Guilherme Moraes

Quando uma doença acometer a humanidade, o que será de nós? Em 2013, a Naughty Dog parecia muito interessada nessa questão ao lançar um dos jogos mais marcantes já feitos: The Last of Us. A história já é bem conhecida: o Cordyceps – um fungo capaz de parasitar insetos – sofreu uma mutação que lhe deu a capacidade de infectar corpos humanos, destruíndo o cérebro e as transformando em uma criatura agressiva. O mundo então entra em colapso, mais da metade da população foi contaminada ou morta, o exército da FEDRA tomou conta dos Estados Unidos, governando com punho de ferro e um grupo de revolucionários chamado Vaga-lumes luta contra a ditadura instaurada. O planeta virou de ponta cabeça com a doença e não há uma cura, até que surge uma pessoa imune ao fungo: Ellie (Ashley Johnson).

Nesse contexto entra o protagonista da história e que será o personagem controlado pela maior parte do game: Joel (Troy Baker), cujo objetivo é levar a garota para uma sede dos Vaga-lumes em que eles possam examiná-la. O jogo, então, é baseado em uma viagem no qual o destino não é tão bem definido. Parece um road movie, até mesmo pelo aspecto cinematográfico muito presente, com mais de uma hora de meia só de cutscenes.

A base do jogo é a sobrevivência. Durante a viagem, a dupla precisa passar por diversos problemas com infectados, bandidos, militares ou qualquer um que ameace a vida deles. The Last of Us não te dá alternativas, nunca há a opção de poupar uma vida, o player é obrigado a matar qualquer ameaça. Logo no terceiro capítulo, A periferia, Joel, Ellie e Tess (Annie Wersching) encontram um homem vivo embaixo de escombros, o protagonista não hesita um segundo e somos obrigados a matá-lo. Entretanto, essa pouca flexibilidade não diz apenas sobre a necessidade, mas também da nossa limitação. Joel não é um avatar do jogador, ele representa a si mesmo e apenas somos permitidos acompanhá-lo e guiá-lo na jornada, no entanto, jamais o controlarmos.

Contrabalanceando essa rigidez, os confrontos com humanos ou ‘zumbis’ são mais permissivos, o jogador pode ser mais discreto ou mais direto dependendo do objetivo, porém, isso revela outro aspecto fundamental da obra: a humanidade. Em Ghost of Tsushima (2020), quando é preciso ser furtivo, o jogo não te permite fazer de outra forma, o erro é zero. The Last of Us está mais suscetível às falhas humanas, como ao tentar ser silencioso e não conseguir e ao improvisar diante do perigo.

Contudo, não é só nesses momentos que a humanidade aparece. Na realidade, é mais sobre quem seremos diante de uma situação como essa. A pandemia mostrou que o game não estava tão distante da realidade. Produtos básicos viraram luxo para muitas pessoas, o mundo polarizado, vidas negligenciadas, muitas mortes evitáveis e a união se tornou mais utópica. Na ficção, Vaga-lumes e FEDRA se matam enquanto mais e mais pessoas são infectadas; criminosos se unem para roubar e matar; na escassez alguns se tornam canibais e as histórias trágicas se acumulam.

Sobrevivência e humanidade se misturam, principalmente na pele de Joel. A frieza expõe seu instinto, a raiva e a crueldade; e a memória da filha, o seu lado humano. A presença de Ellie evoca a lembrança de Sarah (Hana Hayes), e a relação dos dois cresce cada vez mais, arranhando as ranhuras desse Joel violento e revelando aquele visto no capítulo Cidade Natal. A ligação entre os dois será fundamental para o encerramento da obra.

Os elementos imersivos são essenciais The Last of Us. Uma característica do jogo é a possibilidade de interagir com o ambiente e coletar documentos. Cada carta coletada é um conto, os cenários com prédios destruídos cheios de escombros são carregados de histórias – todas elas terminando de maneira trágica, porém, elas podem ser belas ou apenas tristes, isso depende do ponto de vista de cada um. A forma de melhorar as armas é feita de maneira rústica. O personagem modifica à mão, com uso de alicates achados no mapa. Tudo colabora para uma experiência imersiva, porém, isso não é à toa, tudo tem um propósito.

Apesar da obra lidar com elementos do terror, ela pouco utiliza o jumpscare; o foco está na atmosfera amedrontadora e desconfortável, construída a partir dos sons dos estaladores, os esporos no ar, os corpos decompostos e os fungos nas paredes que criam uma sensação opressora. A tensão e o perigo constante são artifícios que tornam a jogabilidade interessante, e que, para além disso, serão fundamentais no encerramento.

Quando Joel e Ellie chegam ao hospital em que os Vaga-lumes estão sediando, Marlene (Merle Dandridge) – membro do grupo – a leva para a cirurgia e revela a ele que para conseguir uma cura, é necessário matar a garota para extrair o Cordyceps de seu cérebro. O protagonista então decide salvar Ellie, mesmo que tenha que condenar o mundo em troca. Uma decisão egoísta, porém, muito humana. Mas o que há de tão interessante nesse final? É a falta de controle do player e a autoridade do personagem. Enquanto jogamos, temos a falsa sensação de liberdade e domínio daquelas figuras, no entanto, quando Joel toma a decisão, é quase um tapa cara; o jogo se inverte, pois agora somos nós que seremos manipulado por ele, a única escolha que nos resta é completar a missão – matando todos os vaga-lumes – ou deixar de jogar. O nosso poder sobre ele era emprestado, o seu arbítrio é superior.

É interessante comparar com a produção da HBO Max, pois as linguagens são diferentes e, por consequência, geram efeitos diferentes. Por mais que se esforce, uma série jamais conseguirá ser tão imersiva quanto um jogo, a capacidade dos games de interagir e influenciar o ambiente faz o jogador estar muito mais presente naquele mundo. O problema da adaptação é não conseguir compreender essa diferença entre as linguagens, pois, por mais que seja muito fiel, o impacto no público é diferente. A relação entre Joel e Ellie na obra original é construída a partir das interações e missões, como uma ajuda para pegar uma escada, para atravessar um lago, a necessidade de protegê-la, etc; poucas vezes se utiliza de cutscenes com esse intuito. No seriado, a imagem e as dinâmicas entre os personagens é soberana, logo, a conexão com Ellie é mais profunda, porém, o medo e o sentimento de responsabilidade com o mundo é infinitamente menor. A decisão do protagonista no show é apenas dele, mas no game, parece ser um pouco nossa também.

The Last of Us não está interessado em falar sobre a humanidade como maligna, e sim falha. Há bondade, assim como há maldade; tem violência e carinho; amor e ódio. A necessidade de sobreviver não revela o lado ruim das pessoas, apenas explora todos os limites, das qualidades aos defeitos, e expõe que o humano é, acima de tudo, contraditório.

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Maria Fernanda Cabrera

A cidade Detroit, localizada no Estado de Michigan, foi a escolhida para o cenário de um dos maiores jogos de todos os tempos: Detroit: Become Human, lançado pelo estúdio francês Quantic Dream, desenvolvedora dos jogos Heavy Rain (2010) e Beyond: Two Souls (2013) – grandes marcos da jogabilidade em narrativa. David Cage, escritor e diretor, emocionou o público gamer com uma história impactante que revela, não somente um entretenimento temporário, mas também uma reflexão sobre a capacidade da Inteligência Artificial e as ações humanas por trás disso. 

O jogo possui foco em narrativa e o desenvolvimento depende das escolhas do jogador. Existem mais de 40 finais possíveis, ainda com variações. O Efeito Borboleta, relacionado com a Teoria do Caos, define que pequenas mudanças causam grandes diferenças finais – exatamente isso que Detroit: Become Human se propõe a fazer. As decisões aparentemente insignificantes, no início da narrativa, são capazes de determinar o resultado final. Assim como em um filme, o jogo possui cenas de diálogo entre personagens e é responsabilidade do jogador escolher as respostas mais adequadas à sua história.

O enredo apresenta três personagens principais: Connor, Kara e Markus, todos jogáveis em capítulos separados. O cenário se resume a uma Detroit futurista e puramente tecnológica, no ano de 2038. Humanos convivem com robôs humanoides, conhecidos como androides. A empresa CyberLife é responsável por criá-los e os vende em modelos específicos às necessidades do cliente. Apesar dos avanços, a humanidade regrediu drasticamente, marcada por ignorância e desigualdade. Ao ameaçar o desemprego e questões sociais, os androides passam a ser vítimas de violência física e psicológica. Os chamados divergentes – aqueles que simulam sentimentos reais e ações além de sua programação – são resultado da opressão às máquinas que as despertam para a realidade.

Kara, interpretada por Valorie Curry, é a personagem com o arco mais emocionante: sofreu um acidente doméstico e não se lembra de seu passado. Quando é consertada por seu dono, Todd (Dominic Gould), é levada de volta para cuidar das tarefas domésticas e da filha pequena dele, Alice (Audrey Boustani). Aos poucos, a personagem descobre que o seu dono possui um temperamento extremamente difícil e que desconta seus problemas pessoais na própria filha. Ao se deparar com a situação, Kara destrava algo em seu sistema que a faz sentir empatia pela garota. A partir de então, só cabe às habilidades e decisões do jogador conseguir planejar a fuga das duas.

Markus, interpretado por Jesse Williams, é imprescindível para a continuidade do jogo. O personagem foi um presente para Carl (Lance Henriksen), um senhor de idade avançada, conhecido por ser um famoso artista. Carl encorajava o androide a encontrar seu lugar no mundo. Contudo, o pintor enfrentava perturbações no relacionamento com o próprio filho, Leo (Paul Spera), usuário de drogas. Markus torna-se divergente em um momento de clímax durante uma briga familiar e acaba descartado em um ferro-velho. O personagem foge e, inspirado pelas palavras de seu antigo dono, promete lutar por um futuro melhor. 

Connor, interpretado por Bryan Dechart, é um dos personagens mais aclamados. Seu modelo foi criado pela CyberLife para ser usado em investigações policiais. Quando os casos de divergentes preocupam as autoridades, a missão de Connor é investigar e eliminar as máquinas consideradas rebeldes. No meio do caminho, é obrigado a dividir o caso com Hank (Clancy Brown), um policial humano e rabugento, que não suporta androides. O mais desafiador para Connor é equilibrar o relacionamento com o parceiro – sem que isso interfira em sua investigação.

Caso o jogador consiga fugir da casa de Todd, Kara e Alice desenvolvem um laço maternal e o objetivo da androide é procurar um lugar seguro para que as duas possam viver. Com o toque de recolher e uma cidade extremamente alerta com a captura de divergentes, as duas sonham em atravessar a fronteira para o Canadá, já que o país não possui leis para androides. Entretanto, muitos conflitos surgem no meio do caminho – inclusive um encontro com Connor, que investiga a captura da divergente Kara. 

No meio do caminho, as duas encontram o personagem Luther (Evan Parke), um robô gigante que servia a um humano contrabandista de divergentes. Em um dos arcos narrativos, o grupo pode ser pego pelo toque de recolher durante a tentativa de chegar ao Canadá e eles precisam fugir de um centro de desativação. Em outro final possível, os três atravessam o lago da fronteira com um barco e o jogador precisa tomar as decisões certas para alcançar o Canadá. Contudo, independente das escolhas, Luther é baleado pela guarda costeira.

Markus, em seu arco narrativo, encontra um grupo de divergentes refugiados em um navio abandonado, conhecido como Jericho, e torna-se o líder do movimento que se espalha por todo o país – o de liberdade. Esse é o momento mais decisivo da história, no qual o jogador precisa escolher entre liderar uma revolução agressiva ou uma passeata pacífica com Markus. Os capítulos do androide se resumem em responsabilidade: o líder precisa considerar opiniões diferentes de seus companheiros e tomar as decisões mais assertivas. O final de Markus pode ser de sucesso, com os humanos aceitando direitos iguais para os androides, ou de um grande fracasso, com a maioria dos robôs oprimidos ou desativados.

Ao longo do jogo, a opinião pública dos humanos é medida e o jogador recebe um feedback conforme suas escolhas e diálogos. A opinião pública é o resultado de como a população reage às ações dos androides e isso influencia diretamente nos finais possíveis para o jogador. Além disso, Markus lida com três autômatos que o acompanham: North (Minka Kelly), que prefere lutar com o radicalismo e a violência; Josh (Parker Sawyers), que prefere uma abordagem mais pacífica e Simon (Ben Lambert), que prefere a calmaria, mas concorda com a maior parte das decisões de Markus. Os relacionamentos com o líder também são medidos e o androide precisa confrontar suas ideias com os demais.

Connor possui muitos arcos diferentes. Fiel aos humanos, ele segue as leis à risca: seu único objetivo é caçar divergentes. Entretanto, ao se envolver com as histórias, o androide demonstra empatia pelas demais máquinas em suas falas e ações. A partir disso, o personagem enfrenta um pensamento martirizante ao longo da trama: a possibilidade de ser divergente e trair seus criadores. Ele é colocado à prova quando recebe o desafio de atirar em uma androide para conseguir mais informações sobre sua investigação. Nesse momento, Connor pode escolher não atirar, e fica perturbado ao sentir conexão com uma máquina.

Por outro lado, o jogador pode tomar decisões e escolher diálogos mais frios, que resultam em um Connor confiante de ser apenas uma máquina programada para caçar. O androide passa a se importar apenas com o seu caso, acredita que os divergentes são resultados de um erro de programação e que não possuem vida – seu objetivo passa a ser exclusivamente eliminar divergentes como Markus e Kara.

Ao longo da história, Connor divide os casos de divergentes com Hank. Entretanto, o jogador tem a possibilidade de criar uma amizade entre os dois. Em um capítulo de investigação, o androide descobre que o policial perdeu um filho em uma tragédia, e que culpa as máquinas pelo ocorrido. Ao decorrer da trama, Hank começa a se identificar com o movimento dos robôs e percebe que a humanidade é o principal causador de tanto ódio e caos. O parceiro humano causa dúvidas em Connor sobre a possibilidade de sentir emoções e, no arco em que ele se torna divergente, o policial o apoia e passa a vê-lo como um filho.

O jogo Detroit: Become Human foi indicado nas categorias: Melhor Direção, Melhor Narrativa e Melhor Performance (Bryan Dechart como Connor) na premiação The Game Awards 2018. Entretanto, Red Dead Redemption II (2018) e God of War (2018) levaram os prêmios. Na BAFTA Games Awards 2019, Detroit: Become Human foi indicado para: Realização Artística e Melhor Áudio, mas não levou os títulos. Já na SXSW Gaming Awards 2019, o jogo foi indicado nas categorias: Excelência em Narrativa, – a qual levou o prêmio – Excelência em Animação e Excelência em Conquista Tecnológica.

A Quantic Dream revelou uma série de vídeos que acompanha a produção do jogo: direção de arte dos personagens, filmagem de cenas e entrevista com atores. Todas as gravações foram filmadas em um espaço vazio, com marcações em grid pela sala e pontos nos rostos dos atores para captura de movimentos – que realizam uma série de expressões faciais para serem animadas no computador. Os objetos de cena eram todos imaginários. “Nós tivemos que imaginar absolutamente tudo no ambiente. O saco de areia é um corpo, o pedaço de corda representa uma cortina inteira”, alega Bryan Dechart.

A trilha sonora do game é impecável e organizada de acordo com o contexto de cada personagem. John Paesano, – que participou da composição musical de Marvel’s Spider-Man (2018) – Nima Fakhrara e Philip Sheppard compuseram, respectivamente, as trilhas de Markus, Connor e Kara. Para Markus, há tons mais heróicos que definem sua caminhada pela liberdade dos androides; Connor teve suas músicas baseadas em sons mecânicos, que simulam sua natureza racional na captura dos divergentes e a de Kara foi totalmente emocional, com foco em melodias tocadas por violino, que representam as superações ao lado de Alice.

No fim, o jogo é muito mais que apenas uma narrativa. Detroit: Become Human provoca uma decisão difícil no jogador: salvar a humanidade de uma ameaça ou dar liberdade a máquinas que só querem ser livres? Por mais que a decisão certa pareça óbvia, é preciso lembrar que o jogador é humano, e está vulnerável a sentir emoções. Ademais, o game revela um dilema difícil de aceitar: máquinas são mais humanas que os próprios humanos. 

Por trás de uma narrativa fictícia sobre revolução de androides, Detroit: Become Human ressalta um tema importante: os impactos da Inteligência Artificial. É de conhecimento comum que as tecnologias estão evoluindo cada vez mais e o game mostra que nem tudo está sob controle humano. Nas redes sociais, tornou-se uma tarefa complexa identificar se vídeos são reais ou gerados por Inteligência Artificial e ainda existe muito a ser explorado. A partir disso, Detroit: Become Human levanta um questionamento para os jogadores: é possível as máquinas se rebelarem contra os humanos?

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Iris Italo Marquezini

Quando Alien: O Oitavo Passageiro estreou nos cinemas em 1979, a audiência foi surpreendida com uma explosão vinda do peito de um homem. De dentro dele, uma nova criatura surgia repleta de sangue e ansiando, sedenta, por muito mais. Anos depois, sequências bem diferentes do filme original foram lançadas para expandir a história da protagonista Ellen Ripley, incluindo o também clássico dirigido por James Cameron, Aliens (1986). Durante muitos anos, os fãs mais assíduos do primeiro longa, dirigido por Ridley Scott, ficaram órfãos de obras que tivessem uma ambientação claustrofóbica e aterrorizante à altura. Alien: Isolation, jogo diretamente inspirado pelo pioneiro, foge desse cenário ao passo que é exatamente a experiência que os fãs tanto queriam de volta. 

A inspiração não é qualquer segredo para os desenvolvedores. O jogo deve tanto ao filme original que a história dele é ligada diretamente com a trama do clássico do Terror,  ainda fazendo o favor de resolver um furo de roteiro de Aliens. Na história, Amanda Ripley precisa encontrar a caixa preta da nave-cargueira Nostromo para chegar a alguma conclusão sobre o paradeiro da mãe, Ellen Ripley, a protagonista do primeiro capítulo da franquia. Após um acidente, a engenheira vai parar na estação espacial de Sevastopol – uma espécie de versão infernal e misteriosa da Deep Space Nine de Star Trek – após ser abandonada por investidores, repleta de vestígios sangrentos de revoltas e massacres. Foram os próprios moradores em uma guerra civil que fizeram isso? Foi o Xenomorfo? É função do jogador preencher as lacunas.

Desenvolvido pela Creative Assembly e distribuído pela SEGA, o jogo, lançado em 2014, decepcionou em vendas, mas não deixou de chamar a atenção. Era comum, na época, o compartilhamento de vídeos de pessoas aterrorizadas e gritando conforme o grande predador da história finalmente percebia a presença da vítima indefesa. Até hoje, inclusive, muitos podem conhecer a obra justamente por causa da viralização desses conteúdos. Outros games da franquia Alien foram lançados, deixando o terror de lado e focando mais na ação presente na sequência de Cameron. Em meio a Outlast (2013), Dead Space 3 (2013) e The Evil Within (2014), o jogo conseguiu se destacar dentro do gênero e vencer prêmios, recebendo até indicações ao Game of the Year.

Não é à toa que Alien: Isolation encanta fãs do filme original e continua a conquistar um público assíduo mesmo 10 anos depois. A ambientação do jogo é diretamente inspirada na obra de Ridley Scott e H. R. Giger, trazendo a estética retrofuturista única e o sentimento pesado de estar dentro de corredores de maquinários escuros sem ter para onde fugir. Chega a ser divertido pensar que a franquia Dead Space se inspirou diretamente no universo Alien para causar tensão nos jogadores e como a linguagem dessas histórias se converge nesta obra à sua própria maneira. 

A trama é repleta de quebra de expectativas. Um dos exemplos mais claros desse aspecto é a primeira aparição completa do Alien. Surgindo algumas horas depois do começo do jogo, o predador desce de uma ventilação em meio ao silêncio do que parecia somente uma sala monótona repleta de computadores. É neste momento em que a jogabilidade furtiva da narrativa começa a brilhar, já que qualquer mínimo barulho, até mesmo do microfone de quem está jogando, pode chamar a atenção e causar uma morte violenta. 

Uma das maiores provas de como a linguagem de Alien: Isolation sabe causar tensão é a partir da perspectiva de duas das ferramentas adquiridas relativamente cedo na história: o sensor de movimento e o revólver. O sensor ajuda na criação de estratégias para evitar inimigos mas, proporcionalmente, causa medo, já que nem sempre o que aparece no visor está realmente visível nos corredores. Ou seja, mesmo possuindo uma ferramenta para a proteção, esse próprio recurso pode causar paranoia.

O revólver em si não é inútil e aparece como uma solução arriscada demais para os problemas. A arma faz muito barulho, depende de munições escassas e não é efetiva contra o Xenomorfo ou os androides, os outros principais inimigos na história, que não são fáceis de eliminar. A sensação de vulnerabilidade é uma constante na experiência; o ato de correr já causa barulho demais para chegar perto de um save point. No menu principal, recomenda-se jogar na dificuldade difícil e essa afirmação faz todo o sentido. Afinal, a narrativa faz o jogador se sentir uma presa que depende da própria criatividade e sorte para escapar de um inimigo quase onisciente. 

Outro complemento para a sensação de ser somente um ser humano indefeso contra a criatura mais brutal da galáxia é o design de som, encabeçado por Mark Angus juntamente a mais de 16 desenvolvedores. A experiência de desfrutar da história com fones de ouvido chega a ser obrigatória, tamanho o empenho dos envolvidos na criação de Alien: Isolation. O jogo nunca oferece um silêncio verdadeiro – há ruídos de computadores e de máquinas operando para manter a estação de Sevastopol funcionando. Em meio a essa cacofonia futurística e artificial, há batidas nas ventilações, e não há nada mais desesperador do que perceber que os passos pesados do Alien no chão de metal começaram a te perseguir. Toda essa ambientação condiz perfeitamente com as descrições de Alan Dean Foster na ‘novelização’ do filme de 1979. 

Por outro lado, uma das reclamações mais comuns acerca do game é a quantidade exaustiva e repetitiva de horas necessárias para zerar a campanha principal. Essa impressão fica clara na segunda metade da narrativa, quando há diversas reviravoltas, muito parecidas com as que a própria Ellen Ripley precisa encarar. A história parece estar prestes a encerrar e a heroína finalmente ficará segura, mas traições acontecem e retornos inesperados do Alien surgem para trazer o inferno à vida da protagonista. Todavia, essa experiência pode ser muito relativa, já que o jogo oferece sim muita variedade pelo aspecto mais memorável de Alien: Isolation uma década depois: a Inteligência Artificial.

É a partir do desenvolvimento complexo dos sentidos apurados do Alien que um dos maiores desafios do gênero do Terror na mídia dos videogames nasce. O Xenomorfo pode circular por ventilações e corredores livremente em uma velocidade impressionante. Além disso, o inimigo é atraído pelo som e pela própria visão periférica. Mesmo que o jogador se mantenha distante, a I.A. do jogo é treinada para sempre guiar a criatura para próximo do player. Até mesmo buscar esconderijo dentro de armários da Sevastopol, durante a missão Quarentena, por exemplo, não é garantia de paz, já que existe ainda uma mecânica para segurar a respiração de forma correta. Se você falhar… bom, o Alien vai arrancar a porta fora, abrir a boca enorme e o resto você já sabe.  

Um dos exemplos de como todas essas mecânicas anteriores somadas podem criar experiências marcantes para cada jogador acontece pouco depois da metade da narrativa, em que uma facção de humanos hostis surge em Sevastopol. Neste trecho, já é possível entender mais detalhadamente como os instintos do Alien funcionam. Os residentes da estação estavam fortemente armados e ameaçando acertar qualquer um que se mexesse. Realizar essa ação causa um tiroteio frenético, com todos os inimigos apontando as armas na direção do jogador. Mas o centro de todo o barulho vinha das armas nas mãos deles. Resultado? O Alien foi atraído e aniquilou todos os inimigos. Amanda Ripley consegue fugir. 

São tantos fatores que criam um senso de surpresa que chega a ser triste pensar que o mesmo não pode ser dito dos androides, também chamados de Working Joe. Pode soar irônico, mas esses personagens são extremamente mecânicos, engessados e previsíveis. Embora sejam lentos e fáceis de fugir, o jogo, às vezes, dependeu muito de puzzles para alguns trechos com as presenças deles, já que as ferramentas disponíveis não davam conta da quantidade de inimigos. O jeito, muitas vezes, era deixar a personagem agachada e se mover conforme a rota programada dos robôs ou, até mesmo, correr e tentar evitar ser pega.

Outro ponto não tão positivo é o mapa. Embora o radar possua uma espécie de bússola que guia o jogador para o objetivo, há diversos momentos que fica fácil se perder nas idas e vindas entre elevadores e transportes para outras partes da estação. É absolutamente admirável o quão bem feita e plausível é a arquitetura do jogo, com os cenários não envelhecendo e sem problema algum na questão gráfica, mesmo anos depois. Ainda assim, a criação de um labirinto pode até ser um conceito bom para aumentar a tensão de se perder com um bicho bem pior que um minotauro te perseguindo. Todavia, em momentos mais monótonos da história pode gerar, sim, uma frustração quando o mapa não oferece indicações claras. 

Alien: Isolation, porém, possui boas performances nas cutscenes, isto é, as cenas que são inseridas para conectar as fases do jogo e avançar na trama principal. São esses os momentos em que outros personagens começam a aparecer, como o paranóico Axel (Matheus Carrieri), o injustiçado Samuels (Paulo Ávila) e o delegado extremamente suspeito Waits (Hélio Vaccari). Nenhum desses personagens particularmente encanta, mas conseguem alcançar o nível de dramaticidade necessário em momentos marcantes. Nesse sentido, a narrativa acaba em uma situação complicada: para poder causar a sensação de isolamento pela jogabilidade, diálogos para quebrar o silêncio não são exatamente recorrentes. 

A personagem de Amanda Ripley (Fernanda Bullara), inclusive, poderia se tornar menos interessante justamente por conta desse silêncio constante. Felizmente, isso não acontece. Em diversos momentos, é possível perceber como ela se demonstra uma personagem criativa, extremamente capacitada e bastante direta com os outros, pois sabe que não tem tempo a perder. Amanda parece muito com a própria mãe, obviamente, mas possui uma camada maior causada pelo luto nunca processado. 

Nesse sentido, dá a impressão de que ela já chega na aventura esperando algo de errado. A personagem segue o conceito apresentado em The Walking Dead, de que os protagonistas nunca viram nada parecido com zumbis, nem mesmo em filmes, e, por isso, sentem medo genuíno. Amanda Riley é uma personagem que nunca viu o Xenomorfo até o começo da história; no entanto, tem certeza, assim que o vê, que é a criatura mais mortífera da história do universo. É isso que a salva. 

É essa mesma sensação de completa vulnerabilidade, mas ao mesmo tempo de empoderamento e determinação diante do desconhecido, que torna Alien: Isolation uma experiência eufórica para quem joga também. Toda a gama de sentimentos possíveis sentida pela protagonista são transmitidas para quem está segurando o controle. Se o Alien é o organismo perfeito, a sensação de conseguir escapar utilizando poucos recursos, escondendo-se estrategicamente e utilizando ferramentas de forma criativa, causa um alívio que poucos jogos de terror conseguem oferecer. Alien: Isolation é um deles, mesmo 10 anos depois.

Desde então, continuações espirituais – e bastante promissoras – inspiradas no game começaram a ser produzidas. Um jogo VR que está para ser lançado chamado Alien: Rogue Incursion, por exemplo, parece utilizar muitos elementos parecidos. Inclusive, demora aproximadamente cinco segundos lendo os comentários dos trailers de A Quiet Place: The Road Ahead (2024), inspirado na franquia Um Lugar Silencioso (2018), para encontrar comparações com o Alien: Isolation. Outra experiência que está por vir é Jurassic Park: Survivor, que aplica a fórmula em um cenário que também se passa bem próximo dos acontecimentos do clássico de 1993, dirigido por Steven Spielberg. 

Além dessas influências mais óbvias, pode-se dizer que Alien: Isolation teve seus toques em outros jogos como Prey (2017) e Amnesia: The Bunker (2023). Até mesmo Fede Alvarez, diretor do recentemente aclamado Alien: Romulus (2024), revelou ter jogado o game perto do lançamento de Don’t Breath (2013) e gostou do quanto o Xenomorfo e os cenários inspirados na Nostromo ainda podiam aterrorizar nos dias de hoje. Felizmente, mesmo após uma década, a aventura infernal de Amanda Ripley ganhou um aumento de 328% na quantidade de jogadores simultâneos na Steam. De certa forma, se Alvarez foi influenciado, agora é a obra dele que inspira uma série de pessoas a revisitar ou, até mesmo, experienciar esse jogo pela primeira vez. 

Para a surpresa e alegria de muitos fãs, justamente na data de comemoração dos 10 anos do jogo, o diretor criativo Al Hope anunciou nas redes sociais que uma sequência está em desenvolvimento. A Creative Assembly será, novamente, a desenvolvedora encarregada. Alien: Isolation teve, para o choque de muitos, uma  continuação oficial anos atrás: Alien: Blackout (2019). Todavia, trata-se de um jogo para o celular e nos moldes da gameplay de Five Nights at Freddy’s (2014). O game foi desativado e não está mais disponível nas plataformas de aplicativos. Agora, basta esperar para ver se a próxima aventura de Amanda Ripley vai fazer jus ao primeiro capítulo e expandir as pontas soltas, mecânicas e potenciais narrativas e tecnologias que podem oferecer mais uma experiência inesquecível.

De forma geral, Alien: Isolation consegue trazer essa ‘ansiedade boa’ que somente as melhores obras do Terror oferecem. É o tipo de experiência que pode levar o dobro de tempo para quem sente medo até de correr em jogos do gênero para não chamar a atenção. Ainda assim, não há quem não sinta o tempo passar desfrutando dessa obra. Chega a ser impossível, depois de passar por tanta tensão, não esboçar um sorriso quando finalmente se desbloqueia o lança-chamas. Apesar de todo o estresse sentido por Amanda Ripley, o alívio quando o monstro vai embora também é sentido por quem segura o controle. Os sustos também, é claro. Muitos, muitos, muitos sustos mesmo.

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Nathan Sampaio

O herói, na definição clássica da literatura, é aquele capaz de se sacrificar pelo bem comum e mudar o cenário em que está inserido. Porém, mesmo tendo qualidades louváveis, ainda assim é preciso que existam falhas e defeitos em sua personalidade para torná-lo mais humano e realista. Não há nenhum personagem que se encaixe tão bem nessa definição quanto o Homem-Aranha, aquele que em sua origem aprendeu que “com grandes poderes, vem grandes responsabilidades” e na atualidade se tornou um símbolo do heroísmo. Poucas mídias conseguiram transpor essa sensação tão bem quanto o jogo Spider-Man, que completa cinco anos em 2023.

Após oito anos de atuação como Homem-Aranha, dessa vez Peter Parker terá que enfrentar a gangue liderada pelo Senhor Negativo, que busca matar o Prefeito Norman Osborn e causar o caos em Nova York. Ao mesmo tempo, o herói precisará lidar com questões pessoais, como o trabalho na Octavius Industries, a ação voluntária na organização F.E.S.T.A e a relação com sua ex-namorada Mary Jane. 

O popular cabeça de teia é um dos personagens mais adaptados para os videogames, tendo mais de 30 títulos lançados, que vão do Atari até o PlayStation 4. Porém, desde Spider-Man Shattered Dimensions, publicado em 2010, não havia um game que fosse bom e carismático o suficiente para cativar público e crítica. O anúncio feito na Electronic Entertainment Expo em 2016 prometeu uma renovação do herói na mídia, e, felizmente, isso se provou mais do que correto. 

Desenvolvido pela Insomniac Games, a mesma de Ratchet & Clank e Sunset Overdrive, e com direção de Bryan Intihar, o novo jogo do escalador de paredes chegou como um estrondo no mundo dos games. O exclusivo de PlayStation 4 soube reunir as melhores mecânicas dos jogos anteriores do teioso com uma história original e intrigante, uma combinação tão bem executada que tornou Spider-Man um clássico instantâneo da oitava geração de consoles. 

Os roteiristas Jon Paquette, Benjamin Arfmann, Kelsey Beachum, Christos Gage e o consultor de Dan Slott buscaram os elementos centrais de uma boa história do Homem-Aranha para compor o enredo, propondo assim uma narrativa original, mas traços de familiaridade. Dessa forma, surge um Peter mais velho e experiente, com um vasto background de atuação como herói, algo pouquíssimo explorado em outras mídias, só tendo ocorrido na trilogia do Sam Raimi nos anos 2000.

Embora a história tenha um ponto de partida simples e até mesmo clichê, são os desdobramentos dos problemas e a relação entre personagens que tornam a experiência de jogar mais refrescante e gostosa. Paquette, diretor de roteiro, fez questão de incluir os principais rostos que rondam a mitologia do herói, como Mary Jane, Tia May, J. Jonah Jameson, Dr. Octavius e Miles Morales.

Sendo divulgado com o lema “Be greater” ou “Seja o maior”, o game destaca o heroísmo de Peter. Há muitos momentos que buscam testar os limites do protagonista como herói da cidade e é comovente o quão longe Parker está disposto a ir para fazer o bem ao próximo. Essas atitudes não ficam restritas apenas ao enredo principal, mas se expandem para missões secundárias em que o jogador precisa salvar cidadãos por toda a cidade. 

O ápice do altruísmo está na cena final, em que ele precisa tomar uma decisão difícil para salvar a cidade inteira, criando o momento mais emocionante do jogo e um dos pontos mais altos das adaptações do herói. Outro aspecto muito interessante da narrativa é a lição de confiar em outras pessoas que o protagonista passa: ao longo da história, é necessário estabelecer uma relação de confiança com MJ e Miles, pois só dessa forma é possível derrotar os vilões.

A Insomniac apresentou a melhor versão de Peter Parker já adaptada para os videogames. Isso porque os desenvolvedores souberam desenvolver com maestria cada aspecto da personalidade do protagonista: ele é gentil, amoroso, inseguro, ingênuo, justo e acima de tudo bondoso. Essa complexidade de emoções só é possível porque acompanhamos tanto a vida pessoal quanto a rotina de herói do personagem, e a junção de ambas é essencial para a compreensão total da história e para a construção da persona do Homem-Aranha. 

Já Mary Jane não é só perfeitamente adaptada, quanto essa é a melhor versão já feita dela. Isso se deve a sua profissão como jornalista, na qual ela deixa claro que não precisa da proteção do teioso para enfrentar vilões, descobrir conspirações, se infiltrar em gangues ou ajudar a salvar reféns. MJ é independente, astuta, inteligente e corajosa, ou seja, ela é muito complexa, transcendendo o simples papel de namorada do protagonista. 

A direção de Intihar brinca com nossas expectativas ao jogar Homem-Aranha, principalmente no caso do personagem do Doutor Octavius, que começa como um mentor e amigo de Peter e aos poucos a sua ambição e o sentimento de vingança com Norman Osborn faz com que enlouqueça e se torne um vilão, uma trama bastante parecida com Homem-Aranha 2 (2004). A narrativa transforma a história de Otto em uma tragédia, pois não importa o que Parker faça, nada irá alterar o destino dele, e isso mexe muito com as emoções dos jogadores. 

Enquanto isso, Senhor Negativo, vilão principal durante parte da narrativa, é o protagonista em sua própria história pela maneira como tem sua origem contada, tornando-o um anti herói em busca de vingança. O mistério ronda a sua persona e descobrir suas motivações e identidade é uma investigação cativante. Além disso, a ameaça que ele representa ao Homem-Aranha é gigantesca, tanto que os embates entre eles estão entre os trechos mais memoráveis do jogo. 

Outros coadjuvantes ajudam a tornar o entorno do protagonista mais vivo. Tia May, por exemplo, atua como voluntária na organização F.E.S.T.A, que presta auxílio a moradores de rua, e serve como uma mentora para os momentos de maior tristeza de Peter. Por outro lado, J. J. Jameson possui um podcast chamado Aos Fatos, no qual espalha desinformação sobre as ações do Spider-Man. O mais divertido disso é ouvir os relatos dele após realizar as missões da campanha. 

Também nos deparamos com Miles, um adolescente e fã do Homem-Aranha, que acaba se envolvendo com Peter e MJ após um atentado que ocorre com o seu pai. Apesar da tragédia que ronda o personagem, ele traz uma leveza à trama e causa entusiasmo para curioso sobre o seu futuro. Atualmente, no universo do jogo, Morales se tornou um Spider-Man e tem uma DLC solo lançada em 2020. 

Todas essas figuras estão acompanhadas de uma dublagem caprichada, tanto na língua original quanto na versão brasileira. Yuri Lowenthal e Diego Marques como Peter Parker conseguem equilibrar a gentileza com a coragem, formulando um herói único e que se destaca dentre as várias adaptações. Laura Bailey e Rebeca Zadra dão vida a MJ mais desenvolvida até então, e suas atuações auxiliam a impor sua personalidade. Nadji Jeter e Ítalo Luiz fazem um jovem Miles que realmente se parece com um adolescente, e a esperança e carisma são palpáveis. Já William Salyers e Silvio Toledo transmitem com perfeição a dor de Otto durante toda a sua jornada.  

A decisão de manter os nomes originais na dublagem brasileira foi um dos aspectos mais questionados pelo público, pois todos os consumidores já estão acostumados com as traduções, como Homem-Aranha, Abutre, Escorpião e, Homem-Areia. Porém, por motivos de padronização da marca, a Sony decidiu manter as pronúncias em inglês, o que não soa natural aos ouvidos dos gamers do Brasil.

Apesar das viradas dramáticas e muito emotivas, a palavra que melhor define a experiência de Spider-Man é diversão – e tudo isso se deve ao gameplay. Trazendo inspirações da série Batman Arkham, como a roda de equipamentos e o sistema de esquiva, além de resgatar mecânicas já utilizadas em jogos anteriores do cabeça de teia, a equipe de programação, liderada por Joseph Valenzuela, atinge o auge da movimentação fluida, dinâmica e ágil. A união disso com uma resposta rápida dos controles faz com que o jogador se sinta na pele do Homem-Aranha.  

A variabilidade de equipamentos, habilidades, poderes e missões fazem com que jogo não se torne enjoativo. Cada atividade se torna diferente da anterior, principalmente porque em algumas delas o game deixa a cargo do jogador a melhor maneira de se resolver aquela situação. Essas pequenas alterações aumentam os fatores de diversão e replay de uma nova jogatina. 

Os trechos de gameplay mais criticados por jogadores e jornalistas são as missões stealth, principalmente as que são necessárias jogar com MJ e Miles. Tais momentos quebram o ritmo do jogo e podem ser chatos, porém ainda são partes essenciais para criar uma variabilidade nas missões e aprofundar esses coadjuvantes através de suas atitudes. Além disso, esses trechos são tão poucos e curtos que não pesam tanto quando se observa toda a obra.

A recriação e ambientação de Nova York também é incrível, principalmente os pontos turísticos que são bastante fiéis à realidade. Intihar busca inserir lugares fictícios, que auxiliam na construção de um universo muito maior do que aquele visto durante o jogo. Alguns exemplos são a embaixada de Wakanda, Torre dos Vingadores, Sancto Sanctorum, Agência de Advogados Nelson e Murdock, entre outros easter eggs divertidos. 

Já a trilha sonora composta por John Paesano é espetacular, se encaixando perfeitamente na temática heróica. Mesmo quando o player está apenas passeando pela cidade, uma música ambiente transmite a sensação de estar em um filme. As composições de Spider-Man foram indicadas em quatro premiações diferentes, sendo elas International Film Music Critics Award, Etna Comics International Film Festival, Hollywood Music in Media Awards e The Game Awards, mas infelizmente não ganhou nenhuma delas. Foi somente a DLC isolada de Miles Morales que conquistou o prêmio de Melhor Música no BAFTA Games Awards. 

Homem-Aranha teve uma recepção calorosa, com notas positivas da crítica especializada e sendo considerado um dos melhores jogos de super-heróis já feitos, superando até mesmo os recentes games do Batman. Felizmente, esse universo foi expandido no conjunto de DLCs chamado A Cidade Nunca Dorme, que além de aprofundar as questões do relacionamento de Peter e MJ, também expandiu Nova York, apresentando o submundo da máfia. Até mesmo Miles teve sua expansão solo, Spider-Man Miles Morales, que ajudou a trabalhar com mais calma esse personagem que será muito importante no futuro da franquia.

Spider-Man é o jogo definitivo do cabeça de teia, trazendo uma história cativante, emocionante e muito bem contada, junto de personagens complexos e apaixonantes. Tudo isso é inserido em mecânicas formidáveis e divertidas e fazem com que a obra se torne o melhor jogo de super-herói já feito. Além disso, o game tem elementos bons o suficiente para afirmar que também é uma das histórias mais incríveis e emotivas já contadas dentro de um universo de heróis.

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Iris Italo Marquezini e Nathan Sampaio 

Em 2016, durante o painel da Sony na E3, o público foi surpreendido com a imagem inusitada de um garotinho brincando na neve. Uma voz chamava a criança e ela, a contragosto, entrava de volta em casa, interrompendo a diversão. Então, uma figura surge das sombras. Barbudo, albino e mais forte do que nunca, o público do evento começa a exclamar palavrões felizes ao perceber que Kratos, o anti-herói da série God of War, está de volta. Em 2018, o game finalmente chegou nas mãos dos fãs e recebeu de braços abertos novos interessados na história do Fantasma de Esparta. 

God of War se passa anos depois dos eventos dos jogos anteriores. Kratos reconstruiu sua vida em uma terra distante junto de sua esposa, Faye, e seu filho, Atreus. A história se inicia com o protagonista se tornando viúvo e tendo que cumprir o último desejo de sua amada, jogar suas cinzas do pico mais alto dos nove reinos. No entanto, a trajetória do personagem é atravessada por diversos desafios, combates, segredos e desentendimentos que, durante toda a jornada, poderá reconectar ou separar para sempre a relação pai e filho. 

O game pode ser considerado um soft reboot da série, pois ao mesmo tempo que traz elementos inéditos – como cenário, mitologia, temática e personagens – o passado e a personalidade do protagonista se mantêm. Dessa forma, novos gamers são apresentados ao mundo de God of War, enquanto os mais antigos retornam àquele universo de um jeito diferente. 

Retratando uma jornada de amadurecimento e conexão, o sétimo capítulo da franquia e o quarto da linha principal é o mais dramático e com a melhor construção narrativa. Tendo personagens complexos, relações conturbadas e interligadas, história envolvente e uma reinvenção da mitologia nórdica, o revival era tudo o que essa série precisava para captar novamente a atenção da comunidade gamer. 

O jogo de 2018 apresentou a melhor versão do Kratos já vista. Isso porque ele deixou de ser um boneco unidimensional que só expressa raiva para se tornar um personagem com uma gama imensa de sentimentos. Durante a viagem com Atreus, pode-se observá-lo expressando tristeza, preocupação, orgulho, amargura, vergonha e até mesmo medo. Todo esse espectro de emoções torna o protagonista mais crível e humano, por mais que ele continue sendo um deus. 

É interessante notar como a morte sempre foi a força motriz que guiou Kratos e como ela foi ressignificada nesse reboot. Nos primeiros episódios, a perda da sua família gerava raiva e indignação, motivando a cruzada contra Áries e os deuses do Olimpo. Enquanto no capítulo mais recente, a viuvez fez do deus da guerra alguém triste, mas que foi somente por causa desse acontecimento que ele pôde se conectar com o filho, o qual virou sua motivação ao final.

A evolução fenomenal desse personagem deve-se à presença do outro protagonista do jogo, Atreus. Aparentando ter dez anos de idade, o filho de Kratos desempenha um importante papel na jornada, pois pode ser considerado o coração da narrativa, trazendo sentimentalismo com sua personalidade e atitudes. Enquanto controlamos o seu pai durante o gameplay, vamos conhecendo e nos afeiçoando por ele de tal forma que, ao final da trama, nos sentimos profundamente conectados a ambos. 

Atreus é o ponto de leveza, pois enquanto o Kratos carrega muito amargor dentro de si e é muito silencioso durante a maior parte do tempo, seu filho sempre comenta os acontecimentos, conversa com o jogador e personagens não jogáveis (NPCs), além de sempre querer se provar ao pai, o que já demonstra a relação de ambos. Grande parte da qualidade da história vem por causa da presença desse personagem. Sem ele o enredo poderia se tornar genérico, assim como seus antecessores. 

A relação entre pai e filho é um dos pontos altos da narrativa. Uma conexão que é muito fria e distante no início se transforma em algo mais afetuoso e carinhoso, e isso só ocorre porque os heróis também mudam durante o trajeto. Kratos tem medo do seu passado e não quer revelá-lo; já Atreus não se sente amado e sofre muito com a perda da mãe. Todos esses temas são trabalhados de forma exemplar durante a trama para que ambos quebrem suas barreiras sentimentais e possam se entender profundamente. 

Talvez o ponto mais fraco dessa relação é quando Atreus descobre ser um deus, pois logo isso sobe à cabeça da criança, tornando-o mais cruel em suas falas e atitudes, menosprezando os mortais. O principal problema não é quando isso ocorre, mas quando o personagem toma consciência de suas ações e entende que é errado agir daquela forma, trazendo uma mudança de personalidade muito abrupta, que prejudica a imersão. Se fosse uma transformação gradual, deixando o lado humano aflorar aos poucos, beneficiaria a narrativa e a conexão do player com o recém descoberto semideus. 

Muito da veracidade dessa relação se dá porque o diretor do game, Cory Barlog, na época do desenvolvimento do projeto, se tornou pai e o sentimento se refletiu na jornada do jogo. Inclusive, esse e outros temas da produção foram mostrados no documentário Raising Kratos, lançado em 2019. Mas não é somente com esses dois personagens que a trama é construída. Há ainda outros encontros que aparecem ao longo da narrativa, que auxiliam ou atrapalham os protagonistas. Uma dessas interações marcantes se dá com Brok e Sindri, dois anões ferreiros que surgem para ajudar a melhorar os equipamentos de Kratos e Atreus. A dupla tem uma richa entre si e se alfinetam nos momentos de diálogo, tornando  suas participações pontuais, inesquecíveis. 

A bruxa da floresta também é uma personagem importantíssima na narrativa, pois desenvolve uma relação de respeito e conflito com Kratos. O game consegue criar uma aura de mistério muito cativante sobre sua identidade, pois durante grande parte da história não sabemos seu nome verdadeiro, suas motivações ou extensão de seus poderes. Contudo, aos poucos tudo isso é apresentado e cada descoberta é ainda mais surpreendente. 

A dinâmica do jogo também é drasticamente alterada por Mimir, o homem mais sábio dos nove reinos, mas que, por conflitos com Odin, é aprisionado em uma árvore indestrutível e torturado diariamente. Esse personagem faz um trato com Kratos, no qual o deus precisa cortar e reanimar sua cabeça e, em troca, ele informará qual é a montanha mais alta e como chegar nela. Tendo uma personalidade sarcástica, irônica e tagarela, essa figura complementa a dupla com suas histórias sobre o mundo e fazendo comentários divertidos durante a jornada. 

Por último, mas não menos importante, temos o antagonista chamado de Desconhecido no começo da história, mas que na metade da narrativa descobre-se ser Baldur, irmão de Thor. Sua figura é muito complexa, pois ele é um deus que nunca se fere e não sente nada, e por razões bastante pessoais, passa a perseguir a dupla principal. O mais marcante do personagem é, com certeza, as batalhas épicas que ele trava com o player: desde sua primeira aparição, ele já mostra a sua grandiosidade e a dificuldade que será enfrentá-lo todas as vezes, e isso gera muita empolgação a cada encontro. 

Os encontros com Baldur são apenas alguns dos vários momentos épicos que o jogo tem. Praticamente cada boss tem seu momento, sendo o Dragão o mais marcante dentre eles, mas até mesmo o combate com os trolls podem ser intensos da sua própria maneira. Para retratar os chefões, nada mais justo do que falar das icônicas Valquírias. É muito mais interessante enfrentá-las logo depois do final da história, já que encontrá-las é uma ótima oportunidade para descobrir novos locais no jogo e também são um excelente desafio. O mérito vai pelo fato de que cada Valquíria é única em suas habilidades, o que oferece mais algumas horas de diversão – ou estresse – para quem joga. 

A diversão dessas lutas vem do fato de que o jogador é obrigado a realmente usar todo o arsenal de habilidades disponível para as lutas. Elaborar estratégias, reconhecer os movimentos e agir no tempo exato é crucial para um bom desempenho. Atreus, inclusive, é indispensável nesses momentos para evitar determinados ataques das inimigas que querem se libertar da maldição de Odin. 

É importante ressaltar que os inimigos, que vão desde os mais simples draugrs até dragões, possuem visuais reimaginados de mitos antigos de forma bastante agradável ou até mesmo grotesca quando preciso. No meio do combate com diversos adversários ao mesmo tempo, é possível diferenciar cada criatura sem dificuldade; assim como o figurino de Kratos consegue torná-lo imediatamente reconhecível para os fãs mais antigos da franquia. Ainda assim, o novo visual situa o Fantasma de Esparta como alguém mais velho e dentro de outra mitologia. 

E Atreus? Ele é simplesmente perfeito. Anos após o lançamento do jogo, é difícil pensar em uma escolha tão bem acertada quanto colocar o filho de Kratos como alguém longe da postura musculosa e estóica do pai. Embora com porte físico diferente, o garoto não se distancia dos pais a partir do momento que usa faixa vermelha do pai na cintura e o cachecol amarelo da mãe. 

Todos esses detalhes, somados à atuação histórica da talentosa dupla Christopher Judge (Stargate SG-1) e Sunny Suljic (Mid90s e Sacrifício do Cervo Sagrado) resultaram em uma rápida identificação do jogador tanto com Kratos quanto com Atreus. A tecnologia de captura de performance utilizada pelo Santa Monica Studio conseguiu facilmente transmitir toda a habilidade e química que os atores compartilham entre si nos sets de filmagem. 

Vale menção também a Alastair Duncan como Mimir, que definitivamente roubou a cena, e Danielle Bisutti como Freya, que trouxe um peso de tragédia genial para a personagem, muito bem adaptado pela atriz Beatriz Villa na dublagem em português. As performances na versão dublada de Ricardo Juarez, Lipe Volpato e Milton Levy – como Kratos, Atreus e Mimir, respectivamente – estão entre as melhores dos jogos originais da Sony. 

O auge do game e que exemplifica o excelente drama da história está no momento em que Kratos enfrenta o seu medo do passado. No momento em que Atreus fica doente, o deus da guerra precisa buscar um artefato em Helheim, o submundo da mitologia nórdica, e para  isso precisará das lâminas do caos. Só o caminho de volta para casa já possui um peso emocional gigantesco e, ao encontrar as armas, há um diálogo com o fantasma de Athena, que faz o protagonista se lembrar do monstro que foi um dia. No entanto, os motivos pelo qual ele empunha aquelas espadas é outro: o símbolo que remetia a sua dor agora é usado para proteção de sua família. Essa ressignificação de parte da história do personagem é genial e entusiasmante. 

O que complementa em cheio as atuações e dá o tom verdadeiramente épico ao jogo é a brilhante trilha sonora de Bear McCreary (Anéis do Poder, Outlander e Battlestar Galactica). É por meio da trilha sonora que se transmite de forma ainda mais clara a masculinidade, o arrependimento e o amadurecimento de Kratos ao longo do enredo. É também por meio dela que compreendemos, sem ser vista em momento algum, a figura de Fey, a quem pertencem as cinzas que os protagonistas levam ao longo da jornada. O vocal da cantora feroesa Eivør Pálsdóttir dá o tom emocional preciso para a memória da mãe na história. 

O fato de não haver flashbacks clichês mostrando a figura da mãe merece elogios, já que o jogo constrói a imagem dela a partir de elementos (geralmente na cor amarela) espalhados pelo mundo e também pelas conversas (ou muitas vezes, pela falta delas) entre Kratos e Atreus. A escolha da história inteira se passar em um único plano-sequência é um dos fatores que tornam game uma obra-prima tanto narrativa quanto técnica. A câmera quase documental coloca o jogador tão perto dos acontecimentos que, nos momentos mais calmos, absolutamente todas as sutilezas e peso das atuações podem ser percebidas. Da mesma forma, quando a ação acontece, toda a violência (transmitida por animações belíssimas cheias de gore) se destaca em cheio. 

Dessa forma, percebemos um desenvolvimento de personagens muito bem construído por meio de centenas de linguagens não-verbais presentes na trama. Tudo isso aconteceu pela memorável direção de Cory Barlog, que soube juntar uma equipe genuinamente deslumbrante para tornar God of War (2018) real. Eventualmente, o projeto conquistaria merecidamente um dos prêmios mais cobiçados (senão o maior) da indústria de games: o prêmio de Jogo do Ano no The Game Awards de 2018. O jogo não só revitalizou a franquia a partir de um contexto mais maduro, como também serviu de inspiração para uma futura série do Amazon Prime Video. 

A mesclagem de mitologias é um pontos fortes de God of War, já que leva em consideração todo o passado do protagonista no mundo grego, tendo deuses e acontecimentos aparecendo de forma pontual durante a história. Já o universo nórdico apresentado é fascinante, mesmo mostrando apenas personagens secundários dos mitos. Cada cenário, criatura, artefato e personalidade é detalhado o suficiente para ser, no mínimo, perfeito. 

Também é louvável a adaptação que a equipe da Santa Monica Studios teve que fazer nas lendas nórdicas para incluir Atreus e Kratos no universo, já que a mera presença deles afeta diretamente relações, conflitos e até mesmo a hierarquia de poder. Junto disso, os desenvolvedores optaram por não mostrarem em tela os maiores nomes do panteão. Todos esses deuses são apenas citados, o que não reduz a relevância de Loki, Thor, Odin e até mesmo Týr com seu destaque e impacto no destino do protagonistas. O estúdio precisou evoluir e recontar os mitos de forma que não houvesse lacunas e ainda continuasse sendo coerente, como ocorreu magistralmente.  

Para que toda essa experiência seja imersiva o suficiente, é necessário que a jogabilidade também esteja alinhada. Felizmente, ela é muito bem executada. Como esse capítulo é um soft reboot, a desenvolvedora decidiu inovar no gameplay. Enquanto os jogos anteriores pertencem ao gênero de Hack’n Slash com elementos de RPG, essa nova versão faz o oposto trazendo elementos de outros games como Dark Souls, Bloodborne e The Witcher 3: Wild Hunt. 

Ao mesmo tempo que essa dinâmica torna o jogo único em relação aos anteriores da franquia e traz boas pitadas de estratégia (principalmente quando consideramos as lutas com as Valquírias), muito fica sem explicação. Algumas das estatísticas não aparecem transmitidas pelo gameplay e é preciso realmente parar e pesquisar para entender a diferença que elas fazem. 

É o caso dos atributos e da construção de armadura, algo novo na franquia e que tem por objetivo fazer com que o player molde o seu próprio Kratos. Porém, essa adição não é tão bem balanceada, visto que certas habilidades e equipamentos possuem pré-requisitos, o que faz com que o jogador precise upar o que o game pede e não necessariamente o que ele deseja. 

Os clássicos quick time events retornam nesta edição de 2018, porém de forma mais contida do que nos títulos anteriores. Nos capítulos lançados para Playstation 2 e 3 era comum a utilização desse recurso em qualquer combate, até mesmo os mais comuns, tanto que essa mecânica se tornou tendência entre outros títulos, como Asura’s Wrath e Dante’s Inferno. Já nesse soft reboot eles foram realocados para melhor imersão dos jogadores. 

Há motivos de sobra para entender God of War como um dos jogos mais imersivos da última década. A ambientação da mitologia nórdica vai muito além dos diálogos expositivos. Por meio de templos, estátuas abandonadas e literais cadáveres de seres gigantes no horizonte, todos os elementos visuais que cercam a aventura de Atreus e Kratos possuem uma estética de um mundo grandioso envelhecido ao longo de milênios. 

O reino de Álfheim, no qual acontece um embate constante entre os elfos claros e escuros, o Templo de Týr e a Casa da Bruxa é onde os designs épicos mais enriquecem os olhos do jogador. Todas essas muitas vezes literais ruínas de reinos antigos trazem a ideia de que os dois protagonistas são forasteiros em um mundo já muito bem estruturado. 

A exploração de God of War é um dos pontos fortíssimos do jogo. Após terminar a história principal, é fácil ficar de queixo caído ao ver o quanto ainda é possível explorar nas mais diversas localidades, tendo até mesmo reinos secretos para serem desbloqueados. Existe um vasto mundo de missões paralelas que expandem o universo e a relação de Atreus, Kratos e Mimir, detalhe mantido para a sequência God of War Ragnarok (2022). 

Opções não faltam para exploradores, mas em menor escala é justamente aí que o jogo falha. Ao mesmo tempo que o level design em ambientes externos é fenomenal e facilita a localização do jogador, em espaços fechados tudo se torna confuso e cansativo. O melhor exemplo disso é o Templo de Týr e as Minas Volunder, em que a jogabilidade, antes tão intuitiva, abre espaço para puzzles e enigmas desnecessariamente complexos comparados com o que foi estabelecido antes ao longo do gameplay.

De todo modo, a experiência continua excelente do começo ao fim da história principal. O recomeço de God of War conta uma das narrativas mais intimistas de um jogo AAA sem desrespeitar o que veio antes na franquia. O game dirigido por Cory Barlog sem dúvidas entra no hall de melhores jogos cinematográficos, junto com The Last of Us, Uncharted e The Walking Dead (Telltale Games). 

A obra equilibra uma gameplay violenta e brutal junto com personagens que tentam de tudo para se afastar da própria sensibilidade. Ao longo de diversos altos e baixos na própria relação, Kratos e Atreus aprendem mais sobre o mundo nórdico e principalmente sobre si mesmos. O que torna God of War uma obra-prima é que ele faz o mesmo com o jogador, que sai entendendo que até mesmo deuses tão poderosos e antigos podem sentir, mesmo que lá no fundo, sensações como medo, insegurança e uma vontade tremenda de darem e receberem algum amor. 

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Gabriel Oliveira F. Arruda

Em 2012, às vésperas do fim da sétima geração de consoles, um pequeno jogo de ação e furtividade em primeira pessoa foi lançado no dia 9 de outubro com o curto e simples nome “Dishonored”. O videogame foi disponibilizado inicialmente para PlayStation 3, Xbox 360 e PC, e a Crítica foi rápida em apontar suas semelhanças com Thief e Deus Ex, franquias famosas por formar as bases do gênero que hoje conhecemos como “immersive sims” (simuladores imersivos, em tradução livre), principalmente pela presença de Harvey Smith, diretor criativo de Dishonored e um dos designers do Deus Ex original. Desenvolvido pela Arkane Studios e publicado pela Bethesda Softworks (Fallout, The Elder Scrolls), o jogo angariou uma onda de resenhas positivas e se tornou o maior lançamento original do ano.

Nele, jogamos com Corvo Attano, Lorde Protetor do Império das Ilhas e guarda-costas pessoal da Imperatriz Jessamine Kaldwin (April Stewart) que presencia o momento de sua morte nas mãos de assassinos sobrenaturais. Sua filha e herdeira do trono, Emily (Chloë Grace Moretz), é sequestrada e Corvo, acusado de ser o autor dos crimes, é jogado na prisão por ordem do recém-nomeado Lorde Regente (Kristoffer Tabori).

Após escapar com a ajuda de um grupo de lealistas, o ex-Lorde faz um pacto com um ser misterioso conhecido apenas como “O Estranho” (Billy Lush), que lhe concede as mesmas habilidades sobrenaturais dos assassinos de sua monarca para auxiliá-lo na busca pela jovem Emily. O enredo vingativo de Dishonored transcorre na sombria metrópole suja e nebulosa de Dunwall, capital do Império, uma espécie de versão steampunk do Império Britânico movida por uma nova era de tecnologias possibilitada pelas propriedades do óleo de baleias e ameaçada por uma terrível praga transmitida por ratos.

A narrativa de Dishonored pode, às vezes, parecer ser seu aspecto mais fraco. Corvo é um protagonista sem voz e quase sem reação (todos nós grunhimos levemente ao sermos baleados, não é mesmo?), e o elenco secundário, apesar de contar com vozes estelares, não introduz muitos personagens dignos de nota. A silenciosa trama é estruturada ao longo de missões e pessoas que Corvo têm de eliminar para desvendar a conspiração por trás da morte da Imperatriz. Cada fase tem segredos próprios, assim como maneiras especiais de neutralizar os seus alvos, de modo que é possível passar pelo jogo inteiro sem ferir nem mesmo um rato.

No entanto, a verdadeira história de Dishonored é justamente a que acontece ao longo de cada uma dessas missões, nos níveis extremamente detalhados das variadas áreas da cidade. A Arkane coloca o jogador como protagonista dessa história, contada não por diálogos, mas por ações. Os poderes místicos de Corvo permitem duas coisas: que ele atravesse ruas com discrição e silêncio, mas também que se torne um tipo de “estranho”, semelhante à figura que os lhe concede. Assim, passamos grande parte do tempo apenas observando o que acontece, separados de Dunwall como se por um véu.

Quando de fato escolhemos agir, essas ações carregam impacto. A praga que se alastra sobre a capital é uma ameaça sempre presente nos lugares mais pobres, e a quantidade de corpos que o jogador deixa em seu rastro altera os números de roedores que encontramos. Apesar de ainda cair em um final binário caracterizado como “bom” ou “ruim”, as escolhas de Dishonored são feitas no calor do momento, e a atitude geral para com o mundo ao redor é o que dita o ritmo da trama e o quão imerso você estará nela.

As ferramentas à nossa disposição são variadas e específicas. Corvo é habilidoso com uma espada, mas sua maior arma é a versatilidade: a escolha não é entre “ser violento” ou “ser silencioso”, mas sim em como executar suas próprias ideias e os caminhos que a produção lhe oferece para exercitar seu arsenal de habilidades. Apesar de contar com marcadores indicando o destino a ser alcançado, há uma liberdade intrínseca na maneira que o jogo te direciona pelos capítulos da trama e abre espaço para que pequenas narrativas de cada nível florescerem.

Aqui, o design da cidade brilha ao se distanciar das fantasias medievais com que a Arkane estava acostumada a trabalhar, como Arx Fatalis (2002) e Dark Messiah of Might and Magic (2006), construindo uma estética vitoriana pautada no abismo socioeconômico que separa as classes de Dunwall. Com o motor gráfico Unreal Engine 3, a direção de arte consegue criar um estilo próprio próximo das artes conceituais, sem sacrificar identidade por realismo. Durante a produção da sequência, Dishonored 2 (2016), o time decidiu customizar seu próprio motor para melhor atender ao estilo de arte e as mecânicas desenvolvidas, desenvolvendo a Void Engine, que move todos os jogos do estúdio desde então.

Immersive sims não são um gênero particularmente popular ou rentável, como a maioria dos títulos pioneiros dele provam, apesar de zebras como BioShock (2K Games, 2007) e o próprio Dishonored se provarem exceções à regra. No entanto, são jogos que deixam sua marca e quase sempre garantem um status cult algum tempo depois de seu lançamento. Por mais que Deus Ex (Eidos Interactive, 2000) tenha alcançado a marca de um milhão de cópias apenas 9 anos depois de seu lançamento, sua influência no design de espaços interativos é sentida até hoje.

As bases do immersive sim estão mais do que presentes no título da Arkane: a não-linearidade dos níveis e o incentivo à interação e exploração em múltiplos sentidos; os diversos sistemas de física e reatividade que criam um mundo responsivo não só aos nossos impulsos, mas dos avatares virtuais que compõem a simulação em si; o cruzamento entre sistemas e as combinações que nascem da nossa própria engenhosidade, entre muitos outros. Mas parte do motivo que fez de Dishonored um sucesso é a maneira inteligente com que essas bases são usadas, não para confundir o público, mas para incentivá-lo a explorar todas as possibilidades que o título tem a oferecer. Graças à complexidade bruta de seu design, outros jogos do gênero muitas vezes não ganham essa boa vontade.

Depois do lançamento inicial, Dishonored recebeu duas expansões narrativas focadas em Daud (Michael Madsen), o verdadeiro assassino da Imperatriz Jessamine, e nas consequências de seu pacto com o Estranho. Em The Knife of Dunwall e The Brigmore Witches (2013), vemos o personagem buscando redenção pelos seus atos, mas também estamos no controle sobre a maneira pela qual ele se redime, reforçando a proposta de liberdade da Arkane. Além de um novo set de habilidades sobrenaturais diferentes das de Corvo, também passamos a enxergar Dunwall por uma nova perspectiva, expandindo seus horizontes.

Três anos depois, Dishonored 2 foi lançado para PlayStation 4, Xbox One e PC em 11 de novembro de 2016. Agora, contando não apenas com o ponto de vista de Corvo, o título nos deu a oportunidade de jogar com Emily (Erica Luttrell), 15 anos mais tarde, após ter sucedido a mãe como Imperatriz das Ilhas. Um golpe de estado organizado por sua tia perdida, Delilah (Erin Cottrell), com a ajuda do Duque Luca Abele (Vincent D’Onofrio), força um dos protagonistas a fugir de Dunwall e abandonar o outro.

Ao início do jogo temos a escolha de jogar com o Lorde Protetor (agora falante e interpretado por Stephen Russell), recebendo quase os mesmos poderes do jogo anterior, ou Emily, que recebe sua própria benção do Estranho (Robin Lord Taylor) para se opor às bruxarias que ele ofereceu à Delilah. Com a ajuda de Meagan Foster (Rosario Dawson), uma marinheira misteriosa com suas próprias motivações, eles partem para Karnaca, capital da ilha de Serkonos e berço da conspiração para destronar a jovem Imperatriz.

Dishonored 2 expande quase todos os aspectos de seu antecessor. Karnaca, a “Jóia do Sul”, tem uma direção de arte completamente diferente de Dunwall, trocando a austeridade vitoriana por um estilo art déco colonial inspirado em capitais como Havana e Cidade do Cabo. Com o novo motor gráfico, a cidade litorânea pulsa com vida e atração, convidando quem joga a explorar todos os seus cantos em busca de novos detalhes e narrativas. Com ainda mais poderes sobrenaturais à nossa disposição, atravessar a metrópole em direção a um objetivo é uma missão por si só.

Apesar da premissa inicial ser mais ou menos a mesma que a do primeiro, a sequência desenvolve muito melhor a narrativa central que guia suas personagens, fazendo bom uso de seu elenco secundário. Há um salto na variedade de missões e nas consequências de suas execuções que impactam a história principal de jeitos extremamente satisfatórios. Mecanicamente, o jogo não foge das bases estabelecidas no anterior, porém, ao combinar suas novas ideias com o design inspirado de Karnaca, cria um ímpeto que  nos carrega pelas quase 20 horas de duração e nos incentiva a repetir os níveis em busca de mais detalhes escondidos, de modo que duas pessoas dificilmente executariam o mesmo nível da mesma maneira.

Um ano depois, em setembro de 2017, o (até agora) último título da franquia foi lançado para as mesmas plataformas que seu antecessor. Dishonored: Death of the Outsider é uma expansão standalone de Dishonored 2, o que significa que você não precisa ter um para jogar o outro. Pouco após os eventos da sequência, Meagan Foster é recrutada pelo velho assassino Daud para um último e ambicioso contrato: matar o próprio Estranho. Daud identifica a entidade sobrenatural como o culpado pelas diversas crises que atingiram o Império nos últimos anos… e ele não está necessariamente enganado. A proposta de Death of the Outsider é não ser apenas mais um capítulo da franquia, mas uma examinação de sua figura mais críptica e interessante.

Mas afinal, como matar um deus? Para início de conversa, os desenvolvedores tiram o sistema de moralidade fora do caminho, deixando que você mate quantas pessoas quiser sem qualquer impacto para a conclusão da trama, denotando o quão diferente Meagan é dos protagonistas anteriores, com um senso moral estabelecido por suas experiências de vida. Todos os novos poderes, frutos de uma benção deturpada do Estranho, são liberados logo no início, o que incentiva a combinação de habilidades, mas elimina a progressão de personagem e tira parte da complexidade tão querida aos jogadores de longa data da série.

Tudo isso contribui para uma experiência mais simplificada, fruto de uma narrativa mais curta, mas que mantém a bola rolando com as performances comprometidas de Dawson, Madsen e Taylor. Bem como nas expansões do Dishonored original, em Death of the Outsider aprendemos a ver o Império sob uma nova perspectiva, reconsiderando tanto a natureza do Estranho quanto suas ações nos jogos anteriores. Hazel Monforton, uma das co-roteiristas do título, escreveu para o periódico PC Gamer, antes de ser contratada pela Arkane:

“Quando o Estranho nos oferece seus presentes, há mais do que duas escolhas a serem consideradas. Nós podemos ser o veneno que infecta a cidade com os horrores intermináveis da violência, ou podemos ser a cura que os suprimem sem a necessidade de outro sacrifício. Enquanto a população urra por sangue e para que o aparato de justiça e ordem execute os dissidentes nas ruas, Dishonored nos pergunta se o Estranho é tão temível quanto as paredes que o mantém de fora. Nós somos convidados a testemunhar a violência que mantém as hierarquias de Dunwall e Karnaca, a tomar parte delas ou rejeitá-las.”

Hazel Monforton, Uncovering the meaning of the Outsider, Dishonored’s misunderstood god

É a narrativa mais emocionalmente madura da série até agora, e o que poderia facilmente ser uma história cínica sobre a desmistificação de um ídolo pagão se transforma numa síntese dos principais temas de Dishonored até então. O sacrifício de alguns de seus elementos mais icônicos se revela necessária para que as verdadeiras ambições narrativas da Arkane entrem em foco. Apesar de tantas mudanças, uma filosofia permanece guiando cada uma das decisões feitas pelos desenvolvedores: a conclusão da saga do Estranho está invariavelmente nas suas mãos.

Seja por conta de um lançamento conturbado ou por um desgaste da marca, nem Dishonored 2 ou Death of the Outsider tiveram o mesmo sucesso financeiro do primeiro jogo da franquia. Mesmo não estando oficialmente em hiato criativo, a Arkane Studios se concentrou em outros projetos, como o assustador Prey e o frenético Deathloop (um dos melhores jogos de 2021), que se utilizam das bases de Dishonored para criar suas próprias experiências. Pode-se dizer que, por mais que não tenhamos tido um novo jogo da série desde 2017, os elementos que o inspiraram continuam sempre presentes no trabalho do estúdio.

Não só isso, os elementos do próprio immersive sim parecem ter se popularizado nos últimos anos graças ao trabalho de títulos híbridos. As comparações entre Cyberpunk 2077, um dos mais esperados da década, e os últimos jogos da franquia Deus Ex não foram poucas, por mais que o lançamento deste tenha sido um desastre à parte. Os grandes blockbusters da indústria puxam cada vez mais para uma estética realista que se adequa suspeitosamente com as ferramentas que o gênero tem a oferecer: Red Dead Redemption 2, The Last of Us Part II, God of War, entre tantos outros, buscam nos imergir em seus mundos criando simulações meticulosas e dolorosamente detalhadas.

Mas o que falta em todos eles para serem chamados de simuladores imersivos é justamente o tipo de agência que Dishonored oferece animadamente a quem joga: a chance de criar seu próprio estilo, de desenhar estratégias e ter que lidar com as consequências de seus desvios é uma das características definitivas de um meio pautado em sua interatividade. Há 10 anos, a Arkane Studios sorrateiramente nos oferecia o que hoje consideramos um dos melhores jogos de todos os tempos, e está mais do que na hora de revisitar a honra dessa experiência.

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Júlia Aguiar

Um indie que não parece indie: com gráficos elaborados e uma narrativa intrigante, Stray convida o jogador a experienciar, na pele de um felino, um cenário enigmático com luzes neons, as quais o seduzem para uma aventura na cidade futurista e ao mesmo tempo apocalíptica. Assim, nosso gato protagonista deve desvendar os puzzles necessários para escapar de um submundo esquecido e retornar à vida anterior com sua família. Não é à toa que a Annapurna Interactive, estúdio famoso por publicar jogos como Sayonara Wild Hearts e Outer Wilds, viu também potencial em Stray. Desenvolvido pela pequena equipe francesa BlueTwelve Studio, o game foi lançado em 2022.

Acompanhado por um drone que tem o mesmo nome da desenvolvedora (B12), nosso bichano perdido recebe a sua assistência para poder interagir com equipamentos eletrônicos ou ler o alfabeto dos robôs que vivem na cidade. Não fica claro no início da narrativa o porquê do jogador receber apoio de B12, mas a figura faz com que ele se sinta mais seguro, pois ajuda a enfrentar o que parecem ser nossos inimigos: os zurks. Esses seres similares a grandes carrapatos o perseguem sempre que possível, causando um desconforto digno de jogo de terror. Também não fica claro as intenções deles com o jogador, mas já apresentam um estado de perigo e apreensão.

Porém, a presença dos zurks, junto com outros drones que caçam o personagem, são os únicos momentos que promovem um raciocínio mais rápido e ao mesmo tempo cuidadoso. A obra não ultrapassa as barreiras dessa ambientação, o que é compreensível, já que não é um jogo de horror, sendo apenas uma pitada de tensão para acionar batidas descompassadas em nossos corações. 

Tirando as breves preocupações com o panorama desconhecido em Stray, os robôs humanóides trazem um alívio íntimo: o da rotina. A cidade, vivida pela população robótica nos restos do que poderia ter sido uma ocupação humana, carrega um conforto semelhante ao que vemos em temas cyberpunks. Nesse ambiente é apresentado baladas, comércios e entretenimentos equivalentes ao que temos na nossa espécie. Os NPCs, geralmente taciturnos, impressionam-se facilmente com a criatura pequena e peluda, expondo a feição deslumbrante dos seres robóticos.

E esse é um fator importantíssimo para a narrativa de Stray, porque é o que nos prende a trama. O anseio pela descoberta do que houve com os ancestrais dos seres humanóides, juntamente com a cativante amizade ou inimizade feita com os habitantes do local, são suficientes para transformar o player, cada vez mais, em espectadores de um filme em formato de jogo.

Não é surpresa que a cinematografia do game cumpra seu papel de maneira excelente – seja na direção de câmera, imagem ou cor. A estética mesclada de retrô e moderno acerta em todas as suas tentativas, principalmente quando somos invitados para um ‘pause’. Momentos esse em que o jogador deita-se na almofada enquanto a câmera se afasta lentamente e conduz a um olhar mais amplo do espaço, produzindo certo êxtase: você está em paz. 

Outro destaque no design do jogo é a sua trilha sonora focada no estilo synthwave, como em Stranger Things, propositalmente combinada com a atmosfera futurista melancólica. Ao ouvir as músicas enquanto explora a cidade, aflora-se um instinto para resolver os enigmas propostos, subconscientemente nos dizendo: “você está perto!”. A imersão está completa.

Além disso, a viagem é repleta de descobertas, ainda mais por sermos um animal curioso e que se impressiona com coisas comuns, igual nossos queridos pets. O gatinho ruivo encaixa perfeitamente no tipo de protagonista explorador – por ser de sua natureza – de modo que o player fique sempre atento ao que acontece ao seu redor. A jogabilidade segue a mesma linha de pensamento, a qual, embora tenha poucos movimentos e seja focada nos pulos, são essenciais para a investigação, e  obriga a olhar o cenário de outro ângulo.

Em suma, Stray entrega o que prometeu! O jogador pode experimentar pulos, quedas e corridas que, apesar de serem mecânicas simples, nos proporcionam as vivências do felino de quatro patas. Com sua mochilinha, nosso personagem extremamente fofo possui a ambição de um animal feroz e está pronto para resolver desafios – também simples – de desbloquear memórias de antepassados dos robôs, simultaneamente buscando seu caminho de volta para casa. Assim, mais do que um simulador de gato, a exploração do ambiente aberto e dos personagens constrói uma história misteriosa e divertida.

O enredo curto e direto, em torno de quatro a seis horas de gameplay, na verdade expõe que a contemplação do cenário é a verdadeira experiência para o jogador. Logo, a técnica da jogabilidade pode parecer repetitiva, mas cada passo vagaroso é necessário para a verdadeira pesquisa de campo do detetive nato que é nosso protagonista. O resultado? Stray prova que menos é mais.

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Cada vez mais, o número de jogadores do Persona cresce, e ainda bem. Em 2021, a Editoria se movimentou com ânsia para dar novos passos dentro do mundo dos Games, e aumentar a produção de conteúdo acerca desse universo. É um caminho árduo, mas trabalhamos e estivemos ligados na Gamescom, a maior feira de jogos digitais que existe, acompanhando os lançamentos mais importantes do meio por 3 dias, das grandes distribuidoras até as independentes. 

Depois, assistimos nossos jogos favoritos no The Game Awards, premiação reconhecida mundialmente, a maior e mais aguardada do universo dos games. Entre polêmicas, franquias retomadas, e boas surpresas, o ano foi apenas o começo do Persona nos Jogos. Assim, inspirados pela nova geração de consoles, apresentamos os Melhores Jogos de 2021. 

Desenvolvedoras, distribuidoras e jogadores estavam sedentos para ver as atualizações e os novos consoles. Final Fantasy XIV: Endwalker está no topo dessa lista. No começo, lá em 2010, o gênero de RPG em multijogador (MMORPG) era tido como ultrapassado, mas a saga terminou consagrada, e levando o prêmio de Melhor Jogo Contínuo no TAG 2021. 

Entre eles também está Halo Infinite, que retornou após 6 anos de mapa aberto, e caiu nas graças dos gamers de tal forma que Halo foi o ganhador do prêmio do público no TAG. Resident Evil Village compartilha da mesma quantidade de troféus na premiação, com seu Melhor Jogo de Performance. O jogo, que foi lançado no aniversário de 25 anos da série, ofereceu alguns dos melhores vilões de toda a sua trajetória e muito amor para seus fãs. 

 It Takes Two faz parte dos mais amados com sua aventura e o prêmio máximo do TAG de Jogo do Ano. Sua estética singular e narrativa de valor se uniu à jogabilidade, proporcionando vínculos reais aos jogadores. Na mesma onda de surpresas que aquecem nossos corações fica Kena: Bridge of Spirits. Com sua história bonita e sensível, e um visual digno de animações da Pixar, ele arrematou o Melhor Indie do ano. 

Mais um entre os mais esperados, a famosa franquia Life is Strange lançou True Colors. A continuação tem um enredo amadurecido com empatia, luto, e o poder de ver as emoções dos outros através de sua protagonista, ganhando merecidamente como Jogo de Impacto em 2021. O também favorito foi Deathloop, sendo o mais indicado no TAG com sua jogabilidade não-linear que apenas a Arkane Studios é capaz de oferecer. 

O brasileiro Unsighted, pelo contrário, foi deixado de lado, mesmo sendo um indie de sucesso. Suas desenvolvedoras, Tiana Pixel e Fernanda Dias, criaram de maneira independente algo autêntico, político e vivo, um marco no gênero metroidvania. Longe dos holofotes ficou a continuação de Subnautica, o lançamento cheio de neve, lição de moral, e modo exploração, Below Zero. E quem compartilha com a saga aquática o gosto por outras realidades é Ratchet & Clank: Em Uma Outra Dimensão. 

Se em time que ganha não se mexe, a franquia dos heróis intergalácticos sabe o que está fazendo ao demonstrar graficamente a capacidade tecnológica de ray tracing no PlayStation 5. Nessa mesma perspectiva, a Editoria do Persona faz parte de quem está cada vez mais empolgado com as evoluções, inquietos por experimentar todos os universos, e contar para os outros até onde é possível chegar jogando. Por isso, aproveite bem, pois, você sairá com os dedinhos coçando, na busca de um controle.

Deathloop

“O Loop é conhecimento”: este é o mantra de Deathloop, a nova produção dos criadores da série Dishonored. Você pode tentar pegar uma arma e tentar atirar em tudo que ver pela frente, mas não é assim que você derrota o loop temporal no qual o protagonista, Colt, se encontra. Com o objetivo de matar oito alvos na pequena ilha de Blackreef antes que o dia acabe, o jogador tem que usar as informações que adquire em cada ciclo para otimizar sua abordagem, em busca de arranjar um jeito de riscar todos os nomes de sua lista antes que Julianna, sua rival rancorosa e responsável pela segurança dos chamados “Visionários”, te ache primeiro.

Deathloop é um quebra-cabeça vivo e pulsante, que fala com o jogador a cada passo de Colt, e um mundo que reage vivamente às suas escolhas e oferece uma liberdade de movimento não-linear que apenas a Arkane Studios é capaz de oferecer. Com uma trama que se desenvolve através das pistas encontradas e as excelentes performances de Jason E. Kelley e Ozioma Akagha como os assassinos briguentos, contando ainda com uma direção de arte modernista saída diretamente dos anos 60 e um modo multiplayer maquiavélico, Deathloop é uma exploração infinitamente divertida e recompensadora de ansiedades contemporâneas e a própria natureza de videogames como um meio. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Momentos Favoritos: a “primeira” vez que Julianna te mata e o caminho para chegar até o loop perfeito.

Final Fantasy XIV: Endwalker

Se há uma coisa que não falta na indústria de videogames são histórias de superação: títulos que começaram com notas terríveis e foram, pouco a pouco, conquistando novamente seus jogadores através de novas expansões e atualizações. Porém, talvez nenhuma dessas histórias brilhe tanto quanto a de Final Fantasy XIV Online, que começou em 2010 como um MMORPG ultrapassado e hoje é reconhecida como uma das melhores tramas da famosa franquia da Square Enix. Com o lançamento da expansão Endwalker, a obra se consagra como tal e fecha uma história contada por anos de maneira satisfatória e subversiva.

Seguindo diretamente os aclamados eventos de Shadowbringers (2019), a nova expansão conta seus acontecimentos com admirável confiança, graças ao retorno da roteirista Natsuko Ishikawa que, junto com o resto da direção criativa, entregam um fim digno para vários dos arcos iniciados anos atrás, se diferenciando de outros títulos do mercado pela profundidade de seus personagens e se posicionando como um verdadeiro marco na história do gênero. Juntando a tudo isso a adição de duas novas e dinâmicas classes, a trilha sonora de Masayoshi Soken e mais de 50 horas de atividades, Final Fantasy XIV: Endwalker mais do que mereceu a estatueta de Melhor Jogo Contínuo no The Game Awards 2021. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Momentos Favoritos: o encontro de Emet-Selch, Hythlodaeus e Venat em Elpis e o discurso final de G’raha Tia.

Halo Infinite

O Halo Infinite foi tão bem feito que poderia facilmente ser transformado em um filme. A franquia sempre foi gloriosa na ação e aventura, mas seu último lançamento é, sem dúvidas, o melhor jogo de tiro de 2021, com seus gráficos e ambientação fantásticos do anel Zeta Halo, e a jogabilidade que a última geração de consoles da Microsoft exige. No modo campanha, a história enfatiza o desafio de Master Chief contra os Banidos, após ter sido lançado no espaço em Halo 5. Enquanto isso, o multiplayer é uma porta de entrada para que novos jogadores conheçam a franquia. A combinação de tradição e atualizações foi perfeita para mostrar que Infinite é o começo do futuro para o jogo.

A desenvolvedora 343 Industries cumpriu o desafio de reviver a história depois de 6 anos do último jogo lançado, e dar destaque para Master Chief antes de entregar nos braços dos fãs a grande novidade de poder explorar um mundo aberto na franquia. As missões são desbloqueadas aos poucos, conforme a própria história do jogo avança e novas áreas são conquistadas, o que trouxe uma jogabilidade sensacional no novo modo. Depois de muito atraso na continuação de Halo por sua péssima primeira impressão em 2020, o resultado entregue foi tão exemplar que rendeu ao jogo o prêmio do público, Player’s Voice Award, no The Game Awards de 2021. – Nathália Mendes

Momentos Favoritos: os ecos da Cortana enquanto o Master Chief procura pela sua nova Inteligência Artificial Arma na introdução do jogo; a cutscene da vilã Harbinger iniciando a “Reforma”; e a luta dentro do Auditório Silencioso que revela a morte da Cortana.

It Takes Two

Certamente tivemos muitos momentos intensos nos jogos em 2021, mas uma das experiências mais marcantes foi baseada em nada mais do que amizade e cooperação. It Takes Two, o mais novo título do estimado estúdio Hazelight te coloca na pele de um casal em vias de se separar, mas que são forçados a trabalhar juntos, após um pedido de sua filha os transformar em miniaturas de argila e madeira. A partir daí, os dois são lançados em uma versão alternativa de sua própria casa, recheada por personagens fantásticos enquanto vão, pouco a pouco, reconstruindo seu relacionamento.

Às vezes, sua estética o faz parecer uma mistura louca entre Toy Story e Divertida Mente. Mas apesar do visual singular, há um sabor especial na obra que se diferencia e oferece seu próprio valor sentimental, unindo a narrativa à jogabilidade e criando vínculos reais entre seus jogadores que, em uma época de isolamento social, são mais importantes do que nunca. Ganhando o prêmio máximo do The Game Awards, It Takes Two é um jogo enganosamente simples, mas que se torna maior que a soma de suas partes por meio do amor que seus desenvolvedores projetam em cada um de seus aspectos. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Momentos Favoritos: o mergulho psicodélico dentro de um lago subterrâneo; o RPG isométrico que nos transformou em cavaleiras e magos; e aquela vez em que nós tivemos que esquartejar um elefante de pelúcia.

Kena: Bridge of Spirits

O melhor jogo de 2021, Kena: Bridge of Spirits parece uma genuína animação da Pixar. Ninguém esperava que os gráficos seriam tão incríveis ou que a história fosse tão emocionante, mesmo que a Ember Lab, sua produtora independente, fizesse animações antes de adentrar no mundo dos games. Para além dos gráficos, o estilo adventure resgatou a gameplay de exploração com o diferencial do gênero indie em um mapa de tamanho ideal. A experiência de Kena pode ser traduzida como uma imersão emocionante e única em meio aos demais lançamentos do ano.

Seu enredo, desenrolado em um vilarejo assombrado por espíritos que não conseguiram descansar após a morte, e a jornada da protagonista em guiá-los para a paz, vai magicamente conquistando o coração, enquanto Kena transforma a paisagem em uma encantadora floresta montanhosa e conhece criaturas incríveis em sua jornada. Não por acaso, ele foi o ganhador da categoria Melhor Jogo Independente no The Game Awards de 2021, sendo mais um estímulo para que a protagonista e seus amigos Rots ganhem uma merecida continuação. – Nathália Mendes

Momentos Favoritos: a interação de Kena com os Rots, que é especialmente fofa quando ela os encontra, ou os dá chapéus, pulam em sua cabeça e nadam atrás dela; o momento em que Kena descobre a história das 3 primeiras almas que precisa guiar; e a história do último espírito e sua conexão com cada personagem e característica do jogo.

Life is Strange: True Colors

Produzido pela Deck Nine Games (a mesma por trás do fantástico Before The Storm), Life is Strange: True Colors é o terceiro lançamento principal da famosa franquia episódica da Square Enix. Seguindo o formato antológico de seus antecessores, o novo capítulo da série apresenta uma nova protagonista tendo que lidar com poderes sobrenaturais e o mundo à sua volta. Alex Chen (interpretada excepcionalmente por Erika Mori) se revela logo na narrativa como a melhor personagem que a franquia já nos ofereceu, possuidora de uma maturidade única e de uma profundidade que faltavam nos outros títulos, fruto das dificuldades pelas quais passou antes mesmo de assumirmos controle de seus passos.

O poder de ver as emoções dos outros através de auras coloridas se adequa unicamente à trama de True Colors, que lida com temas de empatia, pertencimento e luto de maneira mais sutil e sensível que os jogos anteriores, mas sem nunca perder o charme que conquistou milhões de jogadores. Com o uso de tecnologia de captura de movimentos para trazer suas atuações para o primeiro plano, a nova adição da Deck Nine estabelece um novo patamar para envolvimento emocional narrativo dentro da série, oferecendo escolhas introspectivas e silenciosas que vão se acumulando mais e mais, explodindo em um final completamente arrebatador. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Momentos Favoritos: o LARP de Haven Springs para animar Ethan; o beijo de Alex no Festival de Primavera e a explosão de cores que ele causa; e a última conversa entre Alex e Gabe no telhado.

Ratchet & Clank: Em Uma Outra Dimensão (Ratchet & Clank: Rift Apart)

Ratchet e Clank, heróis intergalácticos, precisam enfrentar Dr. Nefarious e seu maligno plano de aniquilar o universo. Esse tem sido um roteiro padrão desde o início da franquia Ratchet & Clank, e Rift Apart não parece interessado em propor mudanças, em vários sentidos. À título de exemplo, a inconfundível gameplay em 3ª pessoa da série, que mistura elementos de jogos de tiro com plataforma, mantém-se presente, frenética e estimulante como nunca. E de fato, em time que ganha não se mexe. A novidade do novo título da Insomniac Games está em outro lugar. Se a típica ameaça de Nefarious continua, ela agora vem acompanhada de viagens interdimensionais a contrapartes de outra realidade. Uma premissa curiosa, que entretanto não passa de um pretexto. Na verdade, Ratchet & Clank: Rift Apart, assim como Knack foi para o antecessor PS4, tem como principal finalidade testar os limites de performance do PlayStation 5 e, sobretudo, de seu potente SSD. 

E, nesse âmbito, não há do que reclamar. O loading quase inexistente concedido pelo console proporciona mudanças de cenário praticamente instantâneas e sequências de ação ainda mais vívidas e eletrizantes. Além disso, a aplicação impressionante da tecnologia do ray tracing transforma Rift Apart na melhor demonstração gráfica do PS5 até aqui – durante a jogatina, é difícil não imaginar estar controlando uma animação da Pixar. E mais boas notícias: o brilho de Ratchet & Clank: Em Uma Outra Dimensão vai muito além de uma amostra tecnológica. O jogo apresenta uma narrativa cativante, com um humor mordaz, acessível, e cheio de personagens carismáticos. A adição da Rivet, que divide o protagonismo com Ratchet, não apenas acrescenta à jogabilidade e à história, como também fortalece as relações e dinâmicas da equipe. E se é esse nível de qualidade que a atual geração tem a nos oferecer, então estaremos muito bem servidos. – Enrico Souto

Momentos Favoritos: a missão na Base Pirata de Ardolis; e o resgate de Ratchet e Kit.

Resident Evil Village

Lançado no aniversário de 25 anos da icônica série de terror da Capcom, o oitavo capítulo de Resident Evil parece simultaneamente abraçar o passado enquanto olha para o futuro. Sequência direta de Resident Evil 7 biohazard, a nova adição à franquia mantém a divisiva perspectiva em primeira pessoa que marcou sua antecessora, mas também retoma alguns dos elementos mais celebrados de sua história, tal como o personagem Mercador, o manejamento de inventário e o famoso modo Mercenários de Resident Evil 4. Mais ainda do que os remakes recentes, Village se lê como uma carta de amor para seus fãs.

Apesar de carecer de uma trama tão marcante quanto as outras, sua direção de arte eclética e sua pseudo família de vilões mutantes têm charme de sobra para cativar os jogadores do início ao fim da aventura: a premiada performance de Maggie Robertson como a gigantesca Lady Dimitrescu dominou a internet antes mesmo de sabermos seu nome, inspirando incontáveis fanarts e cosplays. Com uma mistura única de ação e terror em primeira pessoa, Resident Evil Village faz sua marca na série e, graças ao carisma de seus personagens, marca os jogadores também. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Momentos Favoritos: a luta contra Lady Dimitrescu no castelo e a revelação de sua forma final; a fuga do bebê monstruoso na mansão Beneviento; e a investida final contra Mãe Miranda nos pés de Chris Redfield.

Subnautica: Below Zero

Subnautica: Below Zero é um exemplo de como uma continuação consegue expandir o mapa de exploração de um jogo. A habilidade das produtoras Unknown Worlds Entertainment e Shiny Shoe LLC em criar outro mundo, diferente do primeiro e com novos biomas explorados com complexidade, foi exemplar. A segunda parte da franquia de Subnautica também mostrou que explorar um mapa embaixo d’água é tão maneiro quanto se enfiar em montanhas cobertas de neve, sendo um dos melhores lançamentos de 2021. 

O mérito do jogo, mais uma vez, é sua história cada vez mais bonita sobre a sobrevivência e recuperação de planetas alienígenas infectados por um vírus. Seu mundo aberto é fantástico, construído sabiamente para combinar a exploração, sobrevivência e ensinamentos sobre o desconhecido em uma gameplay. A continuação conseguiu manter seu mistério, revelando peças importantes e fantásticas como o Arquiteto, e deixando novamente um final aberto para a continuação, que acontecerá, mas em um futuro desconhecido. – Nathália Mendes

Momentos Favoritos: a exploração no gelo onde outros humanos habitavam anteriormente e realizavam pesquisas em criaturas do planeta; e a descoberta do Arquiteto e das construções alienígenas no subterrâneo.

Unsighted

Em uma indústria de games cujo maior blockbuster propõe um exercício vazio e descontextualizado da estética cyberpunk, a custo de uma lógica de produção exploratória que abusa de milhares de trabalhadoras, é um jogo indie, brasileiro, produzido por uma equipe de duas gamedevs trans, que proporciona o mais imaculado dos feitos da ficção científica recente. Tiana Pixel e Fernanda Dias formam o corpo da Studio Pixel Punk, desenvolvedora de Unsighted: um jogo pixel art que segue uma jogabilidade de Metroidvania, em uma perspectiva de câmera top down. Um monte de verborragia gamer, que sozinho jamais definiria a riqueza tanto de sua gameplay desafiadora, mas intuitiva e divertida, quanto da diversidade de seu elenco de personagens, repleto de vivências LGBTQIA+ representadas com a maior honestidade e humanidade possível.

O cenário é Arcadia, um mundo arruinado após uma guerra entre humanos e autômatos. Controlamos Alma, uma dessas androides, que corre contra o tempo para salvar a si e a seu povo de se transformarem em máquinas de matar isentos de consciência: os Unsighted. Porém, apesar do tom de urgência e do limite de tempo, que tornam tudo ainda mais desesperador, somos imersos naturalmente na mitologia do jogo, construindo vínculos sinceros com os habitantes da vila, de modo que realmente sentimos vida naquele universo. Além disso, Unsighted dá total liberdade para que o jogador possa se expressar como quiser, tornando cada experiência com a história única e autêntica. O game apresenta múltiplos caminhos, mas que são ordenados de maneira tão orgânica, que sequer percebemos quando tomamos decisões. Com uma história poderosa – e sempre política – sobre traumas, afetos e as mazelas de um sistema capitalista cruel, Unsighted é a obra mais viva do ano. – Enrico Souto

Momentos Favoritos: a primeira aparição de um Unsighted; e a busca por Prometeu, Cavaleire dos Ventos

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Gabriel Oliveira F. Arruda e João Paulo de Oliveira

Mais de uma década após seu lançamento original no Xbox 360, o pesadelo cult da Remedy Entertainment toma nova forma em Alan Wake Remastered, entregando a experiência definitiva da obra idealizada por Sam Lake. Inicialmente amaldiçoado por um período de desenvolvimento caótico, uma janela de lançamento inoportuna e um grande número de versões piratas, o remaster chega como uma segunda chance para que a franquia alcance o sucesso que sempre mereceu.

Atualizada para a nova geração de consoles com a ajuda do estúdio d3t, a remasterização é fruto de uma parceria com a publisher Epic Games, descrita como o menor dentre dois projetos. Apesar de não haver mais informações sobre o segundo produto, é altamente provável que seja uma sequência de Control, título anterior da Remedy que trouxe de volta o protagonista titular de Alan Wake.

Mais do que uma segunda chance para a franquia, o Remastered é uma reintrodução de um dos títulos mais importantes da última década, responsável por introduzir preceitos visuais e narrativos que se tornaram via de regra em diversas camadas da indústria. A jornada do escritor Alan Wake por uma cidade pacata no Noroeste Pacífico lutando contra as forças sinistras da Escuridão ganha uma nova roupagem, abrindo as águas de seu profundo lago para uma nova leva de teorias e expectativas para seu futuro.

Muito antes do formato episódico de jogos ser popularizado por títulos como The Walking Dead e Life is Strange, Sam Lake e Mikko Rautalahti já experimentavam com uma ideia similar. É fácil ver como os roteiristas da Remedy se inspiraram em narrativas surrealistas, a exemplo Twin Peaks e Além da Imaginação, para criar a pitoresca cidade de Bright Falls, e como o formato episódico serviu como uma luva na hora de estruturar a história do jogo.

Desenvolvido por cerca de três anos como um jogo de sobrevivência em mundo aberto, o Alan Wake original foi completamente retrabalhado pelo estúdio entre 2008 e 2010, de modo a construir uma experiência mais fechada e tensa do que eles planejavam. Porém, detalhes como o design meticuloso da cidade e os seus arredores ainda mostram sinais das ambições de seus realizadores. Apesar de podermos apreciar a beleza rústica de Bright Falls apenas de maneira linear, a obra passa um senso de lugar bastante convincente, limitando ao máximo a quantidade de elementos não-diegéticos na tela para garantir a imersão dos jogadores. A perspectiva não-linear seria mais bem desenvolvida em Control, que coloca os jogadores dentro de um gigantesco edifício brutalista para batalhar contra forças extradimensionais. 

Em Alan Wake, o terror e o sobrenatural assumem formas mais arquetípicas e reconhecíveis, mas que nos envolvem através da maneira misteriosa com que são apresentadas. Após chegarem na cidade e conhecerem alguns de seus curiosos habitantes, Alan (Matthew Porretta) e sua esposa, Alice (Brett Madden), são atacados por uma força sombria e incorpórea que parece infectar o ambiente, arrastando Alice para dentro de um lago e forçando seu marido à mergulhar atrás dela. Depois disso, Alan acorda atrás do volante de um carro na beira de um penhasco, sem memórias do que aconteceu na última semana, mas encontrando páginas de uma história que descreve os eventos que acontecem ao seu redor, aparentemente escrita por ele mesmo.

Alan Wake é certamente um conto de Terror (a introdução começa com uma citação do próprio mestre do gênero, Stephen King), colocando o  jogador no papel de alguém sem preparo e com equipamentos extremamente limitados, dando ênfase na tensão de cada encontro, e construindo aos poucos um envolvente thriller de ação cinematográfico. Mas ele também é, em sua estrutura e narrativa, uma história sobre contar histórias, um metatexto sobre a própria Remedy e seu processo de reinvenção nos anos 2000.

Descrito como um escritor prolixo, Alan Wake é responsável pela saga de livros policiais estrelando o detetive Alex Casey, mas que está sofrendo com um bloqueio criativo há cerca de dois anos, desde que encerrou a série, junto com a vida de seu detetive fictício. Similarmente, a Remedy ficou famosa no início do milênio pela série de jogos de ação Max Payne, que te colocam na pele de um ex-policial obcecado por vingança. A procura de Alan por sua próxima inspiração se tornou então uma maneira do próprio estúdio lidar com seu futuro, tendo de encontrar uma nova direção para levar suas ideias.

Na transição da ação para o terror e suspense, eles trouxeram várias de suas experiências anteriores, na mesma medida que retrabalharam outras. Ao invés do infame bullet time de Max Payne, que permite que o jogador desacelere o tempo de modo a atirar em mais pessoas, Alan Wake recompensa os jogadores com uma câmera lenta ao desviar dos inimigos ou quando um golpe especialmente bem dado atinge mais de um de uma vez.

É tudo sobre timing e conservação de energia. Para lutar contra a Escuridão, Alan precisa, antes de tudo, de uma lanterna: o item mundano é um dos mais importantes e é o único que vai sendo constantemente melhorado ao longo das quase 15 horas do título. Para que suas armas tenham efeito contra os habitantes possuídos, ele precisa primeiro apontar sua lanterna contra eles e esperar que a camada sombria que os cobre se dissipe. Com essa fórmula, cada embate torna-se uma dança de desvios e pausas críticas onde cada movimento conta.

Como enfatizado pelo próprio diretor criativo da Remedy, Sam Lake, em um de seus comentários que podem ser habilitados dentro do próprio título, um “remaster” foca em melhorar graficamente um jogo, deixando sua aparência mais próxima dos jogos da geração atual, mas sem alterar aspectos da estrutura em si. Alan Wake Remastered traz diversas dessas atualizações gráficas, como a resolução 4K e a tecnologia do DLSS, acessível apenas em computadores que possuem placas de vídeo da marca Nvidia a partir da geração RTX.

O aumento da resolução é algo muito perceptível para quem possui um monitor com resolução maior que 1920×1080 pixels. Em contrapartida, esse aumento gráfico acaba fazendo com que o jogo possa apresentar travamentos em computadores menos potentes. Como forma de driblar eles, a remasterização de Alan Wake possui a tecnologia DLSS, que, de forma resumida, processa o jogo em uma resolução menor e elimina, através de inteligência artificial, o “embaçamento” que a imagem teria ao ser esticada para a resolução do seu monitor, dando um produto final muito próximo do que seria a resolução se o DLSS não estivesse ativado, mas exigindo um menor processamento do computador.

Além dessas tecnologias implementadas, ganhamos muito mais profundidade no jogo pela escolha do estúdio em refazer todas as cutscenes, dando mais expressão e vida para as personagens, visto que podemos perceber ainda mais a interpretação dos atores, criando uma atmosfera até mais envolvente que a presente no jogo original. Porém, é bem perceptível a falta do cuidado fora dessas cenas, onde a movimentação dos personagens ainda é travada, gerando um certo estranhamento ao passar rapidamente de uma das sequências para o jogo normal.

Em termos de história, ela se mantém fiel ao original, apesar da confirmação do universo compartilhado entre Alan Wake e Control mudar a perspectiva que temos sobre alguns dos acontecimentos e seus personagens. Em Control, temos uma DLC inteira fazendo referência aos eventos que acontecem em Bright Falls durante Alan Wake, mas na remasterização essa ligação é extremamente sutil e apenas perceptível para os jogadores mais atentos. Alguns QR codes, que no jogo original eram simples easter eggs, aqui são substituídos por links para alguns vídeos que mostram o próprio Alan escrevendo diretamente do “Dark Place”, local onde ele estaria preso desde o final do jogo original, dez anos atrás , reforçando os rumores de que a tão esperada sequência para o título de 2010 esteja finalmente em desenvolvimento.

Alan Wake Remastered é um pacote bastante humilde, revitalizando um dos jogos single-player mais importantes da última década e trazendo suas excelentes expansões, sem revisar a experiência, escolhendo manter ela da maneira que foi concebida. Com enfoque em atualizar seu visual para algo aceitável em consoles e computadores modernos, a remasterização está sendo vendida por um preço que reflete essa humildade, passando bem longe do valor de jogos contemporâneos.

Em 2010, o mundo talvez não estivesse preparado para tudo que Alan Wake almejava alcançar. Uma narrativa surreal e transmídia, contada não só pelo jogo, mas por HQs, webséries e até mesmo álbuns musicais, o título estava quase destinado a fracassar num primeiro momento, prosperando nas sombras conforme mais e mais pessoas descobriam o prazer dos segredos de Bright Falls e suas muitas faces, se afundando em seu oceano de teorias e conspirações.

Já em 2021, a versão Remastered oferece a experiência completa e definitiva do título,  reunindo o conteúdo adicional dos episódios The Signal e The Writer, dando à velhos fãs a chance de rever o clássico com novos olhos e possibilitando que uma nova geração de jogadores se apaixone por seu Terror atmosférico e sua narrativa episódica. Por mais que ofereça poucos novos recursos além dos comentários de Sam Lake, é um pacote que mais do que justifica seu valor e insere novas baterias na lanterna do escritor mais famoso dos videogames.

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Gabriel Oliveira F. Arruda

Durante a EA Play Live de julho, foi anunciado que o primeiro jogo da franquia sci-fi de terror e sobrevivência Dead Space ganharia um remake completo. A obra do falecido estúdio Visceral (na época chamado EA Redwood Shores) será atualizada para a nova geração de consoles e PCs, entregando “melhorias na história, nos personagens e nas mecânicas de gameplay”, se utilizando da famosa Frostbite Engine. O clássico de 2008 será retrabalhado pelo EA Motive, o estúdio responsável por Star Wars: Squadrons, que está encarando o projeto como uma “carta de amor para a franquia”, segundo um comunicado oficial da empresa. 

Mas será que Dead Space precisa mesmo de um remake? A primeira aventura do engenheiro Isaac Clarke estabeleceu, ou pelo menos ajudou a popularizar, várias das tendências observadas no gênero até hoje, muitas vezes sendo considerado como um dos melhores jogos de terror de todos os tempos. O que há no pesadelo espacial de Isaac que precisa ser revisado e, mais importante, como revisá-lo sem comprometer a experiência original?

Brilha, brilha, estrelinha… Muito acima da colônia de mineração Aegis VII, a gigantesca nave USG Ishimura vaga silenciosamente pela imensidão do espaço. Dentro dela, um solitário engenheiro luta para obter respostas e sobreviver a uma praga que se alastrou por toda a tripulação, obrigando-os a retornar na forma dos grotescos necromorfos, monstros de membros alongados e distorcidos cujo único impulso discernível é matar.

Isaac Clarke (nomeado em honra dos autores de ficção científica, Isaac Asimov e Arthur C. Clarke) não estava, em nenhum sentido da palavra, preparado para essa situação. Ele não é um herói de ação, um matador treinado pronto para botar ordem na casa e expulsar os monstros. Ele é só um mecânico procurando por sua namorada desaparecida, tentando não morrer no processo. Ele também é um protagonista terrivelmente quieto, apenas expressando sons de dor (quando recebe dano ou morre) e alívio (quando não morre). Parte do que torna a sua atmosfera de terror tão densa, é o quanto Dead Space enfatiza a fragilidade de Isaac perante os eventos que estão se desenrolando ao longo de suas 12 horas de narrativa.

Porém, é nessa fragilidade que encontramos sua maior força, tanto como protagonista quanto como avatar do jogador nessa situação estarrecedora: Isaac é alguém que resolve problemas. Separado do oficial de segurança Hammond (Peter Mensah) e da especialista de computadores Daniels (Tonantzin Carmelo), Isaac recebe instruções dos dois à distância para achar maneiras de consertar a nave e ir superando as dificuldades técnicas que se apresentam, cenário após cenário. Essa estrutura procedural de “resolver problemas” faz com que até as situações mais críticas sejam quebradas em etapas e que o jogador se conecte com a personalidade de seu protagonista silencioso.

Muitas das mecânicas de gameplay foram modeladas a partir do altamente popular Resident Evil 4, jogo que mudou o foco da aclamada franquia do terror para a ação. A câmera no ombro do protagonista e a mira laser, assim como a variedade de maneiras de dar cabo dos inimigos e manejamento do inventário são claros exemplos disso. Sua narrativa também veste suas inspirações com orgulho: o clássico O Enigma do Horizonte de 1997 é uma das obras citadas pelo criador da franquia, Glen Schofield, na criação dos ambientes da Ishimura:

“Eu achei que O Enigma do Horizonte sucedeu em criar narrativas que aconteciam nos planos de fundo. Uma das personagens está de costas na cabine do piloto e, atrás dela, as luzes se acendem e o vidro está coberto de sangue, não parece normal, parece que algo horrível aconteceu e essa personagem não faz ideia. E eu queria que essa sensação se mantivesse durante todo o jogo.”

Glen Schofield, “How Dead Space’s Scariest Scene Almost Killed the Game”.

A atmosfera é concretizada através de um design de som inspirado, que adiciona personalidade não só às criaturas, mas à própria nave também. Dead Space encontra seu terror nos cantos frios e escuros de uma espaçonave à deriva, nas cenas nojentas que se desenrolam e nos inimigos macabros que Isaac encontra. E a única maneira de enfrentá-los é seguir em frente e ouvir os conselhos escritos em sangue nas paredes: “Corte os membros deles.”

Mesmo com todas as influências, o jogo ainda consegue criar novas mecânicas que mudam radicalmente a experiência. Nada de headshots aqui, a única maneira de dar cabo de um necromorfo é separando seus membros do corpo e pisar neles para garantir que estão mortos. Esse sistema adiciona uma dose de estratégia aos conflitos, deixando cada combate equilibrado e justo, por mais que Isaac esteja sempre em desvantagem. Cada vez mais os bichos vão deixando de parecer humanos e, com isso, sua estratégia para dar cabo deles também precisa ir se diversificando. Dispensando os movimentos elaborados de Leon Kennedy, Dead Space aposta na simples brutalidade de seu protagonista, com grandes resultados.

A situação de Isaac se reflete no equipamento que o engenheiro tem à sua disposição para dar cabo da ameaça: uma armadura pesada que limita seus movimentos e armas improvisadas, adaptadas para as ameaças. Os recursos são sempre limitados e fazer uma melhoria em um aspecto sempre significa não fazê-la em outro, criando um sistema de risco e recompensa viciante, que incentiva os jogadores à acharem e dominarem suas próprias preferências. 

Talvez a mais icônica dentre as armas futuristas de Isaac seja a primeira que ele encontra, no início do jogo, abandonada por alguém que provavelmente não leu os avisos nas paredes: o cortador de plasma. Usada por mineiros para separar elementos, o cortador é uma ferramenta compacta e simples, disparando três tiros em linha, podendo mudar o eixo de vertical para horizontal com apenas um botão. Bem como o próprio Isaac, é uma bela de uma gambiarra, fazendo o que tem de ser feito e, caso você invista seriamente nela, a melhor arma disponível. Capaz de despachar onda após onda de mortos reanimados com tiros bem posicionados, o cortador de plasma é uma das ferramentas principais durante a jornada.

Muito antes de God of War (2018) organizar uma campanha de marketing inteira baseada em sua narrativa em one take, Dead Space já apresentava ambições similares. Apesar de conter pausas entre seus capítulos conforme Isaac se move entre os diferentes setores da Ishimura, essas pausas ainda são diegéticas o suficiente para impressionar. Juntando a isso o fato de todos os menus estarem integrados em tempo real com o visor do protagonista, a simples ação de acessar um deles vira uma experiência em si só, um cálculo de risco e um teste de atenção.

Talvez a parte mais celebrada de sua UI (“user interface”) seja a maneira como ela convém a “vida” do protagonista: na coluna de Isaac, podemos ver uma coluna de luz que vai diminuindo de tamanho e mudando de cor conforme ele recebe dano. Isso permite que o jogador esteja sempre consciente da surra que está tomando e dos itens que precisará usar para se recuperar sem que tire os olhos da ação e se distraia. Mais de 10 anos depois, o HUD criado pela EA Redwood Shores ainda é considerado um dos patamares de excelência na criação de interfaces diegéticas em jogos.

“Nós descobrimos que o HUD (“heads-up display”) é efetivamente uma janela de vidro que separa você, o jogador, do personagem que você controla. Então, se nós conseguíssemos levantar essa barreira, você repentinamente mantinha essa conexão.”

Dino Ignacio, antigo UI designer de Dead Space, “Why games can’t abandon the HUD”.

Como dito anteriormente, a maior parte da narrativa do título acontece nos ambientes que o engenheiro encontra e nas formas cada vez mais grotescas que os necromorfos tomam. Assim, o silêncio do protagonista surge não como um impedimento na narrativa, mas como uma legítima resposta emocional aos eventos que acontecem. Se para mim é difícil descrever a visão de um feto cadavérico com três tentáculos tentando me matar, suponho que para Isaac também seja.

Conforme você explora os corredores apertados e os intestinos mecânicos da USG Ishimura, uma conspiração de segredos e cultos religiosos começa a surgir, e a verdade por trás do destino da tripulação é revelada. Por mais que não conte com as sequências cinematográficas de títulos modernos, o mistério ao redor da narrativa de Dead Space continua imersivo e engajante e, apesar de sua idade, seus visuais ainda ajudam a contar sua história (com exceção das expressões faciais de seus personagens).

Dead Space é um dos raros casos em que, mais de uma década após seu lançamento, é realmente difícil enxergar aspectos que estejam explicitamente ultrapassados. Sua câmera, seu combate metódico, sua narrativa cênica, são todos observados em títulos modernos, não só de terror, e até mesmo adotados por franquias antigas. Considerando isso, o que um remake do título teria a oferecer?

Apesar da narrativa ter o seu apelo, é possível ver como a obra se beneficiaria de melhores resoluções nas plataformas da nova geração e computadores potentes. Honestamente, só imaginar a quantidade e variedade de necromorfos com texturas e sons ainda mais realistas me faz ter calafrios. A história pessoal de Isaac e sua busca por Nicole (Iyari Limon) também precisa de poucos ajustes, principalmente melhorando a expressividade das personagens e capturando as nuances de seus atores. A já confirmada adição de opções de acessibilidade também são mais do que bem vindas, já que são cada vez mais  presentes em jogos AAA.

Mas um remake também precisa de algo a mais. Por mais que melhorias técnicas sejam importantes, títulos recentes como Resident Evil 2 e Final Fantasy VII Remake provam que mais do que “cartas de amor”, esses jogos precisam se justificar sozinhos. É preciso que haja intenção por trás das mudanças e que essas mudanças reflitam o sentido dado pela obra original. Um remake de Dead Space precisa achar maneiras inovativas de implementar diversas mecânicas que na época foram novidade, mas que hoje são via de regra, usando as ferramentas à sua disposição, muito como o desafortunado herói de sua história.

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