Amabile Zioli

Adaptar a história de uma tragédia real para o audiovisual sempre envolve muita responsabilidade. Depois de reduzir os acontecimentos catastróficos da Tailândia de 2004 a um clichê dramático hollywoodiano em O Impossível,  J. A. Bayona se redimiu com A Sociedade da Neve, trazendo para as telas, mais uma vez, mas sob outra perspectiva, a tragédia ocorrida nos Andes em 1972. A produção espanhola foi aclamada internacionalmente, o que rendeu uma indicação ao Oscar de Melhor Filme Internacional e Melhor Maquiagem e Penteados.

Em 13 de Outubro daquele ano, o voo que levava a equipe amadora de rugby e seus familiares de Montevidéu, no Equador, para Santiago, no Chile, colidiu com uma geleira e caiu na Cordilheira dos Andes. No momento da queda, alguns passageiros morreram imediatamente, e, os que sobreviveram, teriam que lutar pelas suas vidas pelos próximos 72 dias à espera do resgate. No total, 29 pessoas faleceram e 16 foram resgatadas com vida.

O que diferencia a obra mais recente das outras adaptações do fato pode ter sido a escolha do protagonista: ao invés de contar a história pelo ponto de vista de um sobrevivente, Bayona prefere seguir Numa Turcatti (Enzo Vogrincic), falecido no dia 11 de Dezembro, 11 dias antes do resgate. O uruguaio era retratado como uma figura corajosa e pacífica, e, para quem não está familiarizado com o caso, sua morte é um baque e completamente inesperada, afinal, na fórmula de Hollywood, o narrador nunca morre.

O símbolo do protagonista é o ponto de equilíbrio entre a sociedade de sobreviventes formada nos Andes. No dia a dia hostil e inóspito do ambiente em que se encontravam, havia aqueles que nunca perdiam as esperanças – e Numa era um deles. Se alojando na fuselagem do avião e sobrevivendo à base de restos de comida que trouxeram nas malas, um sistema de coleta de água e aflição, agonia e medo, o desafio enfrentado pelo grupo é desesperador de acompanhar.

Sem forçar um apelo gráfico, A Sociedade da Neve tem justificativa para as cenas agonizantes. Um dos momentos mais torturantes do longa é a colisão do avião: ossos quebrando sendo o único vestígio de trilha sonora, partes da lataria e passageiros se desprendendo e voando violentamente para o mar branco e cegante, feições aflitas, desesperadas e angustiadas tomam conta da tela e fazem o espectador ter vontade de cobrir os olhos.

Bayona não cai na tentação do sensacionalismo propagado pela imprensa e foge da explicitação ao representar um dos pontos mais comentados sobre o caso: o canibalismo praticado pelo grupo em busca de conservação. São os elementos ao fundo das cenas que trazem sentido à narrativa, apenas ver o embolado de meias onde a carne está armazenada é suficiente para o estômago se embrulhar. A relutância dos membros da sociedade, inclusive de Numa, para aderirem à ideia, se justificando, além dos próprios ideais, no catolicismo, reforça a agonia que sentiram quando perceberam que era sua última chance de sobreviver. 

Após acompanhar a jornada incompreensível dos 16 sobreviventes, é reconfortante assistir o momento em que descobrem que foram localizados. A forma com que, mesmo após a perda de peso quase fatal, a falta de higiene pessoal e cuidados básicos, o pensamento de que encontrarão suas famílias novamente dá forças para que eles escovem os dentes, penteiem os cabelos e arrumem suas roupas. A humanidade volta aos seus corpos. O resgate é catártico e libertador; é um milagre.

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Gabriel Gomes Santana

“Por que você veio até mim antes de ir à Polícia prestar queixas?”, disse o grande padrinho, Don Vito Corleone, no início de O Poderoso Chefão. Aclamado pela crítica, vencedor de três Oscars e dono da mais alta charmosidade cinematográfica, o filme de Francis Ford Coppola celebra cinco décadas. Você conhece aquela expressão “old but gold”, ou “velho, mas brilhante”? Se encaixa perfeitamente para resumir essa fantástica ascensão de um império americano à moda italiana. Este texto traz como tema central as nuances e razões que fazem da obra algo irrecusável, à frente de seu tempo e referência na arte de expor a máfia nas telonas.

Impossível não amar!

Utilizada como referência artística em diversos âmbitos da cultura pop, está para nascer um filme que tenha tanto reconhecimento do grande público. Se você mora no Brasil e nunca viu pelo menos uma pizzaria, barbearia, tabacaria ou qualquer outro estabelecimento com o nome inspirado nesse clássico das telonas, você vive no país errado. Diante disso, não confie em nenhuma classificação que coloque O Poderoso Chefão abaixo do ‘top 3’ de ‘Melhores Filmes de Todos os Tempos’. Digo isso por três óbvias razões: enredo, produção audiovisual e construção cênica. 

A começar pelo enredo, que por si só já é irrecusável, as propostas de cena e as planificações de filmagem fazem da trama única e enigmática. O fervor dramático é mesclado com cores quentes e trilhas sonoras épicas. As composições de cenário revivem os tempos do pós-Guerra e trazem consigo o ‘sonho americano’ de todo imigrante que busca crescer na América. Mas para que tudo isso fosse possível, era necessário escalar um elenco de peso que fizesse jus aos retratos que ali foram propostos.

O fardo de ter um elenco dos sonhos 

Figurinha carimbada de Hollywood, Marlon Brando foi escalado para atuar no filme que seria o mais emblemático de sua carreira. Àquela altura de sua fama, o ator estava sendo ‘jogado a escanteio’ para outros projetos, sem o merecido respaldo da crítica. Além disso, somente através de O Poderoso Chefão que Brando conseguiu desvincular qualquer rumor que o colocasse como um profissional limitado, que ainda gozava de um brilho ultrapassado nos tempos de sua adolescência. Don Vito, assim como Rocky (Sylvester Stallone), é um dos poucos personagens do Cinema em que encontramos assimilação imediata com seu intérprete. Não tem como enxergar em Marlon Brando outro personagem senão Don Vito.

Porém, se engana quem pensa que o ator topou de imediato protagonizar o papel de Vito Corleone. A convite de Coppola, o profissional teve árduas discussões com o jovem diretor até acertar os acordos comerciais da produção. Ao que tudo indica, Marlon teve que abdicar de cerca de 250 mil dólares de seu cachê pessoal. Enquanto o garanhão dos anos 1950 era veterano de sucesso, Al Pacino, por outro lado, ainda estava longe de ser uma estrela hollywoodiana.

De origem pobre e envolvido em diversos problemas de relacionamento, Al Pacino fugiu de casa aos 19 anos para bancar a escolha pela atuação. Sim, é como se o ator tivesse sido predestinado a seguir carreira artística, afinal sobrava talento. Após ganhar o prêmio Obie Award de Melhor Ator pela peça The Indian Wants the Bronx, os holofotes vieram para que, em 1971, surgisse o convite para atuar pela primeira vez no Cinema em O Poderoso Chefão como Michael Corleone, também a pedido de Coppola.

Já imaginou arriscar um papel tão importante nas mãos de um pupilo estreante? E não é que deu certo? É claro que ter o experiente Marlon Brando na equipe também ajudou, mas a atuação de Al Pacino deu de dez à zero em qualquer suspeita sobre suas qualidades cênicas. Em uma entrevista durante o Tribeca Film Festival, Robert De Niro confirmou que estava sendo sondado para o papel de Michael, no entanto, confirmou que não haveria ator melhor para executá-lo senão Pacino. 

Nas cenas do hospital e do batizado de seu enteado, Michael Francis Rizzi (filho de Connie), percebe-se a absurda transformação de Michael de um personagem tímido e confuso, no início, para alguém frio, calculista e inabalável. Num ritmo frenético, a trama expõe como o destino está ligado às escolhas da vida que, apesar de serem imprevisíveis, podem ser irreversíveis. Da mesma forma, pode-se concluir que a caracterização de Al Pacino como um dos protagonistas da família Corleone também reflete na trajetória de um profissional misterioso, porém preparado para executar um personagem desafiador, assim como a carreira e vida pessoal do intérprete.

Uma história impecável

Cinco famílias mafiosas detinham o domínio político, militar e econômico na cidade de Nova York dos anos 1950. Porém, apenas uma conseguira conciliar ambição, poder e respeito em suas atitudes: os Corleone. Liderado por seu patriarca siciliano, Don Vito, um homem que administrava seus negócios segundo seus próprios valores éticos e morais, o clã era sinônimo de prestígio e popularidade nas comunidades nova-iorquinas. Construir um império baseado na confiança de terceiros não foi tarefa fácil, mas derrubá-lo através do asssassinato de seu líder seria impensável, devido à rede de alianças firmada entre as cinco famílias – Corleone, Tattaglia, Barzini, Cuneo e Stracci – e o governo yankee que os sustentava.

Apesar dessa política clientelista, a regra número um dos Corleone é zelar pelos seus e manter os casais sempre unidos. Como toda estrutura patriarcal, sobretudo daquela época, o legado é passado para o primogênito que, inevitavelmente, será o futuro Don Corleone. Só que nem sempre o mais velho é o mais preparado. Este é o caso de Sonny (James Caan), o filho mais intenso e explosivo dos quatro sucessores de Vito. Mulherengo, esquentado e super emocional, Sonny age por impulsos para defender a honra da família e, consequentemente, isso o leva a um destino desastroso, longe de assumir a liderança.

É curioso notar como Vito coordena seus negócios através de um código de conduta que tenta desvincular suas atividades ilícitas ao crime. A palavra ‘máfia’ sequer é mencionada pelo capo (em italiano, o termo é designado para se referir ao cabeça, líder, chefe). Na visão dele, cassinos e apostas são vícios ligados ao prazer, mas que não são destrutivos como as drogas. Essa recusa em se envolver no narcotráfico, junto aos Tattaglia e Barzini na clássica reunião com Sollozzo, foi justamente o que desencadeou a guerra entre as cinco famílias.

O conflito tem início com um ataque brutal a Vito Corleone, que sofre um atentado à bala e permanece fragilizado no hospital. A partir desse momento, entra em cena o caçula, Michael, um militar aspirante que não possui ligação com os negócios da família. As reviravoltas acontecem e, no final, somos surpreendidos com a rendição dos tiranos e a ascensão de uma nova era. Qual caminho é viável para se manter no poder? A linha tênue entre justiça e vingança realmente existe? Indagações profundas que são lançadas ao espectador que, possivelmente, esteja chocado com as escolhas do sucessor de Don Vito.

Qualquer semelhança não é mera coincidência

Enaltecer O Poderoso Chefão hoje em dia é moleza perante a difícil coragem que Allan Rudy e Coppola tiveram, ainda nos anos 1960, em insistir numa obra polêmica, autêntica, irreverente e perigosa como o livro homônimo de Mario Puzo, que deu origem ao enredo. Isso porque, na conjuntura de sua época, seria bem mais convincente investir em ficções que não tivessem vínculo com facções da vida real. Naquele tempo, a Paramount Pictures, gigantesca produtora hollywoodiana, já angariava milhões de dólares com roteiros clichês de western e não pretendia se arriscar em conflitar com a grande massa.

Fato é que, para a nossa sorte, existia em paralelo o interesse de dois gênios escritores e roteiristas, Rudy e Puzo, em retratar no Cinema aquilo que era um tabu na sociedade: os mafiosos. Apesar de serem excelentes escritores, ambos jamais haviam trabalhado à frente de um projeto tão gigantesco, sobretudo, sequer haviam escrito e produzido para Hollywood. Porém, era inegável o empenho e força de vontade em levar para a Sétima Arte uma história que se aproximasse mais do povo.

O jeito de agir, se comportar e relacionar, e muitos outros elementos sociais presentes na família de Don Vito Corleone assustavam e incomodavam os verdadeiros chefões do crime organizado. O compromisso com a verossimilhança era tanto que o filme sofreu ameaças e boicotes por parte das comunidades italianas. Nem isso impediu o triunfo do clássico O Poderoso Chefão. 

Há boatos de que a mera apresentação do romance escrito por Mario Puzo também desagradou a classe artística. Em especial, músicos ítalo-americanos que se apresentavam em restaurantes e cassinos badalados dos anos 1960. Sim, ele mesmo: Frank Sinatra. Segundo relatos de Puzo, Sinatra teria ido contra o livro por pensar que o personagem Johnny Fontane era inspirado em sua autobiografia. Além de temer que as pessoas o associassem ao cantor decadente da obra, o astro do jazz argumentava que O Poderoso Chefão prejudicava a imagem da comunidade italiana.

Antes de produzir um filme, no momento de seleção de elenco, é natural que se escolha atores que melhor se encaixem no perfil estereotipado do roteiro de gravação. Mas e quando, sem querer, se descobre que a vida pessoal dos atores casa perfeitamente com o propósito das personagens? Foi o que aconteceu com o ator Alfredo James Pacino, também conhecido como Al Pacino. Nascido e criado no Bronx, Pacino era neto de imigrantes italianos, naturais de Corleone, província siciliana que também é retratada no filme de Coppola.

Além dos elementos técnicos essenciais de filmagem, outra característica marcante se dá pela quebra de clichês presentes nas obras contemporâneas ao seu lançamento. Clint Eastwood, Clark Gable e Sean Connery são fantásticos, mas alimentavam fantasias previsíveis. Assassinar o protagonista e frustrar a jornada desses heróis estava fora de cogitação. Para falar a verdade, até hoje é raro encontrar narrativas que saibam romper com as expectativas do público positivamente, quem dirá permanecer durante meio século como modelo de dramaturgia.  

Em meio a isso tudo, está mais do que provado ser impossível não amar este icônico trabalho que, não à toa, foi indicado e ganhou diversos prêmios da Academia de Artes e Ciências Cinematográficas. O Poderoso Chefão coleciona, ao todo, 17 prêmios, das 25 vezes em que foi indicado. Talvez o descrédito do público que queria boicotá-lo tenha sido o combustível necessário para fazer do filme o melhor de todos os tempos. Depois de receber, merecidamente, o Oscar de Melhor Filme em 1972, o seu nobre reconhecimento mundial o fez pioneiro na arte de encenar a máfia nas telonas.

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Guilherme Teixeira

No dia 17 de março, a nossa saudosa Elis Regina (1945-1982) completaria 76 anos. Em homenagem, seu primogênito João Marcelo Bôscoli – fruto de seu primeiro casamento, com Ronaldo Bôscoli –, em parceria com a Universal Music do Brasil, nos presenteou com a remasterização e nova mixagem do álbum Elis (1972). Disco produzido por Roberto Menescal que marcou o início da parceria musical entre a cantora e César Camargo Mariano (a quem posteriormente se tornaria seu marido e pai de seus outros dois filhos), e mostrou a verdadeira e mais humana face dela.

A subjetividade que o disco traz mostra que, além do grande poder de escolha de repertório que há nele, seus grandes amigos como Milton Nascimento, Ivan Lins, João Bosco, Aldir Blanc, Belchior, Fagner (este chegou até a morar com Elis e Bôscoli) e os demais compositores, a conheciam muito bem. Em termos de álbuns, creio que esse seja o maior de toda a carreira dela, sendo nele cantado tudo o que estava guardado dentro de Elis, desde a melancolia dos versos de Atrás Da Porta até a descontração de Bala com Bala. Essa, ganhou na nova edição do álbum, logo no início, uma deliciosa risada dessa pimenta um tanto quanto doce, novidade para os ouvintes.

Logo após, temos Nada Será Como Antes, sucesso que marcou o movimento Clube da Esquina e que, posteriormente, deu nome a sua biografia, escrita por Julio Maria em 2015. Há um fato curioso sobre essa música que confunde muito aqueles que a ouvem. Em sua versão, o compositor Milton Nascimento canta “Alvoroço em meu coração” no terceiro verso da segunda estrofe da letra, diferentemente de Elis que opta por “Sei que nada será como está”. Não se sabe ao certo o porquê dessa variação na letra, mas uma coisa é fato: ambas as versões são memoráveis e merecem a mesma e enorme valorização e apreço. 

Além de trazer músicas lendárias como as citadas, o disco também apresenta canções com significados pessoais na vida da cantora, como Vida de Bailarina. “Eu fiz uma homenagem à Ângela Maria cantando uma das músicas que mais gostava de ouvir quando eu era só ouvinte, a música se chama Vida de Bailarina”, disse Elis Regina, que não escondia sua admiração pela rainha do rádio. Outra música muito marcante é Casa No Campo, um sonho de anos que estava sendo realizado durante as gravações do disco. A emoção era tão grande que não coube em seus 1,53 metros e explodiu em uma preciosa gravação onde se emociona ao cantar a composição de Zé Rodrix e Tavito, ambos já falecidos.        

Assim como João, os outros dois filhos de Elis, Pedro e Maria Rita, permanecem orgulhosamente erguendo a bandeira de sua mãe e trazendo ela cada vez mais para o mundo atual. Tarefa feita através de suas armas mais potentes que só a genética explica: a voz. Sua extensão vocal era tão grande que não coube apenas em si e transpassou para seus descendentes com vasta competência. 

O casal de caçulas possui a grande missão de manter a herança materna na música sem necessariamente copiar a mãe (embora seja impossível) e nem por isso, se distanciar totalmente da proposta apresentada por Elis. Principalmente pelo fato de que os fãs ainda têm uma memória muito fresca da pimentinha e cobram severamente, muitas vezes até de forma egoísta, que seus pósteros sempre a mantenham presente para matar a saudade do público, ignorando o fato de que a maior saudade é deles.

Além das remasterizações feitas por seu primogênito, a pimentinha também se mostrou presente em discos gravados ao vivo, como Elis por Eles (2014) e Redescobrir (2012), por seus filhos Pedro Mariano e Maria Rita, respectivamente. Ambos os discos apresentam exclusivamente músicas do repertório da mãe. Contudo, há uma significativa diferença entre eles. No primeiro álbum, Pedro contou com a ajuda de outros artistas como Jair Rodrigues, Lenine, Emílio Santiago, Cauby Peixoto, entre diversas vozes masculinas para completar o projeto, o que foi um tiro no pé de toda a luta de Elis pela inclusão feminina na arte e todo seu empoderamento. Enquanto Maria Rita, que sempre foi alvo de comparações com sua mãe pelo fato de, além de cantora, ser mulher, encarou esse desafio sozinha.

Cantar Elis Regina sem cantar ao menos uma única música desse álbum, que carrega toda a imensidão dentro de si, é impossível. Vida de Bailarina (Americo Seixas/Dorival Silva) e Casa No Campo (Tavito/Zé Rodrix) são algumas das músicas do disco que estiveram presentes no repertório de Pedro e Maria durante suas homenagens à mãe. A primeira delas aconteceu em 2012 no citado Redescobrir. Em um dos maiores discos dos últimos tempos, Maria Rita trouxe uma emblemática apresentação ao cantar a composição de Americo Seixas e Dorival Silva (Chocolate, como era conhecido popularmente), logo no início do show. Revisitando não só a música, mas também a era do rádio.

A cantora ousou ao impor a voz num tom mais grave com vibratos e agudos, fazendo referência a forma melodramática radialista. Em entrevista a Universal Music do Brasil, a filha da pimentinha afirmou que Vida de Bailarina retrata, na verdade, a vida de todos os artistas e ainda se definiu um pouco bailarina, que por vezes cantava para viver e vivia para cantar. Pedro por sua vez, voltou a homenagear sua mãe no dia 17 de março de 2018, dia em que Elis completaria 73 anos. Desta vez, o filho do meio da cantora gravou um dueto de forma póstuma onde, junto dela, entoava Casa no Campo, um dos maiores sucessos do disco. Uma proposta ousada e ainda muito pouco explorada na música brasileira que gerou ótimos resultados.

O disco ainda traz uma versão mais longa do clássico Águas de Março onde, sozinha, Elis brinca deliciosamente com a letra da música no final e arranca um sorriso de quem a ouve. Mucuripe e Cais também contribuem para a formação do álbum com letras majestosas escritas brilhantemente pelos nordestinos Fagner e Belchior e pela nobre dupla Milton Nascimento e Ronaldo Bastos. Apesar de não parecer, as duas músicas apresentam as mesmas ideias: a vida, a solidão e o ir e vir. Questões que sempre estiveram presentes na vida de Elis, o que soma mais um ponto na afirmação de que este se trata do álbum que mais explora o lado pessoal da gaúchinha. 

Também completa o álbum as músicas 20 Anos Blue (responsável por iniciar o disco) e Olhos Abertos. Ambas possuem versos que poderiam facilmente estar falando da atual pandemia em que vivemos, como “Ontem de manhã quando acordei/olhei a vida e me espantei” e “Eu preciso encontrar as pessoas/ficar de mãos dadas com elas”, respectivamente. Mais adiante, temos Me Deixa Em Paz que, em seus versos, se aproxima da situação atual e do cansaço das pessoas referente ao vírus e ao isolamento, como se ela estivesse falando com a covid-19.

Me Deixa Em Paz:

“Paz

Eu não aguento mais

Me deixa em paz

Sai de mim

Me deixa em paz…”

Composição: Ivan Lins / Ronaldo Monteiro de Souza

Somando a brilhante escolha de repertório, atemporalidade, força de interpretação, verdade e a potência vocal entregue em 1972, e tendo como confirmação a remasterização 49 anos depois, digo e repito com clareza que este é o mais autêntico álbum de toda sua carreira, pois nele se enxerga tudo o que havia dentro de Elis e tudo o que ela era. Romântica, amarga, menina, mulher, simples, extravagante… simplesmente, Elis! Ela era a adulta com mais de vinte anos que esquecia quanto custava dar a outra face e que sabia que nada seria como antes. 

Que tinha suas mágoas levadas para o fundo do mar nas velas do Mucuripe, que se mantinha de olhos abertos e que havia no fundo do peito, um sonho desfeito ou a desgraça de um amor onde adorava seus amores pelo avesso, quem sabe talvez no mês de março, prestes a fechar o verão. Afinal, ela inventava o cais, a lua nova e até mesmo uma paz. Ela só queria paz. Assim como uma casa no campo onde ela pudesse compor muitos rocks rurais e ao fim do dia, escutar uma “boa noite, amor”. 

Definir Elis Regina Carvalho Costa, essa gaúcha gigante de um metro e meio, em uma só palavra é uma missão impossível, nem ela mesma conseguiria. Entretanto, em 1972, o mais íntimo e verdadeiro de si, nos foi dado em forma de música. E hoje, passados mais de 40 anos, nós podemos entendê-la e conhecê-la ainda mais através desse primor de remasterização. Um acalanto para a negatividade dos dias atuais, mata a nossa tão grande saudade da cantora no modo mais autêntico possível. 

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