilogia prequel entendeu que sua maior força está na análise da jornada do herói e coloca a aventura como motor do filme, além de emular a política da Roma Antiga para fortalecer essa relação teatral. De Anakin a Luke, e de Luke a Kylo Ren (Adam Driver) e Rey (Daisy Ridley), é sobre figuras que, popularmente, se tornam lendas, mas falham constantemente, afinal, são todos humanos. É a jornada do herói que é, simultaneamente, idealizada, humana e shakespeariana.

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Thuani Barbosa

Dois jovens cowboys em um trabalho de verão nas montanhas, e nenhum dos dois poderia imaginar o quão alterado seriam seus destinos. O Segredo de Brokeback Mountain é o tipo de filme que surpreende o espectador a cada vez assistida, seja nas paisagens montanhosas que emanam a sensação de vastidão e plenitude, na singularidade de seus personagens, na interpretação impecável do elenco ou na explosão de emoções que chocam o peito de qualquer um. 

Jack Twist (Jake Gyllenhaal) é falante, expressivo e amoroso, um personagem carente, que leva consigo a frustração de não viver o amor e expressar sua sexualidade da maneira que deseja. Ennis Del Mar (Heath Ledger), quieto e sensível, se mostra o tipo de personagem acalentador, o qual se acostuma com a quietude e aprende a entender o sentimentalismo, como Chiron de Moonlight: Sob a Luz do Luar. A semelhança é presente em vários vieses, ambos homens homossexuais, que cresceram sem a presença significativa dos pais e se tornaram homens silenciosos mas cheios de sentimentos, que enfrentam as dificuldades da vida praticamente sozinhos.

Após serem contratados para passarem uma temporada cuidando de ovelhas no alto da montanha Brokeback, Jack e Ennis, até então desconhecidos um pelo outro, precisam vivenciar seus dias juntos na isolada colina, criando uma convivência bruscamente rasa devido ao silêncio do loiro. Com o passar do tempo, a chegada do inverno os abate fortemente, fazendo com que, em uma noite gélida, Jack convide o outro para dormir em sua barraca. E é neste breve momento de “guarda baixa” que ambos se rendem à tensão sexual do ambiente e passam por uma noite de grande desejo e paixão.

Com o fim do trabalho, os rapazes se separam, dedicados a viverem vidas distintas. Assim, diante da impossibilidade de ficarem juntos, ambos se casam. Jack com Lureen (Anne Hathaway), filha de um grande empresário agropecuário, e Ennis com Alma, uma jovem do interior (Michelle Williams). Um com um filho, em uma família abastada no Texas, e o outro lidando com dificuldades financeiras com três crianças, eles vivem totalmente diferentes, mas com uma coisa em comum: a infelicidade.

Uma das sensações constantemente presentes no desenrolar dos 134 minutos de duração é o medo, demonstrado em momentos como, por exemplo, nas conversas sobre morarem juntos em um rancho isolado e nos beijos desesperados às escondidas. O estado de alerta para qualquer vislumbre de olhares desconhecidos chega a ser palpável e remete fortemente à homofobia da época. O medo pesa sobre Ennis quando ele descobre a maneira que Jack foi morto, mesmo que ouvindo uma explicação racional, ele só consegue imaginar seu parceiro sendo espancado. Fato que também fala muito sobre a produção e a maneira que a trama é rodeada de subjetividade, não só sentimentalmente, mas também na indução de ideias.

Além das inúmeras indicações a grandes prêmios, como Critics Choice Awards, BAFTA, Globo de Ouro e outros, o filme foi ganhador de três Oscars: Melhor Roteiro Adaptado, Direção e Trilha Sonora Original; três Globos de Ouro: Melhor Diretor, Roteiro de Cinema e Melhor Canção Original. E, para a surpresa do público de 2006, os atores principais foram premiados como o Melhor Beijo no MTV Movie Awards. Mesmo com tanto reconhecimento, o maior troféu que a obra deixou foi a atuação divina de Heath Ledger, sendo uma das últimas produções do ator antes de sua morte prematura.

O longa é um roteiro adaptado do conto que leva o mesmo nome, escrito por Annie Proulx. Os contos da autora sempre se passam no Wyoming, estado em que ela vive e que a inspira com suas paisagens rochosas. Imerso na cultura de cowboys americana, a produção exibe com afinco os rodeios, ranchos e danças countrys. Tal foco se deve ao brilhante diretor Ang Lee, já conhecido pela versatilidade de suas obras, horas dando vida a aventuras em alto mar e ao desconhecido, outras abordando a sensibilidade de um amor improvável, como em Projeto Gemini, Razão e Sensibilidade e As Aventuras de Pi, filme que lhe rendeu outro Oscar de Melhor Direção.

Lançado em 2005, em um momento da história em que a comunidade queer já tinha certos tópicos sendo trabalhados e alguns espaços no audiovisual, como o talk show da comediante Ellen Degeneres, mas a homossexualidade ainda era vista como uma imoralidade e um grande tabu, ao qual não se falava sobre. Alguns dos atores já chegaram a comentar não ter imaginado que a produção se tornaria tão grandiosa. Mas, graças ao enredo tão cativante e bem desenvolvido, a trama ganhou grande reconhecimento, o que, de uma certa forma, veio a dar credibilidade para a comunidade LGBTQIA +. 

O Segredo de Brokeback Mountain, Ang Lee e seu elenco tiveram que caminhar para que filmes como Ataque dos Cães pudessem correr e atingir brilhantemente o público que alcançam hoje. O longa se tornou o tipo de referência que as pessoas usam para citar o primeiro filme em que se viram representados por amar uma pessoa do mesmo gênero. A única tristeza que o enredo nos deixa é o viver sôfrego dos protagonistas, o pensamento incessante de que eles poderiam ter vivido felizes e se sentindo inteiramente amados nunca vai abandonar o fãs, principalmente aqueles que se emocionam com a emblemática e maravilhosa cena em que Jack confessa para Ennis: “às vezes sinto tanto a sua falta que mal consigo suportar”.

Mesmo com um final solitário e triste, não há quem não ame Brokeback Mountain. Deixando sua marca nas mentes e nos corações, é o tipo de filme do qual se termina em lágrimas (junto com o personagem). O longa deixa um grande questionamento acerca da homofobia no antigo Estados Unidos, focalizando no estilo de vida country, e, mesmo com tantos conflitos, consegue passar exatamente a sensação de estar apaixonado e não poder viver aquele amor em toda a sua profundidade. 

O amor  fervoroso, cruel e desesperado que este drama retrata não é encontrado em clichês românticos, portanto o espectador pode chorar com orgulho ao fim dos momentos indescritíveis proporcionados por essa esplendorosa criação. Sofre-se quando eles sofrem e alegra-se quando eles se alegram. Tudo isso na montanha Brokeback.   

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